1.Sining ng Russia sa pagtatapos ng ika-20 siglo. Ang huling dekada ng ika-20 siglo sa Russia ay puno ng mga kaganapang pampulitika at pang-ekonomiya na radikal na nagbago ng sitwasyon sa bansa. Ang pagbagsak ng Unyon noong 1991 at isang pagbabago sa kursong pampulitika, isang paglipat sa mga relasyon sa merkado at isang malinaw na oryentasyon patungo sa Kanluraning modelo ng pag-unlad ng ekonomiya, sa wakas, ang pagpapahina, hanggang sa kumpletong pag-aalis, ng kontrol sa ideolohiya - lahat ng ito sa unang bahagi Ang 90s ay nag-ambag sa katotohanan na ang kultural na kapaligiran ay nagsimulang magbago nang mabilis. Ang liberalisasyon at demokratisasyon ng bansa ay nag-ambag sa pagbuo at pagbuo ng mga bagong tendensya at direksyon sa sining ng Russia. Ang ebolusyon ng sining noong 1990s sa Russia ay nangyayari sa paglitaw ng mga uso na likas sa postmodernism, sa paglitaw ng isang bagong henerasyon ng mga batang artista na nagtatrabaho sa mga lugar tulad ng, konseptwalismo, computer graphics, neoclassicism nauugnay sa pag-unlad ng teknolohiya ng computer sa Russia. Ang pagkakaroon ng bumangon mula sa klasikal na eclecticism, ang "New Russian Neoclassicism" ay naging isang "multifaceted brilyante", na pinagsasama sa sarili nito ang iba't ibang direksyon na hindi sa anumang paraan nabibilang sa "classics" bago ang panahon ng modernismo. Neoclassicism ay isang trend sa sining kung saan binubuhay ng mga artist ang mga klasikal na tradisyon ng pagpipinta, graphics, sculpture, ngunit sa parehong oras ay aktibong ginagamit nila ang pinakabagong mga teknolohiya. British historian at art theorist Edward Lucy Smith tinawag na Russian neoclassicism na "ang unang kapansin-pansing kababalaghan ng kulturang Ruso na nakaimpluwensya sa proseso ng sining ng mundo pagkatapos ng Kazimir Malevich." Ang neoclassicism ay humingi ng ibang saloobin sa sinaunang panahon kaysa sa mga klasiko. Ang makasaysayang pananaw ng kulturang Griyego ay gumawa ng mga antigong gawa na hindi isang ganap, ngunit isang kongkretong makasaysayang ideal, samakatuwid ang imitasyon ng mga Greeks ay nakakuha ng ibang kahulugan: sa pang-unawa ng sinaunang sining, hindi ang normativity nito ang nauna, ngunit kalayaan, ang pagsasaayos ng mga alituntunin na sa kalaunan ay magiging kanon, ang tunay na buhay ng mga tao ... D.V. Sarabyanov hinahanap ang neoclassicism bilang isang uri ng "komplikasyon" ng modernidad. Sa pantay na posibilidad, ang neoclassicism ay maaaring ituring na parehong late modernity at isang independent trend. Sa gawain ng "mga bagong artista" ay walang purong modernidad o hiwalay na neoclassicism, palagi silang lumilitaw na magkakaugnay, pinagsama ng mga artista ng bagong akademya ang ilang mga uso sa visual arts nang sabay-sabay: avant-garde, postmodernism, classicism sa "collage space ". Ang mga gawa ng "mga bagong artista" ay eclectic, pinagsama ang mga computer graphics, pag-ukit, pagpipinta at pagkuha ng litrato. Na-digitize ng mga artista ang mga natapos na gawa, na-highlight ang mga kinakailangang fragment at lumikha ng mga collage, mahusay na pinanumbalik ang mga costume at palamuti ng sinaunang panahon. Ang kumbinasyon ng mga tradisyunal na pamamaraan na may mga kakayahan ng mga computer graphics program ay nagpalawak ng malikhaing potensyal ng mga artist. Ang mga collage ay nakolekta mula sa na-scan na materyal, ang mga artistikong espesyal na epekto ay inilapat sa kanila, na-deform, na lumilikha ng mga ilusyon na komposisyon. Ang pinakakilalang kinatawan ng Petersburg neoclassicism noong unang bahagi ng 90s ay O. Toberluts, E. Andreeva, A. Khlobystin, O. Turkina, A. Borovsky, I. Chechot, A. Nebolsin, E. Sheff. Neoclassicism Toberluts ay isa sa mga manipestasyon ng romantisismo. Ang kanyang mga gawa ay naglalaman ng damdamin ng isang tao, mga pangarap, maharlika, isang bagay na masigasig at nakadirekta sa isang hindi maisasakatuparan na ideyal. . Ang artista mismo ay nagiging pangunahing tauhang babae ng kanyang mga gawa. Sa mga tuntunin ng stylistics, ang gawa ni O. Toberluts ay maaaring tukuyin bilang neoclassicism, na dumaan sa postmodern consciousness, bilang isang eclectic na mundo kung saan ang mga sinaunang templo, Renaissance interior, Dutch mill at costume mula sa designer na si K. Goncharov ay inilalarawan bilang isang touch ng modernity. . Ang walang katapusang mga posibilidad ng computer graphics ay ginagawang kamangha-mangha at supernatural ang mga gawa ni O. Tobreluts. Paggamit ng teknolohiya sa kompyuter E. Scheff bumalik sa sinaunang Greece, pagkatapos ay sa sinaunang Roma, na lumilikha ng mga larawan ng sinaunang mitolohiya sa kanyang mga collage. Sa serye "Mga alamat ng Ludwig" gumamit ang pintor ng mga larawan ng mga eskulturang Griyego, mga istrukturang arkitektura, na nagpapataw ng mga epekto ng sinaunang panahon sa kanila. Sa tulong ng teknolohiya ng computer, ibinalik ng artist ang malinis na kalikasan ng Colosseum, na nagsasagawa ng mga kamangha-manghang ekskursiyon sa paligid nito. Digital na pagpipinta Shutova kumakatawan sa emosyonal na katumbas ng kanyang maraming libangan. Naglalaman ito ng parehong mga klasikong Griyego at mga dayandang ng etnograpikong pananaliksik, gayundin ang mga elemento ng subculture ng kabataan. Kaya, mapapansin na ang pagtatapos ng ika-20 siglo ay isang pagbabago hindi lamang sa buhay pampulitika at pang-ekonomiya ng Russia, kundi pati na rin sa sining. Noong dekada 90, inilatag ang isang malakas na trend sa visual arts, "new Russian neoclassicism". Ang pag-unlad ng mga teknolohiya ng computer sa Russia ay pinalawak ang malikhaing potensyal ng mga artista, mga bagong artista, gamit ang mga bagong teknolohiya, lumikha ng mga klasikal na gawa. Ang pangunahing bagay ay hindi pamamaraan at teknolohiya, ngunit aesthetics. Ang kontemporaryong sining ay maaari ding maging klasiko. 2. Sining ng Russia sa simula ng ika-21 siglo. Ang isang tampok ng visual arts sa pagpasok ng ika-20 at ika-21 na siglo ay naging malaya ito mula sa censorship, mula sa impluwensya ng estado, ngunit hindi mula sa ekonomiya ng merkado. Kung noong panahon ng Sobyet, ang mga propesyonal na artista ay binigyan ng isang pakete ng mga garantiyang panlipunan, ang kanilang mga pagpipinta ay binili sa mga pambansang eksibisyon at mga gallery, ngayon ay maaari lamang silang umasa sa kanilang sariling lakas. Ngunit ang pagpipinta ng Russia ay hindi namatay at hindi naging isang pagkakahawig ng sining ng Kanlurang Europa at Amerikano, patuloy itong umuunlad batay sa mga tradisyon ng Russia. Ang kontemporaryong sining ay ipinakita ng mga kontemporaryong gallery ng sining, pribadong kolektor, komersyal na korporasyon, organisasyon ng sining ng pamahalaan, kontemporaryong museo ng sining, art studio o ng mga artist mismo sa lugar na pinapatakbo ng artist. Ang mga kontemporaryong artista ay tumatanggap ng suportang pinansyal sa pamamagitan ng mga gawad, parangal at premyo, at tumatanggap din ng mga pondo mula sa pagbebenta ng kanilang mga gawa. Ang pagsasanay sa Russia ay medyo naiiba sa kahulugang ito mula sa kasanayan sa Kanluran. Ang mga museo, Biennial, festival at fair ng kontemporaryong sining ay unti-unting nagiging instrumento para sa pagpapalaki ng puhunan, pamumuhunan sa negosyong turismo, o bahagi ng patakaran ng pamahalaan. Ang mga pribadong kolektor ay may malaking impluwensya sa buong sistema ng kontemporaryong sining. Sa Russia, ang isa sa pinakamalaking koleksyon ng kontemporaryong sining ay pag-aari ng non-state museum of contemporary art Erarta sa St. Petersburg. Mga direksyon sa kontemporaryong sining: Di-Spectacular Art- isang kalakaran sa kontemporaryong sining na tumatanggi sa pagiging tatag at dula-dulaan. Ang isang halimbawa ng naturang sining ay ang pagganap ng Polish artist na si Pavel Althamer "Script Outline", sa eksibisyon na "Manifesta" noong 2000. Sa Russia, nag-alok siya ng sarili niyang bersyon ng di-kamangha-manghang sining Anatoly Osmolovsky, sining ng kalye(eng. Sining sa kalye- street art) - fine art, isang natatanging tampok na kung saan ay isang binibigkas na istilo ng lunsod. Ang pangunahing bahagi ng street art ay graffiti (aka spray art), ngunit hindi maituturing na graffiti ang street art. Kasama rin sa street art ang mga poster (non-commercial), stencil, iba't ibang sculptural installation, atbp. Sa street art, bawat detalye, maliit na bagay, anino, kulay, linya ay mahalaga. Gumagawa ang artist ng sarili niyang naka-istilong logo - isang "natatanging tanda" at inilalarawan ito sa urban landscape. Ang pinakamahalagang bagay sa sining ng kalye ay hindi magtalaga ng teritoryo, ngunit upang isali ang manonood sa diyalogo at magpakita ng ibang programa ng balangkas. Ang huling dekada ay minarkahan ang iba't ibang mga istilo na kinuha ng street art. Ang paghanga sa mas lumang henerasyon, ang mga batang manunulat ay mulat sa kahalagahan ng pagbuo ng kanilang sariling istilo. Kaya, ang mga bagong sangay ay umuusbong, na hinuhulaan ang isang mayamang hinaharap para sa kilusan. Ang iba't ibang mga bagong anyo ng sining sa kalye kung minsan ay nahihigitan ang saklaw ng lahat ng nilikha noon. Airbrushing - isa sa mga nakalarawang pamamaraan ng visual arts, gamit ang isang airbrush bilang kasangkapan sa paglalagay ng likido o powder dye gamit ang naka-compress na hangin sa ibabaw. Maaari ding gumamit ng spray paint. Dahil sa malawakang paggamit ng airbrushing at ang paglitaw ng isang malaking bilang ng iba't ibang mga pintura at komposisyon, ang airbrushing ay nakatanggap ng isang bagong impetus para sa pag-unlad. Ngayon ang airbrushing ay ginagamit upang lumikha ng mga pagpipinta, pag-retouch ng mga larawan, taxidermy, pagmomodelo, pagpipinta ng tela, pagpipinta sa dingding, sining ng katawan, pagpipinta ng kuko, pagpipinta ng mga souvenir at mga laruan, pagpipinta ng mga pinggan. Madalas itong ginagamit para sa pagguhit ng mga larawan sa mga kotse, motorsiklo, iba pang kagamitan, sa pag-print, sa disenyo, atbp. Salamat sa isang manipis na layer ng pintura at ang kakayahang maayos na i-spray ito sa ibabaw, posible na makamit ang mahusay na mga pandekorasyon na epekto tulad bilang makinis na mga transition ng kulay, three-dimensionality, photographic ang pagiging totoo ng nagresultang imahe, imitasyon ng isang magaspang na texture na may perpektong kinis sa ibabaw.

Mga paksa at tanong ng mga seminar;

Paksa 1. Mga pangunahing konsepto ng kasaysayan ng sining at kasaysayan ng sining.

Mga Tanong:

1. Ang suliranin sa pag-uuri ng mga uri ng sining.

2. Ang konsepto ng "gawa ng sining". Ang pinagmulan at layunin ng isang likhang sining. Trabaho at sining.

3. Ang kakanyahan, layunin, layunin ng sining.

4. Ang mga tungkulin at kahulugan ng sining.

5. Ang konsepto ng "estilo". Artistic na istilo at oras nito.

6.Pag-uuri ng sining.

7. Ang kasaysayan ng paglitaw at pagbuo ng kasaysayan ng sining.

Mga isyu para sa talakayan:

1. May 5 alam na kahulugan ng sining. Ano ang katangian ng bawat isa sa kanila? Alin sa mga kahulugan ang iyong sinusunod? Maaari mo bang bumalangkas ang iyong kahulugan ng sining?

2. Ano ang layunin ng sining?

3. Paano mo matutukoy ang isang likhang sining? Paano nabubuhay ang "artwork" at "artwork"? Ipaliwanag ang proseso ng paglitaw ng isang likhang sining (ni I. Teng). Ano ang gawain ng isang likhang sining (ayon kay P.P. Gnedich)?

4. Ilista ang 4 na pangunahing tungkulin ng sining (ayon sa I.P. Nikitina) at apat

posibleng pag-unawa sa kahulugan ng sining.

5. Tukuyin ang kahulugan ng konseptong "estilo". Anong mga istilo ang alam mo sa sining ng Europa? Ano ang "art style", "art space"?

6. Ilista at ilarawan nang maikli ang mga uri ng sining: espasyo, oras, espasyo-panahon at kamangha-manghang sining.

7. Ano ang paksa ng pag-aaral sa kasaysayan ng sining?

8. Ano sa palagay mo ang tungkulin ng mga museo, eksibisyon, gallery, aklatan para sa pag-aaral ng mga gawa ng kasaysayan ng sining?

9. Mga kakaiba ng sinaunang pag-iisip tungkol sa sining: Napanatili ang impormasyon tungkol sa mga unang halimbawa ng panitikan tungkol sa sining ("Canon" ni Polycletus, mga treatise ni Duris, Xenocrates). "Topographic" direksyon sa panitikan tungkol sa sining: "Paglalarawan ng Hellas" Pausanias. Paglalarawan ng mga gawa ng sining ni Lucian. Ang konsepto ng Pythagorean ng "espasyo" bilang isang maayos na kabuuan, napapailalim sa mga batas ng "pagkakatugma at numero" at ang kahalagahan nito para sa mga simula ng teorya ng arkitektura. Ang ideya ng kaayusan at proporsyon sa arkitektura at pagpaplano ng lunsod. Mga larawan ng isang perpektong lungsod sa mga akda ni Plato (ang ikaanim na aklat ng Mga Batas, ang diyalogo na "Critias") at Aristotle (ang ikapitong aklat ng Politika). Pag-unawa sa Sining sa Sinaunang Roma. "Natural History" ni Pliny the Elder (1st century AD) bilang pangunahing mapagkukunan ng impormasyon sa kasaysayan ng sinaunang sining. Vitruvius's Treatise: Isang Systematic Presentation ng Classical Architectural Theory.

10. Ang kapalaran ng mga sinaunang tradisyon sa Middle Ages at ang mga kakaibang ideya ng medieval tungkol sa sining: Aesthetic view ng Middle Ages (Augustine, Thomas Aquinas), ang nangungunang aesthetic na ideya: Ang Diyos ang pinagmulan ng kagandahan (Augustine) at ang kahalagahan nito para sa masining na teorya at kasanayan. Ang ideya ng isang "prototype". Mga tampok ng panitikan sa medieval tungkol sa sining. Practical-technological, recipe manuals: "The Guide of Painters" mula sa Mount Athaon ni Dionysius Furnagrafiot, "On the Colors and Arts of the Romans" ni Heraclius, "Schedula" (Schedula) ni Theophilus. Paglalarawan ng mga monumento ng arkitektura sa mga salaysay at buhay ng mga santo.

11. Ang Renaissance bilang isang turning point sa kasaysayan ng pag-unlad ng European art at art history. Isang bagong saloobin patungo sa antiquity (pag-aaral ng mga antiquity monuments). Ang pagbuo ng isang sekular na pananaw sa mundo at ang paglitaw ng pang-eksperimentong agham. Pagbuo ng isang ugali patungo sa makasaysayang at kritikal na interpretasyon ng art phenomena: "Mga Komento" ni Lorenzo Ghiberti Mga Treatises sa mga espesyal na isyu - pagpaplano ng lunsod (Filarete), mga proporsyon sa arkitektura (Francesco di Giorgio), pananaw sa pagpipinta (Piero della Francesca). Teoretikal na pag-unawa sa Renaissance turning point sa pag-unlad ng sining at ang karanasan ng humanistic na pag-aaral ng sinaunang pamana sa mga treatise ni Leon Batista Alberti ("On the Statue", 1435, "On Painting", 1435-36, "On Arkitektura"), Leonardo da Vinci ("Treatise on Painting" , nai-publish pagkatapos ng kamatayan), Albrecht Durer ("Apat na aklat sa proporsyon ng tao", 1528). Pagpuna sa teoryang arkitektura ni Vitruvius sa Sampung Aklat sa Arkitektura (1485) ni Leon Batista Alberti. Vitruvian "Academy of Valor" at ang mga aktibidad nito sa pag-aaral at pagsasalin ng gawain ni Vitruvius. Treatise of Giacomo da Vignola "The Rule of Five Orders of Architecture" (1562). Apat na Aklat sa Arkitektura (1570) ni Andrea Palladio ay isang klasikong epilogue sa kasaysayan ng arkitektura ng Renaissance. Ang papel ni Palladio sa pagbuo ng mga ideya sa arkitektura ng Baroque at Classicism. Palladian at Palladianism.

12. Ang mga pangunahing yugto ng pagbuo ng makasaysayang kasaysayan ng sining sa modernong panahon: mula sa Vasari hanggang Winckelmann: "Mga talambuhay ng mga pinakatanyag na pintor, eskultor at arkitekto" Giorgio Vasari (1550, 1568) bilang isang landmark na gawain sa kasaysayan ng pagbuo ng agham ng sining. "The Book of Artists" ni Karel Van Mander bilang pagpapatuloy ng mga kwento ng buhay ni Vasari batay sa materyal ng Dutch painting.

13. Mga nag-iisip ng ika-18 siglo sa mga problema ng estilo ng edukasyon sa sining, sa mga pamamaraang masining, ang lugar at papel ng artista sa lipunan: Rasyonalismo sa kasaysayan ng sining. Ang klasikong teorya ni Nicolas Poussin. Ang teoretikal na programa ng klasisismo sa "Poetic Art" ni Nicolas Boillo (1674) at "Mga pag-uusap tungkol sa mga pinakatanyag na pintor, luma at bago" ni A. Feliben (1666-1688).

14. Edad ng Enlightenment (ika-18 siglo) at teoretikal at metodolohikal na mga problema ng sining. Pagbuo ng mga pambansang paaralan sa loob ng balangkas ng pangkalahatang teorya ng sining. Ang pag-unlad ng pagpuna sa sining sa France. Ang papel ng mga Salon sa Pranses, artistikong buhay. Mga Review ng Salon bilang Mga Nangungunang Anyo ng Kritikal na Literatura sa Sining Biswal. Mga pagtatalo tungkol sa mga gawain ng pagpuna sa sining (pagtatasa ng pagkamalikhain o pampublikong edukasyon). Mga tampok ng kasaysayan ng sining ng Aleman. Kontribusyon sa teorya ng visual arts ni Gothold Ephraim Lessing. Treatise "Laocoon" (1766) at ang problema ng mga hangganan ng pagpipinta at tula. Pagpapakilala ng konsepto ng "fine arts" sa halip na "fine arts" (paglilipat ng diin mula sa kagandahan tungo sa katotohanan at pagbibigay-diin sa visual-realistic function ng sining). Ang kahalagahan ng mga aktibidad ni Johann Joachim Winckelmann para sa pagpapaunlad ng makasaysayang agham ng sining. Ang konsepto ni Winckelmann ng sinaunang sining at ang periodization ng pag-unlad nito.

15. Ang pinagmulan ng kaisipang Ruso tungkol sa sining. Impormasyon tungkol sa mga artist at mga artistikong monumento sa Russian medieval chronicle at epistolary sources. Pagtataas ng mga tanong tungkol sa sining sa panlipunan at pampulitika na buhay noong ika-16 na siglo (Ang Stoglavy Cathedral ng 1551 at iba pang mga Katedral) bilang katibayan ng paggising ng kritikal na pag-iisip at pakikibaka ng iba't ibang mga ideolohikal na uso.

16. Isang radikal na pagbabago sa sining ng Russia noong ika-17 siglo: ang pagbuo ng mga simulain ng isang sekular na pananaw sa mundo at ang unang pagkakakilala sa mga European na anyo ng artistikong kultura. Pagbuo ng masining at teoretikal na kaisipan. Ang kabanata na "Sa Iconic Writing" sa "Buhay" ng Avvakum. Ang "Essay on Art" ni Joseph Vladimirov (1665-1666) at "Word to the Lovely Iconic Writing" ni Simon Ushakov (1666-1667) ay ang mga unang gawang Ruso sa teorya ng sining.

17. Aktibong pagbuo ng mga bagong sekular na anyo ng kultura noong ika-18 siglo. Mga Tala

Si J. von Stehlin ang unang pagtatangka na lumikha ng kasaysayan ng sining ng Russia.

18. Bagong romantikong pag-unawa sa sining sa mga kritikal na artikulo ng K.N. Batyushkova, N.I. Gnedich, V. Küchelbecker, V.F. Odoevsky, D.V. Venevitinova, N.V. Gogol.

19. Kasaysayan ng sining ng huling bahagi ng ika-19 - ika-20 siglo: Mga pagtatangkang pagsama-samahin ang mga nagawa ng pormal na paaralan kasama ang mga konsepto ng mga kritiko nito - "agham sa istruktura" tungkol sa mga istilong masining. Semiotic na diskarte sa kasaysayan ng sining. Mga tampok ng semiotic na pag-aaral ng mga gawa ng pinong sining sa mga gawa ni Yu.M. Lotman, S.M. Daniel, B.A. Uspensky. Ang iba't ibang mga pamamaraan para sa pag-aaral ng sining sa modernong domestic science. Ang mga prinsipyo ng pagsusuri ng isang gawa ng sining at isang problemadong diskarte sa pag-aaral ng kasaysayan ng sining sa mga gawa ni M. Alpatov ("Mga problema sa artistikong sining ng Sinaunang Greece", "Mga problema sa sining ng Renaissance ng Italya") . Synthesis ng methodological approach (formal-stylistic, iconographic, iconological, sociological) ni V. Lazarev. Comparative-historical research method sa mga gawa ni D. Sarabyanov ("Russian painting of the 19th century among European schools. Experience of comparative research"). Isang sistematikong diskarte sa sining at mga tampok nito.

1.V. Alekseev Ano ang sining? Tungkol sa kung paano inilalarawan ng isang pintor, graphic artist, at sculptor ang mundo. - M .: Sining, 1991.

2. Valerie P. Tungkol sa sining. Koleksyon. - M .: Sining, 1993.

3.Wipper B.R. Isang panimula sa makasaysayang pag-aaral ng sining. - M .: Fine art, 1985.

4.Vlasov V.G. Mga Estilo sa Sining .- SPb .: 1998.

5.Zis A.Ya. Mga uri ng sining. - M .: Kaalaman, 1979.

6 Con Winer Kasaysayan ng mga istilo ng visual arts. - M .: Svarog at K, 1998.

7.Melik-Pashaev A.A. Modernong diksyunaryo-sanggunian na aklat sa sining. - M .: Olymp - AST, 2000.

8.Janson H.W. Mga Batayan ng Kasaysayan ng Sining. - M .: Sining, 2001.

Paksa 2. Sining ng Sinaunang Daigdig. Sining ng panahon ng primitive communal system at ang Sinaunang Silangan.

Mga Tanong:

1. Periodization ng sining ng primitive na lipunan. Mga katangian ng primitive na sining ng panahon: Paleolithic, Mesolithic, Neolithic, Bronze.

2. Ang konsepto ng sinkretismo sa primitive na sining, ang mga halimbawa nito.

3. Mga pangkalahatang batas at prinsipyo ng sining ng Sinaunang Silangan.

4. Sining ng Sinaunang Mesopotamia.

5. Ang sining ng mga sinaunang Sumerian.

6. Ang sining ng sinaunang Babylonia at Assyria.

Mga isyu para sa talakayan:

1. Magbigay ng maikling pangkalahatang-ideya ng periodization ng primitive art. Ano ang mga katangian ng sining ng bawat panahon?

2. Ilarawan ang mga pangunahing katangian ng primitive art: syncretism, fetishism, animism, totemism.

3.Ihambing ang mga canon sa paglalarawan ng isang tao sa masining na paglikha ng sinaunang Silangan (Egypt at Mesopotamia).

4. Ano ang mga katangian ng sining ng Sinaunang Mesopotamia?

5. Sabihin sa amin ang tungkol sa arkitektura ng Mesopotamia gamit ang halimbawa ng mga tiyak na monumento:

ang ziggurat ng Etemenniguru sa Ur; at ang ziggurat ng Etemenanki sa New Babylon.

6. Sabihin sa amin ang tungkol sa eskultura ng Mesopotamia gamit ang halimbawa ng mga tiyak na monumento: ang mga pader sa kahabaan ng Processional road, ang Ishtar gate, mga relief mula sa Ashurnasirpal palasyo sa

7. Ano ang tema ng sculptural relief images ng Mesopotamia?

8. Ano ang pangalan ng unang monumento ng Babilonya? Ano ang kanilang

appointment?

9. Ano ang kakaiba ng cosmogony ng kulturang Sumerian - Akkadian?

10. Ilista ang mga nagawa sa sining ng kabihasnang Sumerian - Akkadian.

1. Vinogradova N.A. Tradisyonal na sining ng Silangan. - M .: Sining, 1997.

2.Dmitrieva N.A. Isang Maikling Kasaysayan ng Sining. Isyu 1: Mula sa pinakaunang panahon hanggang ika-16 na siglo. Mga sanaysay. - M .: Sining, 1985.

3. Sining ng Sinaunang Silangan (World Art Monuments). - M .: Sining, 1968.

4. Sining ng Sinaunang Ehipto. Pagpinta, eskultura, arkitektura, sining na inilapat. - M .: Fine art, 1972.

5. Sining ng Sinaunang Daigdig. - M .: 2001.

6. Kasaysayan ng sining. Ang mga unang sibilisasyon. - Barcelona-Moscow: OSEANO - Serbisyong Beta, 1998.

7. Monumento ng sining ng daigdig. Isyu III, unang serye. Sining ng Sinaunang Silangan. - M .: Sining, 1970.

8.Pomerantseva N.A. Mga aesthetic na pundasyon ng sining ng Sinaunang Ehipto. - M .: Sining, 1985.

9. Joiner A.D. Ang pinagmulan ng visual arts. - M .: Sining, 1985.

Ang "dalisay" na sining, na nagpapahayag ng mga halaga na hindi nakasalalay sa mga problema at uso sa lipunan at kasaysayan, ay isang kahanga-hanga, ngunit hindi makatotohanang kababalaghan.

Imposibleng lumikha nang hiwalay sa pang-araw-araw na buhay, nang hindi binibigyang pansin ang mga ideyang namamayani sa lipunan - pormal at impormal. Ang sining ng Russia noong ika-20 siglo ay naiimpluwensyahan ng makapangyarihang mga pagbabago sa kaayusan ng lipunan, na hindi alam ng ibang bansa.

Ang simula ng siglo, ang paghahanap para sa mga bagong ideya

Para sa buong sibilisasyon, ang 100 taon ng ika-20 siglo ay isang panahon ng hindi pa naganap na mga kaguluhan. Sa pagtatapos ng ika-20 siglo, ang pag-unlad ng siyensya at teknolohikal ay na-compress ang oras at espasyo para sa buong planeta, ang mga salungatan sa lipunan sa isang limitadong rehiyon ay lumago sa mga shocks sa isang planetary scale. Ang kultura at sining ng Russia noong ika-20 siglo, tulad ng lahat ng mga aktibidad sa lipunan sa Europa at Amerika, ay may pansamantalang kalakip sa pinakamahahalagang kaganapan sa modernong kasaysayan.

Ang magic ng mga numero na nagsasaad ng simula ng isang bagong siglo ay palaging nagbibigay ng pag-asa sa mga pagbabago, ang pag-asa para sa simula ng isang bago, masayang panahon. Ang ikalabinsiyam na siglo, na lumikha ng pandaigdigang kaluwalhatian ng kultura ng Russia, ay umuurong sa nakaraan, na nag-iiwan ng mga tradisyon na hindi maaaring mawala sa isang gabi.

Ang "World of Art" ay ang pangalan ng isang asosasyon ng mga artista na lumitaw noong 1898 at umiral nang paulit-ulit hanggang 1924, kung wala ito imposibleng isipin ang pinong sining sa unang quarter ng ika-20 siglo sa Russia. Ang "mundo ng sining" ay walang isa, karaniwang binuo na istilo - ang mga pintor, graphic artist, sculptor ay nagpunta sa kanilang sariling paraan, na may isang kasunduan sa kanilang mga pananaw sa mga layunin ng sining at ang papel nito sa lipunan. Maraming mga tampok ng pananaw na ito ang ipinahayag ng henyo ni Mikhail Vrubel. Ang pormal na core, ang batayan ng asosasyon ay L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lancere, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov. Sa iba't ibang panahon, sina Y. Bilibin, A. Y. Golovin, I. E. Grabar, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, V. A. Serov at iba pang mga masters ay nakibahagi dito.

Kinilala nilang lahat ang primacy ng propesyonalismo sa sining, ang malaking papel ng malikhaing kalayaan at kalayaan ng artist mula sa mga dogma ng lipunan, habang hindi itinatanggi ang halaga ng sining sa buhay ng tao, nagpoprotesta laban sa pagkawalang-kilos ng akademya sa isang banda at ang labis na pamulitisasyon. ng pagpipinta sa mga Itinerant sa kabilang banda. Pinuna ng mga tagasuporta ng mga tradisyon, ang "World of Art" ay hindi maaaring magkasya sa magulong proseso ng pagsilang ng "proletaryong" pagpipinta, ngunit nagkaroon ng malaking epekto sa lahat ng mga pinong sining ng ika-20 siglo sa Russia - kapwa sa mga nagtrabaho. sa USSR at sa mga natagpuan ang kanilang sarili sa pangingibang-bansa.

Moderno

Ang mga huling dekada ng ikalabinsiyam na siglo ay ang panahon ng pagsilang ng isang bagong istilo, na nag-iwan ng marka sa gawain ng mga masters ng pinong sining at arkitektura. Mayroon itong sariling mga katangian sa ilang mga rehiyon ng Europa, kung saan iba pa ang tawag dito. Sa Belgium at France ang pangalan na "Art Nouveau" ay naayos, sa Germany - "Jugendstil", sa Austria - "Secession". Ang iba pang mga pangalan ay kilala na nauugnay sa mga pinakasikat na artista ng estilo na ito o mga kumpanya na gumawa ng mga kasangkapan, alahas at iba pang mga produkto sa isang katulad na direksyon: ang estilo ng mush, ang estilo ng Guimard - sa France, ang kalayaan sa Italya, sa USA - ang tiffany estilo, atbp. Art of Russia 20th century architecture sa partikular, alam nila ito bilang Art Nouveau style.

Pagkatapos ng mahabang panahon ng istilong kawalang-panahon, ang moderno ay naging isa sa mga pinaka-nagpapahayag at biswal na hugis ng artistikong uso. Ang katangian nitong vegetal, dumadaloy na katangian ng mga linya ng mayamang palamuti, na sinamahan ng geometrically simple at nagpapahayag na mga anyo ng malalaking volume, nakakaakit ng mga artist at arkitekto na may pagiging bago at bago.

Fyodor Osipovich Shekhtel (1859-1926) - ang bituin ng modernidad ng arkitektura ng Russia. Ang kanyang talento ay nagbigay ng mga pambansang tampok sa mahalagang istilo ng kosmopolitan, ang mga obra maestra ni Shekhtel - ang istasyon ng tren ng Yaroslavsky, ang mansyon ng Ryabushinsky - ay mga likha ng isang arkitekto ng Russia, at sa pangkalahatan, at sa mga detalye.

Bago ang rebolusyonaryong avant-garde

Ang proseso ng paghahanap ng mga bagong anyo ng sining, at higit pa - para sa bagong diwa nito - ay may kaugnayan para sa sining ng lahat ng Europa at Amerika. Ang sining ng Russia noong ika-20 siglo ay naglalaman ng ilang tunay na rebolusyonaryong panahon, nang ang gawain ng ilang mga repormador ay nagpahiwatig ng mga bagong direksyon para sa pag-unlad ng masining na pag-iisip. Isa sa pinakamaliwanag at pinakakahanga-hanga ay ang inter-revolutionary period mula 1905 hanggang 1917. Ang mga kakaibang sining ng avant-garde sa Russia ay sanhi ng krisis ng pampublikong buhay ng Russia pagkatapos ng mga trahedya ng digmaang Ruso-Hapon at ang rebolusyong 1905.

Ang maraming mga avant-garde na kilusan at malikhaing asosasyon na lumitaw sa oras na iyon ay may magkatulad na mga kadahilanan ng pagbuo at magkatulad na layunin ng masining na paghahanap. Ang mga futurist at cubo-futurists, "Jack of Diamonds" at "Blue Rose", Kandinsky at Malevich's Suprematism, na may malakas na impluwensya sa mga pangunahing anyo ng sining noong ika-20 siglo sa Russia, ay naghahanap ng mga bagong mundo sa iba't ibang paraan, ipinahayag ang krisis ng lumang sining na nawalan ng ugnayan sa katotohanan, at inaasahan ang pagsisimula ng isang panahon ng mga pandaigdigang kaguluhan ...

Kabilang sa mga bagong ideya, na ipinanganak ng avant-garde, ay ang pag-iisip ng Russia noong ika-20 siglo ay naglalaman ng mga pahina tulad ng sikat na pagganap - ang manifesto ng bagong sining na "Victory over the Sun" (1913). Ito ang resulta ng karaniwang pagkamalikhain ng mga futurist na makata na si M. Matyushin, V. Khlebnikov, at ang dekorasyon ay ginawa ni Kazimir Malevich.

Ang mga artista na sina P. Konchalovsky, K. Petrov-Vodkin, I. Mashkov, N. Goncharova, Marc Chagall, na nagpayaman sa kanilang mga paghahanap para sa sining ng Russia noong ika-20 siglo, ay naging mga may-akda ng mga kuwadro na nakatanggap ng pagkilala sa mundo. At ang pagkilalang ito ay nagsimula sa sampung taon ng XX siglo, sa panahon ng kapanganakan ng avant-garde painting ng modernong kasaysayan.

Pagkatapos ng Rebolusyong Oktubre, nagkaroon ng pagkakataon ang Russia na magbukas ng mga bagong abot-tanaw sa buong mundo sa pampublikong buhay, kabilang ang sining. At sa una, ang mga kondisyon ay nilikha kapag ang halaga ng bawat likas na matalino ay tumaas nang hindi masukat, ang mga generator ng mga bagong malikhaing ideya ay nauna.

Paano binibigyang kahulugan ng kasaysayan ng sining ang panahong iyon? Ika-20 siglo, Russia, magulong twenties - ito ay isang walang uliran na aktibong artistikong buhay ng maraming mga malikhaing asosasyon, na kung saan ay namumukod-tangi:

UNOVIS - "Mga Hardener ng Bagong Sining" (Malevich, Chagall, Lissitzky, Leporskaya, Sterligov). Itinatag batay sa paaralan ng sining ng Vitebsk, ang asosasyong ito ay isang apologist para sa artistikong avant-garde, na iminungkahi na maghanap ng mga bagong tema at anyo para sa sining.

- "Four Arts" - umaagos sa linya kasama ang "World of Art" Ang pangunahing layunin ay upang ipakita ang napakalaking nagpapahayag na mga posibilidad ng arkitektura, iskultura, graphics at pagpipinta. Ang pangangailangan para sa mataas na propesyonalismo at malikhaing kalayaan ay ipinahayag. Mga kilalang kinatawan: arkitekto A.V. Shchusev, graphic artist V.A.Favorsky, iskultor V.I.Mukhina, mga pintor na K.S.Petrov-Vodkin, A.P. Ostroumova-Lebedeva, at iba pa.

- "OST", "Society of easel painters". Isinasaalang-alang niya ang pangunahing bagay upang ipakita ang mga palatandaan ng pagsisimula ng isang bagong mapayapang buhay, ang pagtatayo ng isang modernong batang bansa sa pamamagitan ng isang advanced na nagpapahayag, ngunit simple at malinaw na istilo. Mga Pinuno: D. Sternberg, A. Deineka, Y. Pimenov, P. Williams.

- "Circle of Artists" (Leningrad). Kasunod ng opisyal na kurso, pagbuo ng "estilo ng panahon". Mga aktibong miyembro ng grupo: A. Samokhvalov, A. Pakhomov, V. Pakulin.

AHRR - "Association of Artists of Revolutionary Russia" - isang asosasyon na naging batayan ng kalaunan na nilikha Union of Artists ng USSR, isang aktibong conductor ng mga direksyon ng ideological na pamumuno ng artistikong proseso, isang instrumento ng propaganda ng partido, mga tagapagmana ng Mga itinerant. Sa ulo ay I.I.Brodsky, A.M. Gerasimov, M. B. Grekov, B. V. Ioganson.

Constructivism

Sa mga programa ng pinaka-prestihiyosong institusyong pang-edukasyon na nagsasanay sa mga arkitekto, ang pag-aaral ng paksang "Russian constructivism - ang architectural avant-garde ng 1920s" ay palaging naroroon. Napakahalaga para sa pag-unawa sa sining ng pagtatayo; ang mga ideyang ipinahayag ng mga pinuno ng direksyong iyon ay napakahalaga sa anumang oras. Ang mga nabubuhay na gusali ng Konstantin Melnikov (bahay ng arkitekto sa Krivoarbatsky lane, club ni Rusakov sa Stromynka, isang garahe sa Novoryazanskaya street, atbp.), ang magkakapatid na Vesnin, Moisei Ginzburg (Narkomfin House sa Novinsky Boulevard) at iba pang mga bituin ng arkitektura ng Russia. ang ginintuang pondo ng arkitektura ng Russia.

Functionalism, ang pagtanggi sa hindi kinakailangang dekorasyon, ang aesthetics ng istraktura ng gusali, ang pagkakaisa ng nilikha na kapaligiran ng pamumuhay - ang mga ideyang ito ay naging batayan para sa paglutas ng mga bagong problema na ibinabanta sa mga batang arkitekto, artista at espesyalista sa larangan na tinawag na pang-industriya na disenyo . Kinailangan nilang magtayo ng mass housing para sa mga bagong lungsod, mga club ng manggagawa para sa buong pag-unlad ng pagkatao, lumikha ng mga bagay para sa trabaho at iba pang bagong tao. Ang mga kamangha-manghang tagumpay ng avant-garde ng twenties ay hindi maaaring balewalain sa pamamagitan ng pag-aaral ng sining ng Russia, Europa at Amerika sa buong kasunod na panahon, ay higit sa lahat batay sa kanila. Nakalulungkot na ang mga progresibong ideyang ito ay hindi gaanong hinihiling sa bahay, at ang pinakadakilang tagumpay ng arkitektura ng Sobyet ay itinuturing ng marami na ang istilong "Stalinist Empire".

Sining ng panahon ng totalitarianism

Noong 1932, inilabas ang Resolusyon ng Komite Sentral ng All-Union Communist Party (Bolsheviks) sa gawain ng mga malikhaing asosasyon. Ang mabagyo na panahon ng iba't ibang mga agos at uso ay natapos sa ilalim ng impluwensya ng makina ng estado, na nakakuha ng lakas, na pinamamahalaan ng isang ideological apparatus, kung saan ang indibidwal na kapangyarihan ay nakakakuha ng lakas. Sa loob ng maraming taon, ang sining ng Russia noong ika-20 siglo, tulad ng marami sa buhay ng bansa, ay nagsimulang umasa sa opinyon ng isang tao - si Joseph Stalin.

Ang mga malikhaing unyon ay naging isang paraan ng pagpapailalim sa masining na pag-iisip sa pare-parehong mga pamantayan sa ideolohiya. Nagsimula ang panahon ng sosyalismo. Unti-unti, ang anumang paglihis sa opisyal na kurso ay nagsimulang ideklarang kriminal, ang mga hindi sumasang-ayon ay nahulog sa ilalim ng tunay na panunupil. Ang mga akusasyon ng pag-alis sa linya ng partido ay naging isang paraan ng paglutas ng mga malikhaing talakayan. Ang pagiging progresibo nito ay lubos na kaduda-dudang. Paano bubuo ang sining ng teatro ng Russia noong ika-20 siglo, halimbawa, kung ang dakilang repormador sa entablado na si Vsevolod Meyerhold ay hindi naging biktima ng panunupil?

Ang likas na katangian ng artistikong talento ay kumplikado at hindi maipaliwanag. Ang mga imahe ng mga pinuno ay kinatawan ng mahusay na kasanayan at taos-pusong pakiramdam. Wala sa mga pinaka-brutal na panunupil ang maaaring pumigil sa paglitaw ng mga tunay na mahuhusay na artista, kung kanino ang pangunahing bagay ay pagpapahayag ng sarili, anuman ang balangkas ng ideolohiya.

Sa arkitektura, ang oras ay dumating para sa "Stalinist Empire". Ang paghahanap para sa mga avant-garde artist ay napalitan ng pagbabalik sa mga napatunayang canon. Ang kapangyarihan ng ideolohiyang komunista ay nakapaloob sa mga kamangha-manghang halimbawa ng reworked neoclassicism - mga "skyscraper" ni Stalin.

Sining sa panahon ng digmaan

May isang panahon sa kasaysayan ng ating bansa na naging pinakamalaking trahedya at isang yugto ng hindi pa nagagawang espirituwal na pag-angat. Ang sining ng Russia noong ika-20 at ika-21 na siglo ay nakatanggap ng isa sa mga pangunahing tema na naging posible upang maipahayag ang kadakilaan ng katutubong karakter ng Russia, ang lalim ng mga damdamin na maaaring magkaroon ng isang indibidwal at malaking masa sa panahon ng mga kaguluhan sa kasaysayan.

Ang Great Patriotic War mula sa mga unang araw ay natagpuan ang pagpapahayag sa mga visual na larawan ng kamangha-manghang kapangyarihan. Poster ni I. Toidze "The Motherland Calls!" itinaas ang pagtatanggol ng bansa nang mas mahusay kaysa sa sinumang kumander, at ang Deineka's Defense of Sevastopol ay nabigla sa sinumang tao, anuman ang mga ideya na kanyang ibinabahagi. Ang Seventh Symphony ni Dmitry Shostakovich ay kahanga-hanga, at ang musikal na sining ng Russia noong ika-20 siglo, hindi bababa sa iba pang mga uri ng pagkamalikhain, ay nagbigay pugay sa tema ng digmaan laban sa pasismo.

lasaw

Pagkatapos ng Dakilang Tagumpay, ang susunod na pinakamakapangyarihang salik sa kasaysayan na nakakaimpluwensya sa buhay panlipunan sa USSR ay ang pagkamatay ni Stalin (Marso 1953) at ang ika-20 Kongreso ng CPSU, na nagtaas ng isyu ng paglalantad sa kulto ng indibidwal. Sa loob ng ilang panahon, para sa mga artista, gayundin para sa buong lipunan, nagkaroon ng hininga ng kalayaan ng pagkamalikhain at mga bagong ideya. Ang henerasyon ng "mga ikaanimnapung taon" ay isang napaka-espesipikong kababalaghan, nag-iwan ito ng isang memorya ng sarili bilang isang maikling hininga ng sariwang hangin, na kinuha bago pabulusok muli para sa mga dekada sa latian ng sinusukat, naka-iskedyul, regulated na pag-iral.

Ang mga unang eksperimento ng artistikong avant-garde ng "ikalawang alon" - ang mga gawa ni E. Belyutin, Y. Sooster, V. Yankilevsky, B. Zhutovsky at iba pa - sa isang eksibisyon na nag-time na tumutugma sa ika-30 anibersaryo ng ang sangay ng Moscow ng Union of Artists, ay personal na kinondena ng bagong pinuno ng bansa.Khrushchev. Ang partido ay muling nagsimulang ipaliwanag sa mga tao kung anong sining ang kailangan nila, at sa mga artista kung paano magsulat.

Inutusan ang arkitektura na labanan ang mga labis, na wastong ipinaliwanag ng mga kahirapan sa ekonomiya noong panahon ng post-war, ang panahon ng malawakang pagtatayo ng pabahay, ang panahon ng mga Khrushchev, na medyo nag-alis ng pagkaapurahan ng isyu sa pabahay, ngunit nasira ang hitsura ng maraming lungsod.

Ang sining ng "binuo na sosyalismo"

Sa maraming paraan, ang sining ng Russia sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo ay sa maraming paraan ay isang kasaysayan ng paghaharap sa pagitan ng artistikong personalidad at ng nangingibabaw na ideolohiya. Ngunit kahit na sa kapaligiran ng ideolohikal na regulasyon ng bawat piraso ng espirituwal na espasyo, maraming mga artista ang nakahanap ng mga paraan upang bahagyang baguhin ang iniresetang pamamaraan ng sosyalistang realismo.

Kaya, ang isang tunay na halimbawa para sa mga kabataan ay ang mga masters na bumuo ng kanilang mga paniniwala pabalik sa twenties: N. Romadin, M. Saryan, A. Plastov at iba pa. Ang pagpipinta ng isang dating miyembro ng OST art association na si Y. Pimenov na "Wedding on Tomorrow's Street", na ipininta noong 1962, ay naging simbolo ng pag-asa ng lipunan para sa pag-renew.

Ang isa pang kapansin-pansing kababalaghan sa pagpipinta ng Sobyet noong panahong iyon ay ang pagbuo ng isang "malubhang istilo". Ang terminong ito ay ginamit upang italaga ang gawain ni G. Korzhov, P. Ossovsky, ang mga kapatid na Smolin, P. Nikonov at iba pa. Sa kanilang mga pagpipinta, ipininta sa iba't ibang genre (araw-araw na buhay, makasaysayang), lumitaw ang isang bayani na hindi nangangailangan ng mga tagubilin , ay abala sa isang naiintindihan at kinakailangang gawain. Siya ay inilalarawan nang walang mga hindi kinakailangang detalye at makukulay na kasiyahan, nang maikli at nagpapahayag.

Ang partikular na kahalagahan ay ang gawain ng tulad ng isang master bilang Ang civic sound ng kanyang mga canvases ay naglalaman ng isang pangkalahatang humanistic, halos relihiyosong mensahe, bihira para sa sining ng Sobyet, at ang kanyang estilo ng pagpipinta ay nag-ugat sa mga panahon ng Renaissance ng Italya.

Non-conformism

Ang opisyal na dominasyon ng "sosyalistang realismo" ay nagpilit sa mga impormal na artista na humanap ng kanilang sariling paraan sa madla o pumunta sa pangingibang-bansa. Umalis sina M. Shemyakin, I. Kabakov, O. Rabin, E. Neizvestny at marami pang iba. Ito ang mga artista ng ika-20 siglo sa Russia, na mga tagapagdala ng mga espirituwal na halaga na ipinanganak ng avant-garde sa simula ng siglo, at bumalik sa kanilang tinubuang-bayan pagkatapos ng pagbagsak ng ideolohiyang komunista.

At sa panahon ng kanyang paghahari, lumitaw ang panloob na paglipat, na nagbunga ng tanyag na motibo ng isang baliw, palaging lasing na artista, isang naninirahan sa mga psychiatric na ospital, inuusig ng mga awtoridad at pamunuan ng mga malikhaing unyon, ngunit lubos na pinahahalagahan ng mga independyenteng eksperto sa Kanluran. Ang isang tipikal na maydala ng gayong imahe ay si A. Zverev, isang maalamat na personalidad para sa Moscow sa panahon ng nabuong sosyalismo.

Polystylistics at pluralism

Napalaya mula sa diktadura ng estado noong panahon ng Sobyet, ang mga sining noong ika-20 siglo sa Russia ay pumasok sa pandaigdigang proseso bilang isang hindi mapaghihiwalay na bahagi nito, na nagtataglay ng mga pag-aari at mga ugali na katulad nito. Maraming mga anyo ng pagkamalikhain, pamilyar sa Kanluran sa mahabang panahon, ay mabilis na pinagkadalubhasaan ng mga domestic artist. Ang mga salitang "pagganap", "pag-install ng video", atbp. ay naging pangkaraniwan sa ating pananalita, at kabilang sa mga pinakamahalagang kontemporaryong masters ng katanyagan sa mundo ay ang mga artista na may mga pananaw na kabaligtaran: Z. Tsereteli, T. Nazarenko, M. Kishev , A Burganov at marami pang iba.

Ang magulong, hindi nahuhulaang kamakailang kasaysayan ng bansa, na sumakop sa ikaanim na bahagi ng lupain ng daigdig, ay tumitingin sa salamin nito - ang sining ng Russia noong ika-20 siglo - at makikita dito sa libu-libong di malilimutang mga imahe ...

Sa krisis ng populist na kilusan noong dekada 90, "ang analytical na pamamaraan ng realismo ng ika-19 na siglo", na tinatawag sa agham ng Russia, ay nagiging lipas na. Marami sa mga Itinerant na artista ang nakaranas ng malikhaing pagbaba, napunta sa "maliit na tema" ng isang nakakaaliw na genre ng pagpipinta. Ang mga tradisyon ni Perov ay napanatili higit sa lahat sa Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture salamat sa mga aktibidad sa pagtuturo ng mga artist tulad ng S.V. Ivanov, K.A. Korovin, V.A. Serov at iba pa.

Ang mga kumplikadong proseso ng buhay ay humantong sa pagkakaiba-iba ng mga anyo ng artistikong buhay sa mga taong ito. Lahat ng uri ng sining - pagpipinta, teatro, musika, arkitektura - ay lumabas para sa pagpapanibago ng masining na wika, para sa mataas na propesyonalismo.

Para sa mga pintor ng turn of the century, ang iba't ibang paraan ng pagpapahayag ay katangian kaysa sa mga Itinerant, iba pang anyo ng artistikong pagkamalikhain - sa mga larawang magkasalungat, kumplikado at sumasalamin sa modernidad nang walang paglalarawan at pagsasalaysay. Ang mga artista ay masakit na naghahanap ng pagkakaisa at kagandahan sa isang mundo na sa panimula ay dayuhan sa parehong pagkakatugma at kagandahan. Kaya naman marami ang nakakita ng kanilang misyon sa pagpapaunlad ng pakiramdam ng kagandahan. Sa oras na ito ng "mga bisperas", ang mga inaasahan ng mga pagbabago sa buhay panlipunan ay nagbunga ng maraming uso, asosasyon, pagpapangkat, salungatan ng iba't ibang pananaw sa mundo at panlasa. Ngunit nagbigay din ito ng unibersalismo ng isang buong henerasyon ng mga artista na lumitaw pagkatapos ng "klasikal" na mga Wanderers. Sapat na pangalanan lamang ang mga pangalan ng V.A. Serov at M.A. Vrubel.

Ang mga artista ng samahan ng World of Art ay may mahalagang papel sa pagpapasikat ng sining ng Russia, lalo na noong ika-18 siglo, gayundin ng sining ng Kanlurang Europa, sa pag-akit ng mga master sa Kanlurang Europa sa mga eksibisyon. Ang "Miriskusniki", na nagtipon ng pinakamahusay na mga puwersang masining sa St. Petersburg, ay naglathala ng kanilang sariling magazine, sa pamamagitan ng kanilang pag-iral ay nag-ambag sa pagsasama-sama ng mga puwersang artistikong sa Moscow, ang paglikha ng "Union of Russian Artists".

Ang mga impresyonistikong aral ng plein air painting, ang komposisyon ng "random framing", isang malawak na libreng estilo ng pagpipinta - lahat ng ito ay resulta ng ebolusyon sa pagbuo ng pictorial na paraan sa lahat ng mga genre ng pagliko ng siglo. Sa paghahanap ng "kagandahan at pagkakaisa", sinubukan ng mga artista ang kanilang sarili sa iba't ibang mga diskarte at uri ng sining - mula sa monumental na pagpipinta at teatro na tanawin hanggang sa disenyo ng libro at pandekorasyon at inilapat na sining.

Sa pagpasok ng siglo, lumitaw ang isang istilo na nakaapekto sa lahat ng plastik na sining, simula una sa lahat sa arkitektura (kung saan nanaig ang eclecticism sa mahabang panahon) at nagtatapos sa mga graphic, na tinawag na istilong Art Nouveau. Ang hindi pangkaraniwang bagay na ito ay hindi malabo, sa modernidad mayroon ding dekadenteng pagpapanggap, pagpapanggap, na idinisenyo pangunahin para sa mga burges na panlasa, ngunit mayroon ding pagsusumikap para sa pagkakaisa ng istilo, na makabuluhan sa sarili nito. Ang Art Nouveau ay isang bagong yugto sa synthesis ng arkitektura, pagpipinta, pandekorasyon na sining.

Sa visual arts, ipinakita ng Art Nouveau ang sarili: sa sculpture - ang pagkalikido ng mga anyo, ang espesyal na pagpapahayag ng silweta, ang dynamism ng mga komposisyon; sa pagpipinta - ang simbolismo ng mga imahe, isang predilection para sa mga alegorya.

Ang paglitaw ng modernidad ay hindi nangangahulugan na ang mga ideya ng itinerant na kilusan ay namatay sa pagtatapos ng siglo. Noong dekada 90, nabuo ang pagpipinta ng genre, ngunit medyo naiiba ito kaysa sa kilusang "klasikal" noong dekada 70 at 80. Kaya, ang tema ng magsasaka ay inihayag sa isang bagong paraan. Si Sergei Alekseevich Korovin (1858–1908) ay naglalarawan ng schism sa rural na komunidad sa isang mariin na paraang akusa sa kanyang pagpipinta na On the World (1893, State Tretyakov Gallery). Si Abram Efimovich Arkhipov (1862–1930) ay pinamamahalaang ipakita ang bilis ng pag-iral sa mahirap na nakakapagod na trabaho sa pagpipinta ng Washerwomen (1901, State Tretyakov Gallery). Nakamit niya ito sa malaking lawak salamat sa mga bagong pagtuklas ng larawan, isang bagong pag-unawa sa mga posibilidad ng kulay at liwanag.

Ang kakulangan ng kasunduan, "subtext", isang mahusay na natagpuang nagpapahayag na detalye ay gumagawa ng pagpipinta ni Sergei Vasilyevich Ivanov (1864-1910) "Sa Daan. Kamatayan ng isang Imigrante ”(1889, Tretyakov Gallery). Ang mga baras na lumalabas, na parang itinaas sa isang hiyawan, ay nagsasadula ng aksyon nang higit pa kaysa sa patay na lalaking inilalarawan sa harapan o sa babaeng umaangal sa kanya. Pagmamay-ari ni Ivanov ang isa sa mga gawa na nakatuon sa rebolusyon ng 1905 - "Pagbaril". Ang impresyonistikong pamamaraan ng "bahagyang komposisyon", kumbaga, ng isang random na snatched frame, ay napanatili dito: isang linya lamang ng mga bahay, isang linya ng mga sundalo, isang grupo ng mga demonstrador ang nakabalangkas, at sa foreground, sa isang parisukat na ilaw. sa pamamagitan ng araw, ang pigura ng isang patay na aso na tumatakbo mula sa mga shot. Ang Ivanov ay nailalarawan sa pamamagitan ng matalim na itim-at-puting mga kaibahan, isang nagpapahayag na tabas ng mga bagay, isang kilalang flatness ng imahe. Lapidary ang wika niya.

Noong 90s ng siglo XIX. Kasama sa sining ang artista na ginagawang bida ang manggagawa sa kanyang mga gawa. Noong 1894, isang pagpipinta ni N.A. Kasatkina (1859-1930) "Miner" (State Tretyakov Gallery), noong 1895 - "Miners. Baguhin".

Sa pagliko ng siglo, ang isang bahagyang naiibang landas ng pag-unlad kaysa sa Surikov ay nakabalangkas sa makasaysayang tema. Kaya, halimbawa, si Andrei Petrovich Ryabushkin (1861-1904) ay higit na gumagana sa makasaysayang at araw-araw kaysa sa puro makasaysayang genre. "Mga Babaeng Ruso ng Ika-17 Siglo sa Simbahan" (1899, Tretyakov Gallery), "Tren ng Kasal sa Moscow. XVII century "(1901, Tretyakov Gallery)," Darating sila. (Mga taong Moscow sa panahon ng pagpasok ng isang dayuhang embahada sa Moscow sa pagtatapos ng ika-17 siglo) ”(1901, RM),“ kalye ng Moscow noong ika-17 siglo sa isang holiday ”(1895, RM), atbp. - ito ay araw-araw mga eksena mula sa buhay ng Moscow noong ika-17 siglo. Ang Ryabushkin ay lalo na naakit sa siglong ito, kasama ang gilas ng gingerbread, polychromy, mga pattern ng ornamental. Ang artista ay aesthetically hinahangaan ang nakalipas na mundo ng ika-17 siglo, na humahantong sa isang banayad na stylization malayo mula sa Surikov's monumentalism at ang kanyang mga pagtatasa ng mga makasaysayang kaganapan. Ang stylization ni Ryabushkin ay makikita sa flatness ng imahe, sa isang espesyal na istraktura ng plastic at linear na ritmo, sa scheme ng kulay na binuo sa maliliwanag na pangunahing mga kulay, sa pangkalahatang pandekorasyon na solusyon. Matapang na ipinakilala ni Ryabushkin ang mga lokal na kulay sa open-air landscape, halimbawa, sa "The Wedding Train ..." - ang pulang kulay ng karwahe, malalaking spot ng maligaya na damit laban sa background ng madilim na mga gusali at niyebe, na ibinigay, gayunpaman, sa pinakamagandang kulay na nuance. Ang tanawin ay palaging patula na naghahatid ng kagandahan ng kalikasan ng Russia. Totoo, kung minsan ang Ryabushkin ay mayroon ding isang ironic na saloobin sa paglalarawan ng ilang mga aspeto ng pang-araw-araw na buhay, tulad ng, halimbawa, sa pagpipinta na "Tea Party" (karton, gouache, tempera, 1903, Russian Museum). Sa frontally seated static figure na may mga platito sa kanilang mga kamay, ang isa ay nagbabasa ng regularidad, inip, antok, nararamdaman din natin ang mapang-aping puwersa ng burges na buhay, ang mga limitasyon ng mga taong ito.

Si Apollinary Mikhailovich Vasnetsov (1856-1933) ay binibigyang pansin ang tanawin sa kanyang mga makasaysayang komposisyon. Ang kanyang paboritong tema ay ang ika-17 siglo, ngunit hindi araw-araw na mga eksena, ngunit ang arkitektura ng Moscow. ("Isang kalye sa Kitay-gorod. Simula ng ika-17 siglo", 1900, State Russian Museum). Pagpipinta "Moscow sa pagtatapos ng ika-17 siglo. Sa Dawn at the Resurrection Gate (1900, Tretyakov Gallery), marahil, ay naging inspirasyon ng pagpapakilala sa opera ni Mussorgsky na Khovanshchina, mga sketch ng tanawin kung saan gumanap si Vasnetsov ilang sandali bago.

A.M. Nagturo si Vasnetsov sa klase ng landscape ng Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture (1901-1918). Bilang isang teorista, inilarawan niya ang kanyang mga pananaw sa aklat na “Art. Ang karanasan sa pagsusuri ng mga konsepto na tumutukoy sa sining ng pagpipinta ”(Moscow, 1908), kung saan itinaguyod niya ang mga makatotohanang tradisyon sa sining. Si Vasnetsov din ang nagtatag ng "Union of Russian Artists".

Si Philip Andreevich Malyavin (1869–1940) ay lumikha ng isang bagong uri ng pagpipinta, kung saan ang mga tradisyon ng artistikong alamat ay pinagkadalubhasaan sa isang ganap na espesyal na paraan at isinalin sa wika ng kontemporaryong sining, na sa kanyang kabataan ay nakikibahagi sa pagpipinta ng icon sa Athos Monastery, at pagkatapos ay nag-aral sa Academy of Arts sa ilalim ni Repin. Ang kanyang mga larawan ng "kababaihan" at "babae" ay may isang tiyak na simbolikong kahulugan - ng malusog na lupa Russia. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay palaging nagpapahayag, at kahit na sila, bilang isang panuntunan, ay gumagana ng easel, nakakatanggap sila ng isang monumental at pandekorasyon na interpretasyon sa ilalim ng brush ng artist. Laughter (1899, Museum of Modern Art, Venice), Whirlwind (1906, Tretyakov Gallery) - ito ay isang makatotohanang paglalarawan ng mga batang babae na magsasaka, nakakahawa ng malakas na tumatawa o nagmamadaling hindi makontrol sa isang bilog na sayaw, ngunit ang pagiging totoo na ito ay naiiba kaysa sa ikalawang kalahati ng siglo. Ang pagpipinta ay nakamamanghang, sketchy, na may isang texture na brushstroke, ang mga form ay pangkalahatan, walang spatial depth, ang mga figure, bilang panuntunan, ay matatagpuan sa foreground at punan ang buong canvas.

Pinagsama ni Malyavin ang nagpapahayag na decorativeism na may makatotohanang katapatan sa kalikasan sa kanyang pagpipinta.

Si Mikhail Vasilyevich Nesterov (1862-1942) ay lumiliko sa tema ng Ancient Rus, tulad ng isang bilang ng mga masters bago sa kanya, ngunit ang imahe ni Rus ay lumilitaw sa mga pagpipinta ng artist bilang isang uri ng perpekto, halos enchanted na mundo, na naaayon sa kalikasan, ngunit nawala magpakailanman tulad ng maalamat na lungsod ng Kitezh ... Ang matinding sensasyon ng kalikasan, kasiyahan sa mundo, sa harap ng bawat puno at talim ng damo ay malinaw na ipinahayag sa isa sa mga pinakatanyag na gawa ng Nesterov ng pre-revolutionary period - "Vision to the youth Bartholomew" (1889- 1890, Tretyakov Gallery). Sa pagsisiwalat ng balangkas ng larawan, mayroong parehong mga tampok na pangkakanyahan tulad ng sa Ryabushkin, ngunit ang isang malalim na liriko na pakiramdam ng kagandahan ng kalikasan ay palaging ipinahayag, kung saan ang mataas na espirituwalidad ng mga bayani, ang kanilang kaliwanagan, ang kanilang pagkalayo mula sa makamundong. vanity ay ipinadala.

Bago bumaling sa imahe ni St. Sergius ng Radonezh, si Nesterov ay nagpahayag na ng interes sa tema ng Sinaunang Russia na may mga gawa tulad ng "Christ's Bride" (1887, kung saan hindi kilala), "Hermit" (1888, RM; 1888-1889, Tretyakov Gallery), na lumilikha ng mga larawan ng mataas na espirituwalidad at tahimik na pagmumuni-muni. Nag-alay siya ng ilang higit pang mga gawa kay Sergius ng Radonezh mismo (The Youth of St. Sergius, 1892–1897, State Tretyakov Gallery; triptych "Works of St. Sergius", 1896–1897, State Tretyakov Gallery; Sergius of Radonezh, 1891–1899 , Museo ng Estado ng Russia).

M.V. Si Nesterov ay gumawa ng maraming relihiyosong monumental na pagpipinta: kasama si V.M. Ipininta ni Vasnetsov ang Kiev Vladimir Cathedral, nang nakapag-iisa - ang monasteryo sa Abastuman (Georgia) at ang monasteryo ng Martha-Mariinsky sa Moscow. Ang mga mural ay palaging nakatuon sa tema ng Lumang Ruso (halimbawa, sa Georgia - kay Alexander Nevsky). Sa mga kuwadro na gawa sa dingding ni Nesterov, maraming naobserbahang totoong mga palatandaan, lalo na sa tanawin, mga tampok na larawan - sa paglalarawan ng mga santo. Sa pagsusumikap ng artist para sa isang eroplanong interpretasyon ng komposisyon ng kagandahan, dekorasyon, pinong pagiging sopistikado ng mga plastik na ritmo, ang walang alinlangan na impluwensya ng modernidad ay nagpakita mismo.

Stylization, sa kabuuan kaya katangian ng oras na ito, sa isang malaking lawak ay nakakaapekto rin sa mga gawa ng easel ng Nesterov. Ito ay makikita sa isa sa mga pinakamahusay na canvases na nakatuon sa kapalaran ng kababaihan - "The Great Vows" (1898, RM): sadyang flat figures ng mga madre, "nuns" at "white women", generalized silhouettes, na parang isang slowed-down. ritwal na ritmo ng liwanag at madilim na mga spot - mga figure at landscape kasama ang mga light birches at halos itim na spruces. At gaya ng nakasanayan ni Nesterov, ang tanawin ay gumaganap ng isa sa mga pangunahing tungkulin. "Gustung-gusto ko ang tanawin ng Russia," ang isinulat ng artist, "laban sa background nito kahit papaano ay mas mahusay mo, mas malinaw na nararamdaman ang kahulugan ng buhay ng Russia at ang kaluluwa ng Russia."

Ang landscape genre mismo ay bubuo sa isang bagong paraan sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. Sa katunayan, natapos ni Levitan ang paghahanap para sa mga Itinerant sa landscape. Isang bagong salita sa pagpasok ng siglo ang sasabihin ni K.A. Korovin, V.A. Serov at M.A. Vrubel.

Nasa unang bahagi na ng mga landscape ng Konstantin Alekseevich Korovin (1861–1939), puro pictorial na mga problema ang nalutas - upang magpinta ng kulay abo sa puti, itim sa puti, kulay abo sa kulay abo. Ang "Konseptwal" na tanawin (ang termino ng M. M. Allenov), tulad ng kay Savrasov o Levitan, ay hindi interesado sa kanya.

Para sa makikinang na colorist na si Korovin, ang mundo ay lumilitaw na isang "riot of colors." Mapagbigay na likas na matalino, si Korovin ay nakikibahagi sa parehong portrait at still life, ngunit hindi isang pagkakamali na sabihin na ang landscape ay nanatiling kanyang paboritong genre. Dinala niya sa sining ang malakas na makatotohanang tradisyon ng kanyang mga guro mula sa Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture - Savrasov at Polenov, ngunit mayroon siyang ibang pananaw sa mundo, nagtatakda siya ng iba't ibang mga gawain. Nagsimula siyang magpinta sa bukas na hangin nang maaga, nasa larawan na ng batang babae ng koro noong 1883 makikita ang independiyenteng pag-unlad ng mga prinsipyo ng plein airism, na kalaunan ay isinama niya sa isang bilang ng mga larawang ginawa sa ari-arian ng S. Mamontov. sa Abramtsevo ("Sa isang bangka", State Tretyakov Gallery; larawan ng TS Lyubatovich, State Russian Museum, atbp.), Sa hilagang landscape, na ginanap sa ekspedisyon ni S. Mamontov sa hilaga ("Winter in Lapland", Tretyakov Gallery) . Ang kanyang mga French landscape, pinagsama sa pangalang "Paris Lights", ay medyo impresyonistikong pagsulat, na may pinakamataas na kultura ng etude. Matalas at instant na mga impression mula sa buhay ng isang malaking lungsod: tahimik na mga kalye sa iba't ibang oras ng araw, mga bagay na natunaw sa isang maaliwalas na kapaligiran, hinulma ng isang dinamiko, "nanginginig", vibrating na brushstroke, isang stream ng naturang mga stroke, na lumilikha ng ilusyon ng isang kurtina ng ulan o urban, puspos ng libu-libong iba't ibang mga singaw ng hangin, - mga tampok na nakapagpapaalaala sa mga tanawin ng Manet, Pissarro, Monet. Si Korovin ay temperamental, emosyonal, impulsive, theatrical, kaya ang maliwanag na kulay at romantikong pag-angat ng kanyang mga landscape (Paris. Boulevard des Capucines, 1906, Tretyakov Gallery; Paris sa gabi. Italian boulevard. 1908, Tretyakov Gallery). Ang parehong mga tampok ng impressionistic etude, pictorial maestria, kamangha-manghang kasiningan ay pinapanatili ni Korovin sa lahat ng iba pang mga genre, pangunahin sa portrait at still life, ngunit din sa mga panel na pampalamuti, sa inilapat na sining, sa theatrical scenery, na siya ay nakikibahagi sa lahat ng kanyang buhay (Portrait of Chaliapin, 1911, State Russian Museum; "Fish, Wine and Fruits" 1916, Tretyakov Gallery).

Ang mapagbigay na regalo ng pagpipinta ni Korovin ay maliwanag na ipinakita sa theatrical at decorative painting. Bilang pintor ng teatro, nagtrabaho siya para sa teatro ng Abramtsevo (at halos si Mamontov ang unang nagpahalaga sa kanya bilang isang artista sa teatro), para sa Moscow Art Theater, para sa pribadong Russian opera ng Moscow, kung saan nagsimula ang kanyang panghabambuhay na pakikipagkaibigan kay Chaliapin para sa Diaghilev negosyo. Itinaas ni Korovin ang theatrical scenery at ang kahalagahan ng artist sa teatro sa isang bagong antas, gumawa siya ng isang buong rebolusyon sa pag-unawa sa papel ng artist sa teatro at nagkaroon ng malaking impluwensya sa kanyang mga kontemporaryo sa kanyang makulay, "kamangha-manghang" mga dekorasyon na nagpapakita ng pinakadiwa ng isang musikal na pagtatanghal.

Si Valentin Aleksandrovich Serov (1865–1911) ay isa sa mga pinakakilalang artista, isang innovator ng pagpipinta ng Russia sa pagsisimula ng siglo. Ang kanyang "Girl with Peaches" (portrait of Verusha Mamontova, 1887, Tretyakov Gallery) at "Girl illuminated by the sun" (portrait of Masha Simanovich, 1888, Tretyakov Gallery) ay kumakatawan sa isang buong yugto sa Russian painting. Si Serov ay pinalaki sa mga kilalang tao ng kulturang musikal ng Russia (ang ama ay isang sikat na kompositor, ang ina ay isang pianista), nag-aral kasama sina Repin at Chistyakov, pinag-aralan ang pinakamahusay na mga koleksyon ng museo sa Europa at, sa pagbalik mula sa ibang bansa, pumasok sa bilog ng Abramtsevo. Sa Abramtsevo, ang nabanggit na dalawang larawan ay isinulat, kung saan nagsimula ang kaluwalhatian ni Serov, na pumasok sa sining gamit ang kanyang sariling, magaan at mala-tula na pananaw sa mundo. Si Vera Mamontova ay nakaupo sa isang kalmadong posisyon sa mesa, ang mga milokoton ay nakakalat sa isang puting tablecloth sa harap niya. Siya mismo at ang lahat ng mga bagay ay ipinakita sa pinaka kumplikadong kapaligiran ng liwanag-hangin. Ang sikat ng araw ay bumabagsak sa tablecloth, sa mga damit, isang plato sa dingding, isang kutsilyo. Ang batang babae na inilalarawan na nakaupo sa mesa ay nasa organikong pagkakaisa sa lahat ng materyal na mundong ito, na kasuwato nito, ay puno ng mahalagang pangamba, panloob na paggalaw. Sa isang mas malaking lawak, ang mga prinsipyo ng plein air painting ay makikita sa larawan ng pinsan ng artist na si Masha Simanovich, na ipininta mismo sa open air. Ang mga kulay dito ay ibinibigay sa isang kumplikadong pakikipag-ugnayan sa isa't isa, perpektong inihahatid nila ang kapaligiran ng isang araw ng tag-araw, mga reflexes ng kulay na lumilikha ng ilusyon ng mga sinag ng araw na dumudulas sa mga dahon. Umalis si Serov mula sa kritikal na realismo ng kanyang guro na si Repin patungo sa "poetic realism" (ang termino ng DV Sarabyanov). Ang mga larawan nina Vera Mamontova at Masha Simanovich ay napuno ng isang pakiramdam ng kagalakan ng buhay, isang maliwanag na pakiramdam ng pagiging, isang maliwanag na matagumpay na kabataan. Nakamit ito sa pamamagitan ng "light" impressionistic na pagpipinta, kung saan ang "prinsipyo ng randomness" ay napaka katangian, sa pamamagitan ng pag-sculpting ng form na may isang dynamic, libreng brushstroke, na lumilikha ng impresyon ng isang kumplikadong kapaligiran ng liwanag-hangin. Ngunit hindi tulad ng mga Impresyonista, hindi kailanman natutunaw ni Serov ang isang bagay sa kapaligirang ito upang ito ay mag-dematerialize, ang kanyang komposisyon ay hindi mawawala ang katatagan nito, ang masa ay palaging nasa ekwilibriyo. At ang pinakamahalaga, hindi nito nawawala ang mga integral na pangkalahatang katangian ng modelo.

Si Serov ay madalas na nagsusulat ng mga kinatawan ng artistikong intelihente: mga manunulat, artista, pintor (mga larawan ng K. Korovin, 1891, Tretyakov Gallery; Levitan, 1893, Tretyakov Gallery; Ermolova, 1905, Tretyakov Gallery). Lahat sila ay magkakaiba, ang lahat ng mga ito ay binibigyang-kahulugan niya nang malalim nang paisa-isa, ngunit lahat ng mga ito ay nagdadala ng liwanag ng intelektwal na pagiging eksklusibo at inspirational na malikhaing buhay. Ang isang antigong haligi, o sa halip ay isang klasikal na estatwa, ay nakapagpapaalaala sa pigura ni Yermolova, na higit na pinahusay ng vertical na format ng canvas. Ngunit ang pangunahing bagay ay ang mukha - maganda, mapagmataas, hiwalay sa lahat ng bagay na maliit at walang kabuluhan. Ang scheme ng kulay ay batay sa isang kumbinasyon ng dalawang kulay: itim at kulay abo, ngunit sa maraming lilim. Ang katotohanang ito ng imahe, na nilikha hindi sa pamamagitan ng salaysay, ngunit sa pamamagitan ng mga paraan ng larawang puro, ay tumutugma sa mismong personalidad ni Yermolova, na, sa kanyang pinigilan ngunit malalim na matalim na paglalaro, nagulat sa mga kabataan sa magulong taon ng simula ng ika-20 siglo.

Ang larawan ni Ermolova ay seremonyal. Ngunit si Serov ay isang mahusay na master na, sa pagpili ng ibang modelo, sa parehong genre ng ceremonial portrait, sa katunayan, na may parehong nagpapahayag na paraan, nagawa niyang lumikha ng isang imahe ng isang ganap na naiibang karakter. Kaya, sa larawan ni Princess Orlova (1910-1911, Russian Museum), ang pagmamalabis ng ilang mga detalye (isang malaking sumbrero, masyadong mahaba sa likod, isang talamak na anggulo ng tuhod), ay binibigyang diin ang pansin sa karangyaan ng interior, na fragmentarily na naihatid, tulad ng isang snatched frame (bahagi ng isang upuan, mga kuwadro na gawa, sulok ng isang table ), payagan ang master na lumikha ng isang halos katawa-tawa na imahe ng isang mapagmataas na aristokrata. Ngunit ang parehong grotesqueness sa kanyang sikat na "Peter I" (1907, Tretyakov Gallery) (Peter sa larawan ay napakalaki lamang), na nagpapahintulot kay Serov na ilarawan ang mabilis na paggalaw ng Tsar at ang mga courtier na walang katotohanan na sumugod sa kanya, ay humahantong sa isang imahe. iyon ay hindi balintuna, tulad ng sa larawan ni Orlova, ngunit simboliko, na nagbibigay ng kahulugan ng isang buong panahon. Hinahangaan ng artista ang pagka-orihinal ng kanyang bayani.

Portrait, landscape, still life, household, historical painting; langis, gouache, tempera, uling - mahirap hanapin ang parehong pictorial at graphic na mga genre kung saan hindi gagana si Serov, at mga materyales na hindi niya gagamitin.

Ang isang espesyal na tema sa trabaho ni Serov ay magsasaka. Sa kanyang genre ng magsasaka walang itinerant social acuteness, ngunit mayroong isang pakiramdam ng kagandahan at pagkakaisa ng buhay ng magsasaka, paghanga sa malusog na kagandahan ng mga taong Ruso ("Sa nayon. Isang babaeng may kabayo," sa mga mapa , pastel, 1898, Tretyakov Gallery). Ang mga tanawin ng taglamig ay lalong katangi-tangi sa kanilang kulay-pilak-perlas na hanay ng mga kulay.

Binigyang-kahulugan ni Serov ang makasaysayang tema sa kanyang sariling paraan: ang "royal hunts" kasama ang mga amusement walk nina Elizabeth at Catherine II ay ipinarating ng artist ng modernong panahon, balintuna, ngunit palaging hinahangaan ang kagandahan ng buhay noong ika-18 siglo. Ang interes ni Serov sa ika-18 siglo ay lumitaw sa ilalim ng impluwensya ng The World of Art at may kaugnayan sa kanyang trabaho sa paglalathala ng The History of the Grand Ducal, Tsarist at Imperial Hunt sa Russia.

Si Serov ay isang malalim na pag-iisip na artista, na patuloy na naghahanap ng mga bagong anyo ng artistikong pagpapatupad ng katotohanan. Sa inspirasyon ng Art Nouveau na mga ideya ng flatness at pagtaas ng decorativeness ay makikita hindi lamang sa mga makasaysayang komposisyon, kundi pati na rin sa kanyang larawan ng mananayaw na si Ida Rubinstein, sa kanyang mga sketch para sa The Abduction of Europa at Odyssey at Navzicae (parehong 1910, Tretyakov Gallery, karton, tempera). Mahalaga na sa pagtatapos ng kanyang buhay si Serov ay lumiliko sa sinaunang mundo. Sa isang mala-tula na alamat, na binibigyang-kahulugan niya nang malaya, sa labas ng mga klasikong canon, nais niyang makahanap ng pagkakaisa, ang paghahanap kung saan itinalaga ng artista ang lahat ng kanyang trabaho.

Mahirap paniwalaan kaagad na ang larawan ni Verusha Mamontova at The Abduction of Europa ay ipininta ng parehong master, si Serov ay napakaraming nalalaman sa kanyang ebolusyon mula sa impressionistic na pagiging maaasahan ng mga portrait at landscape ng 80s-90s hanggang sa Art Nouveau sa makasaysayang motibo at komposisyon mula sa sinaunang mitolohiya.

Ang malikhaing landas ni Mikhail Aleksandrovich Vrubel (1856–1910) ay mas direkta, kahit na sa parehong oras ito ay hindi pangkaraniwang mahirap. Bago ang Academy of Arts (1880) nagtapos si Vrubel sa law faculty ng St. Petersburg University. Noong 1884 nagpunta siya sa Kiev upang pangasiwaan ang pagpapanumbalik ng mga fresco sa Simbahan ng St. Cyril at siya mismo ay lumikha ng ilang monumental na komposisyon. Gumagawa siya ng watercolor sketch para sa mga painting ng Vladimir Cathedral. Ang mga sketch ay hindi inilipat sa mga dingding, dahil ang kliyente ay natakot sa kanilang hindi kanonikal at nagpapahayag na kalikasan.

Noong dekada 90, nang ang artista ay nanirahan sa Moscow, ang istilo ng pagsulat ni Vrubel, na puno ng misteryo at halos kapangyarihan ng demonyo, ay nabuo, na hindi maaaring malito sa iba pa. Nililok niya ang anyo tulad ng isang mosaic, mula sa matalim na "faceted" na mga piraso ng iba't ibang kulay, na parang kumikinang mula sa loob ("Girl against the background of a Persian carpet", 1886, KMRI; "Fortuneteller", 1895, State Tretyakov Gallery) . Ang mga kumbinasyon ng kulay ay hindi sumasalamin sa katotohanan ng relasyon ng kulay, ngunit may simbolikong kahulugan. Ang kalikasan ay walang kapangyarihan sa Vrubel. Kilala niya siya, ganap na nagmamay-ari sa kanya, ngunit lumilikha siya ng sarili niyang kamangha-manghang mundo, na may maliit na pagkakahawig sa katotohanan. Sa ganitong diwa, si Vrubel ay kontrabida sa mga impresyonista (na hindi sinasadyang sinabi na sila ay kapareho ng mga naturalista sa panitikan), dahil hindi siya sa anumang paraan ay nagsusumikap na ayusin ang agarang impresyon ng katotohanan. Siya gravitates sa pampanitikan plots, na kung saan siya ay binibigyang-kahulugan sa isang abstract na paraan, nagsusumikap na lumikha ng mga imahe ng walang hanggan, napakalaking espirituwal na kapangyarihan. Kaya, ang pagkuha ng mga ilustrasyon para sa "The Demon", sa lalong madaling panahon ay umalis siya mula sa prinsipyo ng direktang paglalarawan ("Tamara's Dance", "Huwag umiyak bata, huwag umiyak nang walang kabuluhan", "Tamara sa isang kabaong", atbp.) at na sa parehong 1890 ay lumikha ng kanyang "Demon Sitting" - isang gawa, sa katunayan, walang plot, ngunit ang imahe ay walang hanggan, tulad ng mga imahe ng Mephistopheles, Faust, Don Juan. Ang imahe ng Demonyo ay ang sentral na imahe ng lahat ng gawain ni Vrubel, ang pangunahing tema nito. Noong 1899 isinulat niya ang "The Flying Demon", noong 1902 - "The Demon Defeated". Ang demonyo ni Vrubel ay isang nilalang na una sa lahat ay nagdurusa. Ang pagdurusa ay nananaig sa kanya sa kasamaan, at ito ang kakaiba ng pambansang-Russian na interpretasyon ng imahe. Ang mga kontemporaryo, tulad ng wastong nabanggit, ay nakita sa kanyang "Mga Demonyo" ang isang simbolo ng kapalaran ng isang intelektwal - isang romantikong, mapanghimagsik na sinusubukang tumakas mula sa isang katotohanang walang pagkakasundo sa surreal na mundo ng mga pangarap, ngunit bumagsak sa magaspang na makalupang katotohanan. Ang trahedya ng artistikong pang-unawa sa mundo ay tumutukoy din sa mga katangian ng portrait ng Vrubel: mental discord, breakdown sa kanyang self-portraits, alertness, halos takot, ngunit din marangal lakas, monumentality - sa portrait ng S. Mamontov (1897, Tretyakov Gallery ), pagkalito, pagkabalisa - sa kamangha-manghang imahe ng "Princess -The Swan "(1900, Tretyakov Gallery), kahit na sa kanyang maligaya, sa disenyo at layunin, mga pandekorasyon na panel" Spain "(1894, Tretyakov Gallery) at" Venice "( 1893, State Russian Museum), pinaandar para sa mansyon ng ED Dunker, walang kapayapaan at katahimikan. Si Vrubel mismo ang bumalangkas sa kanyang gawain - "upang gisingin ang kaluluwa na may mga marangal na larawan mula sa maliliit na bagay ng pang-araw-araw na buhay."

Ang nabanggit na industriyalista at pilantropo na si Savva Mamontov ay gumanap ng napakahalagang papel sa buhay ni Vrubel. Ikinonekta ni Abramtsevo si Vrubel kay Rimsky-Korsakov, kung saan ang impluwensya ng artist ay nagsusulat din ng kanyang "Swan Princess", gumaganap ng mga eskultura na "The Volkhovs", "Mizgir", atbp. Sa Abramtsevo, gumawa siya ng maraming monumental at easel painting, lumingon siya sa alamat: isang fairy tale, sa isang epiko, ang resulta kung saan ay ang panel na "Mikula Selyaninovich", "Mga Bayani". Sinubukan ni Vrubel ang kanyang kamay sa mga keramika, na gumagawa ng mga eskultura sa majolica. Interesado siya sa paganong Russia at Greece, sa Gitnang Silangan at India - lahat ng kultura ng sangkatauhan, ang mga masining na pamamaraan na nais niyang maunawaan. At sa bawat oras na binago niya ang mga impression na nakuha niya sa malalim na simbolikong mga imahe na sumasalamin sa lahat ng orihinalidad ng kanyang saloobin.

Nilikha ni Vrubel ang kanyang pinaka-mature na mga pagpipinta at mga graphic na gawa sa pagpasok ng siglo - sa genre ng landscape, portrait, paglalarawan ng libro. Sa organisasyon at pandekorasyon-plane interpretasyon ng canvas o sheet, sa kumbinasyon ng tunay at ang hindi kapani-paniwala, sa pagsunod sa ornamental, rhythmically kumplikadong mga solusyon sa kanyang mga gawa sa panahong ito, ang mga tampok ng Art Nouveau ay lalong iginiit ang kanilang sarili.

Tulad ni K. Korovin, maraming nagtrabaho si Vrubel sa teatro. Ang kanyang pinakamahusay na mga set ay ginanap para sa mga opera ni Rimsky-Korsakov na The Snow Maiden, Sadko, The Tale of Tsar Saltan at iba pa sa entablado ng Moscow Private Opera, iyon ay, para sa mga gawang nagbigay sa kanya ng pagkakataong "makipag-usap" sa alamat ng Russia. , isang fairy tale, isang alamat.

Ang unibersalismo ng talento, walang hangganang imahinasyon, at pambihirang simbuyo ng damdamin sa paggigiit ng mga marangal na mithiin ay nagpapakilala kay Vrubel sa marami sa kanyang mga kapanahon.

Ang pagkamalikhain Vrubel na mas maliwanag kaysa sa iba ay sumasalamin sa mga kontradiksyon at masakit na paghagis ng milestone na panahon. Sa araw ng libing ni Vrubel, sinabi ni Benoit: “Ang buhay ni Vrubel, gaya ng ibababa ngayon sa kasaysayan, ay isang kahanga-hangang kalunos-lunos na simponya, iyon ay, ang pinakakumpletong anyo ng buhay-sining. Ang mga susunod na henerasyon ... ay titingin sa mga huling dekada ng ika-19 na siglo, tulad ng sa "panahon ng Vrubel" ... Nasa kanya na ang ating panahon ay ipinahayag sa pinakamaganda at pinakamalungkot na kaya nitong ".

Sa Vrubel tayo ay pumapasok sa isang bagong siglo, ang panahon ng "Panahon ng Pilak", ang huling panahon ng kultura ng St. Petersburg Russia, na hindi nauugnay sa parehong "ideolohiya ng rebolusyonaryo" (P. Sapronov) at " kasama ang autokrasya at ang estado na matagal nang tumigil sa pagiging isang puwersang pangkultura." Ang pagtaas ng kaisipang pilosopikal at relihiyon ng Russia at ang pinakamataas na antas ng tula ay nauugnay sa simula ng siglo (sapat na banggitin ang Blok, Bely, Annensky, Gumilyov, Georgy Ivanov, Mandelstam, Akhmatova, Tsvetaeva, Sologub); drama at musikal na teatro, ballet; Ang "pagtuklas" ng sining ng Russia noong ika-18 siglo (Rokotov, Levitsky, Borovikovsky), Old Russian icon painting; ang pinakamahusay na propesyonalismo ng pagpipinta at mga graphic mula pa sa simula ng siglo. Ngunit ang "Panahon ng Pilak" ay walang kapangyarihan sa harap ng mga paparating na trahedya na mga kaganapan sa Russia, na patungo sa isang rebolusyonaryong sakuna, na patuloy na nasa "ivory tower" at sa poetics ng simbolismo.

Kung ang gawain ni Vrubel ay maaaring maiugnay sa pangkalahatang direksyon ng simbolismo sa sining at panitikan, bagaman, tulad ng anumang mahusay na artista, sinira niya ang mga hangganan ng direksyon, kung gayon si Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905) ay isang direktang exponent ng simbolismong may larawan. at isa sa mga unang retrospectiveist sa visual arts. sining ng dayuhang Russia. Tinawag pa nga siya ng mga kritiko noon na "isang mapangarapin ng retrospectiveism." Namatay sa bisperas ng unang rebolusyong Ruso, si Borisov-Musatov ay naging ganap na bingi sa mga bagong mood na mabilis na sumabog sa buhay. Ang kanyang mga gawa ay elegiac na kalungkutan para sa mga lumang walang laman na "noble nests" at namamatay na "cherry orchards", para sa magagandang babae, spiritualized, halos hindi makalupa, nakadamit sa ilang uri ng walang tiyak na oras na mga costume na hindi nagdadala ng mga panlabas na palatandaan ng lugar at oras.

Ang kanyang easel ay gumagana higit sa lahat ay hindi katulad ng mga pandekorasyon na panel, ngunit mga tapiserya. Ang puwang ay napagpasyahan na lubos na may kondisyon, patag, ang mga numero ay halos ethereal, tulad ng, halimbawa, ang mga batang babae sa tabi ng lawa sa pagpipinta na "The Pond" (1902, tempera, Tretyakov Gallery), na nahuhulog sa panaginip na pagmumuni-muni, sa malalim na pagmumuni-muni. Ang kupas, maputlang kulay-abo na kulay ng kulay ay nagpapahusay sa pangkalahatang impresyon ng marupok, hindi makalupa na kagandahan at anemicity, makamulto, na umaabot hindi lamang sa mga larawan ng tao, kundi pati na rin sa kalikasan na inilalarawan ng mga ito. Hindi sinasadya na tinawag ni Borisov-Musatov ang isa sa kanyang mga gawa na "Ghosts" (1903, tempera, State Tretyakov Gallery): tahimik at hindi aktibong mga babaeng figure, mga estatwa ng marmol sa tabi ng hagdan, isang kalahating hubad na puno - isang kupas na hanay ng asul, ang kulay abo, lilang tono ay nagpapaganda ng ilusyon ng inilalarawan.

Ang pananabik na ito para sa mga nakalipas na panahon ay naging katulad ni Borisov-Musatov sa mga artista ng Mundo ng Sining, isang organisasyon na lumitaw sa St. Petersburg noong 1898 at pinag-isa ang mga master ng pinakamataas na kulturang masining, ang artistikong elite ng Russia noong mga taong iyon. (Ang "Miriskusniki", sa pamamagitan ng paraan, ay hindi naiintindihan ang sining ng Borisov-Musatov at nakilala lamang ito sa pagtatapos ng buhay ng artista.) Ang "World of Art" ay nagsimula sa mga gabi sa bahay ni A. Benois na nakatuon sa sining, panitikan. at musika. Ang mga taong nagtipun-tipon doon ay pinag-isa ng pagmamahal sa kagandahan at ng pagtitiwala na ito ay matatagpuan lamang sa sining, dahil ang katotohanan ay pangit. Ang pagkakaroon din ng arisen bilang isang reaksyon sa maliit na mga tema ng late Wanderers, ang kanyang edification at illustrativeness, ang "World of Art" sa lalong madaling panahon ay naging isa sa mga pangunahing phenomena ng Russian artistikong kultura. Ang asosasyong ito ay dinaluhan ng halos lahat ng mga sikat na artista - Benois, Somov, Bakst, E.E. Lancere, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, K. Korovin, Levitan, Nesterov, Ostroumova-Lebedeva, Bilibin, Sapunov, Sudeikin, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin, kahit Larionov at Goncharova. Ang personalidad ni Diaghilev, isang pilantropo at tagapag-ayos ng mga eksibisyon, at kalaunan ay impresario ng Russian ballet at opera tours sa ibang bansa (Russian Seasons, na nagpakilala sa Europa sa mga gawa ng Chaliapin, Pavlova, Karsavina, Fokin, Nijinsky, atbp.), kahalagahan para sa pagbuo ng asosasyong ito.ang mundo ay isang halimbawa ng pinakamataas na kultura ng anyo ng iba't ibang sining: musika, sayaw, pagpipinta, senograpiya). Sa paunang yugto ng pagbuo ng "World of Art" ay inayos ni Diaghilev ang isang eksibisyon ng English at German watercolors sa St. Petersburg noong 1897, pagkatapos ay isang eksibisyon ng Russian at Finnish artist noong 1898. Mula 1899 hanggang 1904 ay nag-edit siya ng isang magazine sa ilalim ng ang parehong pangalan, na binubuo ng dalawang departamento: masining at pampanitikan (ang huli ay isang plano sa relihiyon-pilosopikal, kung saan nagtulungan sina D. Filosofov, D. Merezhkovsky at Z. Gippius bago ang pagbubukas ng kanyang journal na "Bagong Daan" noong 1902 Pagkatapos ang direksyon ng relihiyon-pilosopikal sa journal na "Mir art "ay nagbigay daan sa teorya ng aesthetics, at sa bahaging ito ang magazine ay naging isang tribune para sa iba pang mga Symbolists na pinamumunuan ni A. Bely at V. Bryusov).

Ang mga artikulo sa editoryal ng mga unang isyu ng magazine ay malinaw na nagbalangkas ng mga pangunahing probisyon ng "mundo ng sining" tungkol sa awtonomiya ng sining, na ang mga problema ng modernong kultura ay eksklusibong mga problema ng artistikong anyo at na ang pangunahing gawain ng sining ay turuan ang mga aesthetic na panlasa ng lipunang Ruso, pangunahin sa pamamagitan ng kakilala sa mga gawa ng sining sa mundo. Dapat tayong magbigay pugay sa kanila: salamat sa "mundo ng sining", ang sining ng Ingles at Aleman ay talagang pinahahalagahan sa isang bagong paraan, at higit sa lahat, ang pagpipinta ng ika-18 siglo ng Russia at ang arkitektura ng St. Petersburg classicism ay naging isang pagtuklas. para sa marami. Ang "Miriskusniki" ay nakipaglaban para sa "pagpuna bilang sining", na nagpapahayag ng ideyal ng isang kritiko-artist na may mataas na propesyonal na kultura at karunungan. Ang uri ng naturang kritiko ay isinama ng isa sa mga tagapagtatag ng "World of Art" A.N. Benoit. Ang "Miriskusniki" ay nag-organisa ng mga eksibisyon. Ang una ay ang tanging internasyonal, na nagkakaisa, bilang karagdagan sa mga Ruso, mga artista mula sa France, England, Germany, Italy, Belgium, Norway, Finland, atbp. Parehong St. Petersburg at Moscow na mga pintor at graphic artist ay nakibahagi dito. Ngunit ang lamat sa pagitan ng dalawang paaralang ito - St. Petersburg at Moscow - ay nabalangkas halos mula sa unang araw. Noong Marso 1903, ang huling, ikalimang eksibisyon ng "World of Art" ay isinara, noong Disyembre 1904 ang huling isyu ng magazine na "World of Art" ay nai-publish. Karamihan sa mga artista ay lumipat sa Union of Russian Artists, na inayos batay sa eksibisyon ng Moscow na "36," si Diaghilev ay ganap na nagpunta sa ballet at teatro. Ang kanyang huling makabuluhang gawain sa visual arts ay isang napakagandang makasaysayang eksibisyon ng pagpipinta ng Russia mula sa pagpipinta ng icon hanggang sa modernong panahon sa Paris Autumn Salon noong 1906, pagkatapos ay ipinakita sa Berlin at Venice (1906-1907). Sa seksyon ng kontemporaryong pagpipinta, ang pangunahing lugar ay inookupahan ng "mundo ng sining". Ito ang unang pagkilos ng all-European na pagkilala sa "World of Art", pati na rin ang pagtuklas ng pagpipinta ng Russia noong ika-18 - unang bahagi ng ika-20 siglo. sa pangkalahatan para sa pagpuna sa Kanluran at isang tunay na tagumpay ng sining ng Russia.

Noong 1910, isang pagtatangka ay ginawa upang huminga ng buhay sa "World of Art" (pinununahan ni Roerich). Sa oras na ito, naganap ang isang demarcation sa mga pintor. Si Benoit at ang kanyang mga tagasuporta ay nakipaghiwalay sa Union of Russian Artists ", kasama ang mga Muscovites, at umalis sa organisasyong ito, ngunit naiintindihan nila na ang pangalawang asosasyon na tinatawag na" World of Art "ay walang kinalaman sa una. Malungkot na sinabi ni Benoit na "hindi ang pagkakasundo sa ilalim ng bandila ng kagandahan ay naging slogan na ngayon sa lahat ng larangan ng buhay, ngunit isang mabangis na pakikibaka." Ang kaluwalhatian ay dumating sa "mundo ng sining", ngunit ang "World of Arts", sa katunayan, ay hindi na umiiral, kahit na pormal na umiral ang asosasyon hanggang sa unang bahagi ng 1920s (1924) - sa kumpletong kawalan ng integridad, sa walang hanggan na pagpapaubaya at kakayahang umangkop. ng mga posisyon, pinagkasundo ang mga artista mula Rylov hanggang Tatlin, mula Grabar hanggang Chagall. Paano hindi maalala ang mga Impresyonista dito? Ang komonwelt na minsang isinilang sa pagawaan ng Gleir, sa Salon ng Outcast, sa mga mesa ng Herbois cafe at kung saan ay magkakaroon ng malaking epekto sa lahat ng pagpipinta ng Europa, ay nagkawatak-watak din sa threshold ng pagkilala nito. Ang ikalawang henerasyon ng "mundo ng sining" ay hindi gaanong abala sa mga problema ng pagpipinta ng easel, ang kanilang mga interes ay namamalagi sa mga graphic, pangunahin sa mga libro, at sining sa teatro at pandekorasyon, sa parehong mga lugar ay gumawa sila ng isang tunay na artistikong reporma. Sa ikalawang henerasyon ng "mundo ng sining" mayroon ding mga malalaking indibidwal (Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigoriev, Yakovlev, Shukhaev, Mitrokhin, atbp.), ngunit walang mga innovator, dahil mula noong 1910s ang Ang "World of Art" ay naging napakatinding alon ng epigonismo. Samakatuwid, kapag nailalarawan ang "World of Art", pangunahing pag-uusapan natin ang tungkol sa unang yugto ng pagkakaroon ng asosasyong ito at ang core nito - Benoit, Somov, Bakst.

Ang nangungunang artista ng Mundo ng Sining ay si Konstantin Andreevich Somov (1869–1939). Ang anak ng punong tagapangasiwa ng Hermitage, na nagtapos sa Academy of Arts at naglakbay sa Europa, si Somov ay nakatanggap ng isang mahusay na edukasyon. Ang pagkamalikhain ay dumating sa kanya nang maaga, ngunit, bilang mananaliksik (V.N.

Si Somov, tulad ng kilala natin sa kanya, ay lumitaw sa larawan ng artist na si Martynova ("Lady in Blue", 1897-1900, Tretyakov Gallery), sa painting-portrait na "Echo of the Past Tense" (1903, sa mga mapa, aqu. , Gouache, Tretyakov Gallery ), kung saan siya ay lumilikha ng isang mala-tula na paglalarawan ng marupok, anemic na babaeng kagandahan ng isang dekadenteng modelo, na tumatangging ihatid ang tunay na pang-araw-araw na mga palatandaan ng modernidad. Binihisan niya ang mga modelo sa mga lumang costume, binibigyan ang kanilang hitsura ng mga tampok ng lihim na pagdurusa, kalungkutan at panaginip, masakit na pagkasira.

Si Somov ay nagmamay-ari ng isang serye ng mga graphic na larawan ng kanyang mga kontemporaryo - ang intelektwal na elite (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lancere, Dobuzhinsky, atbp.), Kung saan gumagamit siya ng isang pangkalahatang pamamaraan: sa isang puting background - sa isang tiyak na walang tiyak na oras. sphere - gumuhit siya ng isang mukha, pagkakahawig kung saan ito ay nakakamit hindi sa pamamagitan ng naturalization, ngunit sa pamamagitan ng matapang na generalizations at isang tumpak na pagpili ng mga detalye ng katangian. Ang kawalan ng mga palatandaan ng oras ay lumilikha ng impresyon ng static, paninigas, lamig, halos trahedya na kalungkutan.

Mas maaga kaysa sa sinuman sa The World of Art, si Somov ay bumaling sa mga tema ng nakaraan, sa interpretasyon ng ika-18 siglo. ("Liham", 1896; "Pagiging Kumpidensyal", 1897), bilang hinalinhan ng mga tanawin ng Versailles ng Benoit. Siya ang unang lumikha ng isang hindi makatotohanang mundo, na hinabi mula sa mga motibo ng marangal na ari-arian at kultura ng korte at ang kanyang sariling mga pansariling pandamdam na pansining, na puno ng kabalintunaan. Ang historicism ng "World of Artists" ay isang pagtakas sa realidad. Hindi ang nakaraan, ngunit ang pagsasadula nito, ang pananabik para sa hindi na mababawi - ito ang kanilang pangunahing motibo. Hindi totoong saya, ngunit naglalaro ng kasiyahan sa mga halik sa mga eskinita - ito si Somov.

Ang iba pang mga gawa ni Somov ay mga pastoral at galante na kasiyahan (Laughed Kiss, 1908, RM; Walk of the Marquise, 1909, RM), puno ng mapang-uyam na kabalintunaan, espirituwal na kahungkagan, maging ang kawalan ng pag-asa. Mga eksena sa pag-ibig mula sa ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo. ay palaging ibinibigay na may haplos ng erotismo. Ang huli ay lalong maliwanag sa kanyang mga pigurin na porselana, na nakatuon, kumbaga, sa isang tema - ang makamulto na pagtugis ng kasiyahan.

Si Somov ay nagtrabaho ng maraming bilang isang graphic artist, siya ay nagdisenyo ng isang monograp ni S. Diaghilev tungkol sa D. Levitsky, A. Benois ng trabaho tungkol sa Tsarskoe Selo. Ang libro bilang isang solong organismo na may ritmo at estilistang pagkakaisa nito ay pinalaki niya sa isang pambihirang taas. Si Somov ay hindi isang ilustrador, siya ay "hindi naglalarawan ng isang teksto, ngunit isang panahon, gamit ang isang pampanitikan na aparato bilang isang pambuwelo," isinulat ni A.A. Sidorov, at ito ay tunay na totoo.

Ang pinuno ng ideolohikal ng "World of Art" ay si Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960) - isang hindi pangkaraniwang maraming nalalaman na talento. Isang pintor, graphic easel painter at illustrator, theater artist, direktor, may-akda ng ballet librettos, theoretician at art historian, musical figure, siya ay, sa mga salita ni A. Bely, ang pangunahing politiko at diplomat ng World of Art. Mula sa itaas na sapin ng St. Petersburg artistic intelligentsia (mga kompositor at konduktor, arkitekto at pintor), una siyang nag-aral sa law faculty ng St. Petersburg University. Bilang isang artista, nauugnay siya kay Somov sa pamamagitan ng mga istilo ng istilo at pagkagumon sa nakaraan ("Lasing ako sa Versailles, ito ay isang uri ng sakit, pag-ibig, pagnanasa sa kriminal ... Ako ay ganap na lumipat sa nakaraan ..." ). Pinagsama ng mga tanawin ng Versailles ng Benois ang makasaysayang muling pagtatayo noong ika-17 siglo. at kontemporaryong mga impression ng artist, ang kanyang pang-unawa ng French classicism, French ukit. Kaya naman ang malinaw na komposisyon, malinaw na spatiality, kadakilaan at malamig na kalubhaan ng mga ritmo, contrasting ang kadakilaan ng mga monumento ng sining at ang kaliitan ng mga pigurin ng tao, na mga tauhan lamang sa kanila (ang 1st Versailles series 1896–1898 na pinamagatang "The Last Walks of Louis XIV ”). Sa pangalawang serye ng Versailles (1905-1906), ang kabalintunaan, na katangian din ng mga unang sheet, ay may kulay na halos kalunos-lunos na mga tala (The King's Walk, k., Gouache, aqu., Gold, silver, feather, 1906, Tretyakov Gallery). Ang pag-iisip ni Benoit ay ang pag-iisip ng isang theater artist par excellence, na lubos na nakakaalam at nakadama ng teatro.

Ang kalikasan ay nakikita ni Benois sa isang nauugnay na koneksyon sa kasaysayan (mga view ng Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoye Selo, na ginanap sa kanya sa watercolor technique).

Sa isang serye ng mga pagpipinta mula sa nakaraan ng Russia, na kinomisyon ng Moscow publishing house na Knebel (mga larawan para sa "The Tsar's Hunt"), sa mga eksena ng marangal, buhay panginoong maylupa noong ika-18 siglo. Gumawa si Benoi ng isang matalik na imahe ng panahong ito, kahit na medyo theatrical ("Parade under Paul I", 1907, RM).

Si Benois the illustrator (Pushkin, Hoffmann) ay isang buong pahina sa kasaysayan ng libro. Hindi tulad ni Somov, si Benoit ay lumikha ng isang paglalarawan ng pagsasalaysay. Ang eroplano ng pahina ay hindi isang katapusan para sa kanya. Ang mga guhit para sa "The Queen of Spades" ay mas malamang na kumpletong mga independiyenteng gawa, hindi gaanong "sining ng libro", ayon kay A.A. Sidorov, gaano karaming "sining ang nasa libro." Ang isang obra maestra ng ilustrasyon ng libro ay ang graphic na disenyo ng The Bronze Horseman (1903,1905,1916,1921–1922, tinta at watercolor na ginagaya ang kulay na woodcut). Sa isang serye ng mga ilustrasyon para sa mahusay na tula, ang pangunahing tauhan ay ang arkitektura na tanawin ng St. Petersburg, ngayon ay solemne na kalunos-lunos, ngayon ay mapayapa, ngayon ay nagbabala, kung saan ang pigura ni Eugene ay tila hindi gaanong mahalaga. Ito ay kung paano ipinahayag ni Benoit ang kalunos-lunos na salungatan sa pagitan ng kapalaran ng estado ng Russia at ng personal na kapalaran ng maliit na tao ("At buong gabi ang kaawa-awang baliw, / Saanman niya ipihit ang kanyang mga paa, / 3 ang Copper Horseman ay nasa lahat ng dako / Sumakay siya. na may mabigat na tadyak”).

Bilang isang artista sa teatro, idinisenyo ni Benoit ang mga pagtatanghal ng Russian Seasons, kung saan ang pinakasikat ay ang ballet na Petrushka sa musika ng Stravinsky, ay nagtrabaho nang husto sa Moscow Art Theater, at pagkatapos ay sa halos lahat ng mga pangunahing yugto sa Europa.

Ang aktibidad ni Benoit, isang kritiko ng sining at istoryador ng sining, na, kasama si Grabar, ay nag-update ng mga pamamaraan, pamamaraan at tema ng kasaysayan ng sining ng Russia, ay isang buong yugto sa kasaysayan ng kasaysayan ng sining (tingnan ang "History of Painting of R. Muter" the 19th Century" - dami ng "Russian Painting", 1901– 1902; "Russian School of Painting", na inilathala noong 1904; "Tsarskoe Selo sa panahon ng paghahari ni Empress Elizabeth Petrovna", 1910; mga artikulo sa magazine na "World of Art" at "Mga Lumang Taon", "Mga Artistic Treasures ng Russia", atbp.).

Ang pangatlo sa ubod ng Mundo ng Sining ay si Lev Samuilovich Bakst (1866–1924), na naging tanyag bilang artista sa teatro at ang una sa "mundo ng sining" na sumikat sa Europa. Dumating siya sa "World of Art" mula sa Academy of Arts, pagkatapos ay nagpahayag ng estilo ng Art Nouveau, katabi ang kaliwang mga uso sa pagpipinta ng Europa. Sa mga unang eksibisyon ng Mundo ng Sining, nagpakita siya ng maraming larawan at graphic na mga larawan (Benoit, Bely, Somov, Rozanov, Gippius, Diaghilev), kung saan ang kalikasan, na dumarating sa isang stream ng mga kondisyon ng pamumuhay, ay binago sa isang uri ng perpektong ideya ng isang kontemporaryong tao. Nilikha ni Bakst ang tatak ng magazine na "World of Art", na naging sagisag ng "Russian Seasons" ni Diaghilev sa Paris. Walang mga motibo ng ika-18 siglo sa mga graphic ni Bakst. at mga tema ng manor. Siya gravitates patungo sa antiquity, at patungo sa Greek archaic, interpreted symbolically. Ang kanyang pagpipinta na "Ancient Horror" - "Terror antiquus" (tempera, 1908, RM) ay nagtamasa ng partikular na tagumpay sa mga Symbolists. Isang kakila-kilabot na mabagyong kalangitan, kidlat na nagbibigay-liwanag sa kailaliman ng dagat at sinaunang lungsod - at ang archaic crust na may isang misteryosong frozen na ngiti ay nangingibabaw sa buong unibersal na sakuna. Di-nagtagal, ganap na pumasok si Bakst sa teatro at pandekorasyon na gawain, at ang kanyang mga tanawin at kasuotan para sa mga ballet ng entreprise ni Diaghilev, na gumanap nang may pambihirang kinang, dalubhasa, masining, ay nagdala sa kanya ng katanyagan sa mundo. Dinisenyo ito para sa mga pagtatanghal kasama si Anna Pavlova, mga ballet ni Fokine. Ang artist ay gumawa ng mga set at costume para sa Rimsky-Korsakov's Scheherazade, Stravinsky's Firebird (parehong -1910), Ravel's Daphnis at Chloe, at para sa ballet na Debussy's Afternoon of a Faun (parehong -1912).

Sa unang henerasyon ng "mundo ng sining", ang mas bata sa edad ay si Evgeny Evgenievich Lanceray (1875-1946), na sa kanyang trabaho ay hinawakan ang lahat ng mga pangunahing problema ng mga graphics ng libro sa simula ng ika-20 siglo. (tingnan ang kanyang mga guhit para sa aklat na "Legends of the Ancient Castles of Brittany", para kay Lermontov, ang pabalat para sa "Nevsky Prospect" ni Bozheryanov, atbp.). Gumawa si Lanceray ng maraming watercolor at lithograph sa St. Petersburg (Kalinkin Bridge, Nikolsky Market, atbp.). Sinasakop ng arkitektura ang isang malaking lugar sa kanyang mga makasaysayang komposisyon ("Empress Elizaveta Petrovna sa Tsarskoe Selo", 1905, State Tretyakov Gallery). Masasabi natin na ang isang bagong uri ng makasaysayang larawan ay nilikha sa mga gawa ni Serov, Benoit, Lanceray - wala itong isang balangkas, ngunit sa parehong oras ay perpektong nililikha nito ang hitsura ng panahon, na nagbubunga ng maraming makasaysayang, pampanitikan at aesthetic. mga asosasyon. Isa sa mga pinakamahusay na likha ng Lanceray - 70 mga guhit at watercolor para sa kuwento ni L.N. Ang "Hadji Murad" ni Tolstoy (1912-1915), na itinuturing ni Benoit na "isang independiyenteng kanta, perpektong sumasali sa makapangyarihang musika ni Tolstoy." Sa panahon ng Sobyet, si Lanceray ay naging isang kilalang pintor.

Ang mga graphic ni Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky (1875–1957) ay hindi kumakatawan sa Petersburg ng panahon ng Pushkin o ika-18 siglo bilang isang modernong lungsod, na naihatid niya nang may halos kalunos-lunos na pagpapahayag (Old House, 1905, watercolor, Tretyakov Gallery), pati na rin ang isang tao - isang naninirahan sa naturang mga lungsod (The Man with Glasses, 1905-1906, pastel, State Tretyakov Gallery: malungkot, laban sa background ng mga mapurol na bahay, isang malungkot na tao, na ang ulo ay kahawig ng isang bungo). Ang urbanismo ng hinaharap ay nagbigay inspirasyon kay Dobuzhinsky na may gulat. Marami rin siyang nagtrabaho sa ilustrasyon, kung saan ang pinaka-kapansin-pansin ay maaaring ituring na kanyang ikot ng mga guhit ng tinta para sa "White Nights" ni Dostoevsky (1922). Nagtrabaho din si Dobuzhinsky sa teatro, na idinisenyo para sa Nikolai Stavrogin ni Nemirovich-Danchenko (pagtatanghal ng Dostoevsky's Demons), mga dula ni Turgenev na A Month in the Country at Freeloader.

Si Nicholas Roerich (1874-1947) ay sumasakop sa isang espesyal na lugar sa "World of Art". Isang dalubhasa sa pilosopiya at etnograpiya ng Silangan, isang arkeologo at siyentipiko, si Roerich ay nakatanggap ng isang mahusay na edukasyon muna sa bahay, pagkatapos ay sa Faculty of Law at History at Philology ng St. Petersburg University, pagkatapos ay sa Academy of Arts, sa Kuindzhi's workshop, at sa Paris sa studio ni F. Cormon. Maagang nakuha niya ang awtoridad ng isang siyentipiko. Siya ay nauugnay sa "mundo ng sining" sa pamamagitan ng parehong pag-ibig ng pagbabalik-tanaw, hindi lamang noong ika-17 - ika-18 na siglo, ngunit ng paganong sinaunang Slavic at Scandinavian, sa Sinaunang Russia; mga tendensiyang pangkakanyahan, theatrical decorativeness (The Messenger, 1897, State Tretyakov Gallery; The Elders Are Converging, 1898, State Russian Museum; "Sinister", 1901, State Russian Museum). Si Roerich ay pinaka malapit na nauugnay sa pilosopiya at aesthetics ng simbolismo ng Russia, ngunit ang kanyang sining ay hindi umaangkop sa balangkas ng umiiral na mga uso, dahil, alinsunod sa pananaw sa mundo ng artist, ito ay umapela, tulad ng, sa lahat ng sangkatauhan na may isang apela. para sa isang mapagkaibigang unyon ng lahat ng mga tao. Kaya naman ang espesyal na epikong karakter ng kanyang mga canvases.

Pagkatapos ng 1905, ang mood ng pantheistic mistisismo ay lumago sa akda ni Roerich. Ang mga makasaysayang tema ay nagbibigay-daan sa mga alamat ng relihiyon ("Labanan sa Langit", 1912, RM). Malaki ang impluwensya ng Russian icon kay Roerich: ang kanyang decorative panel na Cutting at Kerzhenets (1911) ay ipinakita habang gumaganap ng isang fragment ng parehong pamagat mula sa opera ni Rimsky-Korsakov na The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia sa Parisian Russian. Mga panahon.

Sa ikalawang henerasyon ng Mundo ng Sining, ang isa sa mga pinaka matalinong artista ay si Boris Mikhailovich Kustodiev (1878–1927), isang estudyante ng Repin, na tumulong sa kanya sa gawain sa Konseho ng Estado. Ang Kustodiev ay nailalarawan din sa pamamagitan ng stylization, ngunit ito ang stylization ng folk popular na mga kopya. Kaya naman ang maliwanag na maligaya na "Fairs", "Maslenitsa", "Balagans", samakatuwid ang kanyang mga kuwadro na gawa mula sa burges at buhay mangangalakal, ay inihatid na may magaan na kabalintunaan, ngunit hindi nang walang paghanga para sa mga pulang-pisngi, kalahating tulog na mga dilag sa samovar at may mga platito sa matambok na mga daliri ("Merchant", 1915, RM; "The merchant's wife at tea", 1918, RM).

A. Oo. Golovin - isa sa pinakamalaking artista sa teatro ng unang quarter ng ika-20 siglo, I. Ya. Bilibin, A.P. Ostroumova-Lebedev at iba pa.

Ang Mundo ng Sining ay isang pangunahing aesthetic na kilusan sa pagsisimula ng siglo, na labis na tinantiya ang buong makabagong artistikong kultura, inaprubahan ang mga bagong panlasa at problema, at bumalik sa sining, sa pinakamataas na antas ng propesyonal, ang mga nawawalang anyo ng mga graphics ng libro at theatrical at pandekorasyon pagpipinta, na nakuha sa pamamagitan ng kanilang mga pagsusumikap all-European pagkilala, na lumikha ng bagong sining pintas, nagpo-promote ng Russian sining sa ibang bansa, sa katunayan, kahit na pagbubukas ng ilan sa mga yugto nito, tulad ng Russian XVIII siglo. Ang "Miriskusniki" ay lumikha ng isang bagong uri ng makasaysayang pagpipinta, portrait, landscape na may sariling mga tampok na pangkakanyahan (natatanging mga tendensiyang pangkakanyahan, ang pamamayani ng mga graphic na diskarte sa pagpipinta, pulos pandekorasyon na pag-unawa sa kulay, atbp.). Tinutukoy nito ang kanilang kahalagahan para sa sining ng Russia.

Ang mga kahinaan ng "World of Art" ay makikita lalo na sa pagkakaiba-iba at hindi pagkakapare-pareho ng programa, na nagpapahayag ng isang halimbawa ng "ngayon Böcklin, ngayon ay Manet"; sa idealistikong pananaw ng sining, na apektado ng kawalang-interes sa mga gawaing pansibiko ng sining, sa programmatic apoliticality, sa pagkawala ng panlipunang kahalagahan ng pagpipinta. Ang matalik na katangian ng Mundo ng Sining, ang dalisay na aestheticism nito ay natukoy din ang maikling makasaysayang panahon ng buhay nito sa panahon ng kakila-kilabot na trahedya na pagpapakita ng paparating na rebolusyon. Ang mga ito ay mga unang hakbang lamang sa landas ng mga malikhaing hangarin, at sa lalong madaling panahon ang "World of Art" ay naabutan ng mga kabataan.

Para sa ilan sa "mundo ng sining", gayunpaman, ang unang rebolusyong Ruso ay isang tunay na rebolusyon sa kanilang pananaw sa mundo. Ang mobility at accessibility ng mga graphics ay nagdulot ng partikular na aktibidad nito sa mga taong ito ng rebolusyonaryong kaguluhan. Ang isang malaking bilang ng mga satirical magazine ay lumitaw (380 mga pamagat ang binilang mula 1905 hanggang 1917). Ang magazine na "Sting" ay tumayo para sa rebolusyonaryo-demokratikong oryentasyon nito, ngunit ang pinakamalaking artistikong pwersa ay pinagsama-sama sa paligid ng "Bogey" at ang application nito na "Hell's Mail". Ang pagtanggi sa autokrasya ay pinag-isa ang mga artistang liberal ang pag-iisip ng iba't ibang direksyon. Sa isa sa mga isyu ng "Bogey" inilalagay ni Bilibin ang isang cartoon na "Donkey in 1/20 life size": sa isang frame na may mga katangian ng kapangyarihan at kaluwalhatian, kung saan ang imahe ng hari ay karaniwang inilalagay, ang isang asno ay iginuhit. Si Lanceray noong 1906 ay nag-print ng isang cartoon na "Tryzna": ang mga heneral ng tsarist sa isang madilim na kapistahan ay nakikinig hindi sa pagkanta, ngunit sa mga sumisigaw na mga sundalo na nakatayo sa atensyon. Si Dobuzhinsky sa kanyang pagguhit na "October Idyll" ay nananatiling tapat sa tema ng modernong lungsod, tanging ang mga nagbabantang palatandaan ng mga kaganapan ang sumabog sa lungsod na ito: isang bintana na nasira ng isang bala, isang nakahiga na manika, mga baso at isang mantsa ng dugo sa dingding at sa simento. Si Kustodiev ay gumanap ng isang bilang ng mga karikatura ng tsar at ng kanyang mga heneral at mga larawan ng mga ministro ng tsar - Witte, Ignatiev, Dubasov, atbp., na pambihira sa kanilang talas at masamang irony, na pinag-aralan niya nang mabuti habang tinutulungan si Repin sa kanyang gawain sa " Konseho ng Estado". Sapat na upang sabihin na si Witte ay lumilitaw sa ilalim ng kanyang kamay bilang isang nakakagulat na payaso na may pulang banner sa isang kamay at isang maharlikang bandila sa kabilang banda.

Ngunit ang pinaka-nagpapahayag sa rebolusyonaryong mga graphic ng mga taong iyon ay ang mga guhit ni V.A. Serov. Ang kanyang posisyon ay medyo tiyak sa panahon ng rebolusyon ng 1905. Ang rebolusyon ay nagbunga ng ilang mga karikatura ni Serov: “1905. Pagkatapos ng Pasipiko "(Nicholas II, na may raket sa ilalim ng kanyang braso, namamahagi ng mga krus ni St. George sa mga suppressor); "Anihin" (ang mga riple ay nakaimpake sa mga bigkis sa bukid). Ang pinakatanyag na komposisyon sa seryeng ito ay "Mga Sundalo, magigiting na mga bata! Nasaan ang iyong kaluwalhatian?" (1905, RM). Ang posisyong civic ni Serov, ang kanyang kakayahan, pagmamasid at matalinong laconicism ng draftsman ay ganap na ipinakita dito. Inilalarawan ni Serov ang simula ng pag-atake ng Cossacks sa mga demonstrador noong Enero 9, 1905. Sa background, ang pangkalahatang misa ay ibinibigay sa mga demonstrador; sa harap, sa pinakadulo ng sheet, may mga malalaking hiwalay na mga figure ng Cossacks, at sa pagitan ng una at ang background, sa gitna - isang opisyal na nakasakay sa kabayo na tumatawag sa kanila upang umatake, na may isang sable na kalbo. Ang pangalan, tulad nito, ay naglalaman ng lahat ng mapait na kabalintunaan ng sitwasyon: Ang mga sundalong Ruso ay nagtaas ng mga sandata laban sa kanilang mga tao. Kaya nga at gayon ang kalunos-lunos na pangyayaring ito ay nakita hindi lamang ni Serov mula sa bintana ng kanyang pagawaan, kundi pati na rin (sabihin nating matalinghaga) mula sa kailaliman ng liberal na kamalayan ng mga intelihente ng Russia sa kabuuan. Ang mga artistang Ruso na nakiramay sa rebolusyong 1905 ay hindi alam kung anong uri ng mga sakuna sa kasaysayan ng Russia ang nasa bingit na nila. Sa panig ng rebolusyon, mas pinili nila, medyo nagsasalita, ang isang terorista-bombero (mula sa mga tagapagmana ng raznochin nihilist, "sa kanilang mga kasanayan sa pampulitikang pakikibaka at ideological indoctrination ng malawak na strata ng lipunan ", ayon sa tamang kahulugan ng isang mananalaysay) ang opisyal ng lungsod, na nagpoprotekta sa kaayusan. Hindi nila alam na ang "pulang gulong" ng rebolusyon ay wawakasan hindi lamang ang autokrasya na kinasusuklaman nila, kundi ang buong paraan ng pamumuhay ng mga Ruso, ang lahat ng kulturang Ruso, na kanilang pinaglingkuran at kung saan ay mahal sa kanila.

Noong 1903, tulad ng nabanggit na, ang isa sa pinakamalaking mga asosasyon ng eksibisyon sa simula ng siglo ay bumangon - ang Union of Russian Artists. Sa una, kasama nito ang halos lahat ng mga kilalang figure ng "World of Art" - Benoit, Bakst, Somov, Dobuzhinsky, Serov, ang mga kalahok sa mga unang eksibisyon ay sina Vrubel, Borisov-Musatov. Ang mga nagpasimula ng paglikha ng asosasyon ay mga artista ng Moscow na nauugnay sa "World of Art", ngunit natimbang ng mga programmatic aesthetics ng Petersburgers. Ang mukha ng "Union" ay higit na tinutukoy ng mga pintor ng Moscow ng itinerant na kilusan, mga mag-aaral ng Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture, ang mga tagapagmana ng Savrasov, mga mag-aaral ng Serov at K. Korovin. Marami sa kanila ay ipinakita sa parehong oras sa mga paglalakbay na eksibisyon. Ang mga exhibitors ng "Union" ay mga artista ng iba't ibang mga saloobin: S. Ivanov, M. Nesterov, A. Arkhipov, ang mga kapatid na Korovin, L. Pasternak. Ang mga gawaing pang-organisasyon ay namamahala sa A.M. Vasnetsov, S.A. Vinogradov, V.V. Mga bookbinder. Ang mga haligi ng V.M. Vasnetsov, Surikov, Polenov ang mga miyembro nito. K. Korovin ay itinuring na pinuno ng Unyon.

Pambansang tanawin, maibiging ipininta ang mga larawan ng magsasaka na Russia - isa sa mga pangunahing genre ng mga artista ng "Union", kung saan ang "Russian impressionism" kasama ang nakararami nitong rural, hindi urban motives, ay nagpahayag ng sarili sa isang kakaibang paraan. Kaya ang mga landscape ng I.E. Ang Grabar (1871-1960) kasama ang kanilang liriko na mood, na may mga banayad na larawang nuances, na sumasalamin sa mga instant na pagbabago sa totoong kalikasan, ay isang uri ng kahanay sa lupa ng Russia sa impresyonistikong tanawin ng Pranses ("Setyembre Snow", 1903, Tretyakov Gallery) . Sa kanyang auto-monograph, naalala ni Grabar ang plein-air landscape na ito: "Ang tanawin ng niyebe na may matingkad na dilaw na mga dahon ay hindi inaasahan at sa parehong oras ay napakaganda na agad akong tumira sa terrace at sa loob ng tatlong araw ay nagpinta ... a larawan." Ang interes ni Grabar sa agnas ng nakikitang kulay sa parang multo, purong mga kulay ng palette ay ginagawa siyang katulad ng neo-impressionism, kasama sina J. Seurat at P. Signac ("March Snow", 1904, Tretyakov Gallery). Ang paglalaro ng mga kulay sa kalikasan, kumplikadong mga coloristic na epekto ay naging paksa ng malapit na pag-aaral ng "Mga Allies", na lumikha sa canvas ng isang pictorial-plastic na makasagisag na mundo na walang salaysay at paglalarawan.

Sa lahat ng interes sa paghahatid ng liwanag at hangin sa pagpipinta ng mga masters ng "Union", ang paglusaw ng isang bagay sa isang light-air na kapaligiran ay hindi kailanman sinusunod. Ang kulay ay nagiging pandekorasyon.

Ang mga "Alyado", sa kaibahan sa mga Petersburgers - ang mga graphic artist ng "World of Art" - ay pangunahing mga pintor na may mas mataas na pandekorasyon na kahulugan ng kulay. Ang isang mahusay na halimbawa nito ay ang mga kuwadro na gawa ni F.A. Malyavin.

Kabilang sa mga kalahok ng "Union" ang mga artista na malapit sa "mundo ng sining" sa mismong tema ng pagkamalikhain. Kaya, K.F. Si Yuon (1875-1958) ay naaakit sa hitsura ng mga sinaunang lungsod ng Russia, ang panorama ng lumang Moscow. Ngunit si Yuon ay malayo sa aesthetic na paghanga para sa mga motibo ng nakaraan, isang makamulto na tanawin ng arkitektura. Ang mga ito ay hindi ang mga parke ng Versailles at ang Tsarskoye Selo baroque, ngunit ang arkitektura ng lumang Moscow sa tagsibol o taglamig nito. Ang mga larawan ng kalikasan ay puno ng buhay, mayroon silang natural na impresyon, mula sa kung saan una sa lahat ay tinanggihan ng artist (The March Sun, 1915, Tretyakov Gallery; Trinity Lavra in Winter, 1910, State Russian Museum). Ang mga banayad na nababagong estado ng kalikasan ay inihahatid sa mga tanawin ng isa pang miyembro ng "Union" at sa parehong oras ay isang miyembro ng Association of Travelling Exhibitions - S.Yu. Zhukovsky (1873-1944): ang kalaliman ng kalangitan na nagbabago ng kulay, ang mabagal na paggalaw ng tubig, ang kislap ng niyebe sa ilalim ng buwan (Moonlit Night, 1899, Tretyakov Gallery; Dam, 1909, State Russian Museum). Kadalasan mayroon din siyang motibo ng isang inabandunang ari-arian.

Sa larawan ng pintor ng paaralan ng St. Petersburg, isang tapat na miyembro ng "Union of Russian Artists" A.A. Rylova (1870–1939), Green Noise (1904), ang master ay nagawang ihatid, kumbaga, ang mismong hininga ng sariwang hangin, kung saan ang mga puno ay umuugoy at naglalayag. Ang ilang kagalakan at nakakagambalang mga pag-iisip ay nararamdaman sa kanya. Naapektuhan din dito ang mga romantikong tradisyon ng kanyang gurong si Kuindzhi.

Sa kabuuan, ang mga "Alyado" ay nahilig hindi lamang sa plein-air studies, kundi pati na rin sa mga monumental na porma ng pagpipinta. Sa pamamagitan ng 1910, ang oras ng split at sekundaryong edukasyon ng "World of Art", sa mga eksibisyon ng "Union" makikita ang isang matalik na tanawin (Vinogradov, Petrovichev, Yuon, atbp.), Pagpipinta malapit sa French divisionism ( Grabar, maagang Larionov) o malapit na simbolismo (P. Kuznetsov, Sapunov, Sudeikin); dinaluhan sila ng mga artista ng "World of Art" ni Diaghilev - Benoit, Somov, Bakst, Lansere, Dobuzhinsky.

Ang "Union of Russian Artists", na may matatag na makatotohanang pundasyon, na may mahalagang papel sa sining ng sining ng Russia, ay may tiyak na epekto sa pagbuo ng paaralan ng pagpipinta ng Sobyet, na umiral hanggang 1923.

Ang mga taon sa pagitan ng dalawang rebolusyon ay nailalarawan sa tindi ng mga malikhaing hangarin, kung minsan ay direktang eksklusibo sa isa't isa. Noong 1907, sa Moscow, inayos ng magazine na "Golden Fleece" ang tanging eksibisyon ng mga artista-tagasunod ng Borisov-Musatov, na tinatawag na "Blue Rose". Si P. Kuznetsov ay naging nangungunang artist ng Blue Rose. Sa panahon ng kanyang pag-aaral M. Saryan, N. Sapunov, S. Sudeikin, K. Petrov-Vodkin, A. Fonvizin, sculptor A. Matveev ay pinagsama-sama sa kanya. Pinakamalapit sa lahat, ang "Blue Rozovites" ay sa simbolismo, na unang ipinahayag sa kanilang "wika": ang kawalang-tatag ng mood, ang malabo, hindi maisasalin na musika ng mga asosasyon, ang pagpipino ng mga ratio ng kulay. Sa sining ng Russia, ang simbolismo ay malamang na nabuo sa panitikan, sa mga unang taon ng bagong siglo tulad ng mga pangalan tulad ng A. Blok, A. Bely, V. Ivanov, S. Soloviev ay narinig na. Ang ilang mga elemento ng "larawang simbolismo" ay ipinakita din sa gawain ni Vrubel, tulad ng nabanggit na, Borisov-Musatov, Roerich, Churlionis. Sa pagpipinta ni Kuznetsov at ng kanyang mga kasama, maraming mga punto ng pakikipag-ugnay sa mga tula ng Balmont, Bryusov, Bely, tanging sila ay sumali sa simbolismo sa pamamagitan ng mga opera ni Wagner, ang mga drama ng Ibsen, Hauptmann at Maeterlinck. Ang eksibisyon ng Blue Rose ay nagpakita ng isang uri ng synthesis: Ang mga simbolistang makata ay gumanap dito, at ang kontemporaryong musika ay ginanap. Ang aesthetic platform ng mga exhibitors ay gumawa ng epekto sa mga susunod na taon, at ang pangalan ng eksibisyon na ito ay naging isang pangalan ng sambahayan para sa isang buong trend sa sining sa ikalawang kalahati ng 900s. Ang buong aktibidad ng "Blue Rose" ay nagdadala din ng pinakamalakas na imprint ng impluwensya ng estilo ng Art Nouveau (plane-decorative stylization ng mga form, whimsicality ng linear rhythms).

Ang mga gawa ni Pavel Varfolomeevich Kuznetsov (1878–1968) ay sumasalamin sa mga pangunahing prinsipyo ng "Blue Rozovites". Sa kanyang trabaho, ang neo-romantic na konsepto ng "magandang kalinawan" (ang pagpapahayag ng makata na si M. Kuzmin) ay nakapaloob. Si Kuznetsov ay lumikha ng isang pandekorasyon na panel-larawan kung saan sinubukan niyang i-abstract mula sa pang-araw-araw na konkreto, upang ipakita ang pagkakaisa ng tao at kalikasan, ang katatagan ng walang hanggang cycle ng buhay at kalikasan, ang kapanganakan sa pagkakasundo na ito ng kaluluwa ng tao. Samakatuwid ang pagnanais para sa mga monumental na anyo ng pagpipinta, mapangarapin-nagmumuni-muni, nalinis mula sa lahat ng madalian, unibersal, walang tiyak na oras na mga tala, isang patuloy na pagnanais na ihatid ang espirituwalidad ng bagay. Ang pigura ay isang tanda lamang na nagpapahayag ng isang konsepto; nagsisilbi ang kulay upang ihatid ang mga damdamin; ritmo - upang ipakilala ang mga sensasyon sa isang tiyak na mundo (tulad ng sa pagpipinta ng icon - isang simbolo ng pag-ibig, lambing, kalungkutan, atbp.). Samakatuwid ang pagtanggap ng isang pare-parehong pamamahagi ng liwanag sa buong ibabaw ng canvas bilang isa sa mga pundasyon ng pagiging palamuti ni Kuznetsov. Sinabi ni Serov na ang kalikasan sa P. Kuznetsov ay "huminga". Ito ay perpektong ipinahayag sa kanyang mga Kyrgyz (Steppe) at Bukhara suite, sa mga landscape ng Central Asia. ("Sleeping in a koshare" noong 1911, gaya ng isinulat ni A. Rusakova, isang mananaliksik ng trabaho ni Kuznetsov, ay isang imahe ng isang panaginip na mundo ng steppe, kapayapaan, pagkakaisa. Ang inilalarawang babae ay hindi isang partikular na tao, ngunit isang Kyrgyz na babae sa pangkalahatan, isang tanda ng lahi ng Mongolia.) Ang mataas na kalangitan, walang hangganang disyerto, banayad na burol, mga tolda, mga kawan ng tupa ay lumikha ng imahe ng isang patriarchal idyll. Ang walang hanggan, hindi matamo na pangarap ng pagkakaisa, ng pagsasama ng tao sa kalikasan, na sa lahat ng oras ay nag-aalala sa mga artista (Mirage in the Steppe, 1912, State Tretyakov Gallery). Pinag-aralan ni Kuznetsov ang mga pamamaraan ng pagpipinta ng icon ng Lumang Ruso, ang unang bahagi ng Renaissance ng Italya. Ang pag-apila na ito sa mga klasikal na tradisyon ng sining sa mundo sa paghahanap ng sarili nitong engrandeng istilo, ayon sa wastong nabanggit ng mga mananaliksik, ay napakahalaga sa panahon kung kailan ang anumang mga tradisyon ay madalas na itinatanggi nang buo.

Ang exoticism ng Silangan - Iran, Egypt, Turkey - ay nakapaloob sa mga tanawin ng Martiros Sergeevich Saryan (1880-1972). Ang Silangan ay isang natural na tema para sa isang Armenian artist. Lumilikha si Saryan sa kanyang pagpipinta ng isang mundo na puno ng maliwanag na dekorasyon, mas madamdamin, mas makalupang kaysa sa Kuznetsov, at ang nakalarawan na solusyon ay palaging binuo sa magkakaibang mga ratio ng kulay, nang walang mga nuances, sa isang matalim na paghahambing ng anino (Date Palm, Egypt, 1911, mga mapa. , tempera, Tretyakov Gallery). Tandaan na ang mga oriental na gawa ni Sarian na may mga kulay na kaibahan ay mas nauna kaysa sa mga gawa ni Matisse, na nilikha niya pagkatapos ng paglalakbay sa Algeria at Morocco.

Ang mga imahe ng Saryan ay napakalaki dahil sa pangkalahatan ng mga anyo, malalaking makulay na eroplano, ang pangkalahatang lapidarity ng wika - ito ay, bilang isang panuntunan, isang pangkalahatang imahe ng Egypt, Persia, katutubong Armenia, habang pinapanatili ang mahalagang naturalness, na parang nakasulat. mula sa buhay. Ang mga pandekorasyon na canvases ni Saryan ay palaging masaya, tumutugma sila sa kanyang ideya ng pagkamalikhain: "... ang isang gawa ng sining ay ang mismong resulta ng kaligayahan, iyon ay, malikhaing paggawa. Dahil dito, dapat nitong pag-alab ang apoy ng malikhaing pagkasunog sa manonood, tumulong na ipakita ang likas na pagnanais nito para sa kaligayahan at kalayaan.

Kuznetsov at Saryan sa iba't ibang paraan ay lumikha ng isang mala-tula na imahe ng isang makulay na mayaman na mundo, isa - batay sa mga tradisyon ng sinaunang sining ng mga icon ng Russia, ang isa pa - ang sinaunang Armenian miniature. Sa panahon ng "Blue Rose", pinag-isa rin sila ng interes sa mga oriental na motibo at simbolikong tendensya. Ang impresyonistikong pang-unawa sa katotohanan ay hindi katangian ng mga artista ng Blue Rose.

Ang "Goluborozovtsy" ay nagtrabaho ng maraming at mabunga sa teatro, kung saan sila ay nakipag-ugnayan sa drama ng simbolismo. N.N. Sapunov (1880-1912) at S.Yu. Si Sudeikin (1882-1946) ay nagdisenyo ng mga drama ni M. Maeterlinck, isang Sapunov - G. Ibsen at "Balaganchik" ni Blok. Inilipat din ni Sapunov ang theatrical fiction na ito, ang sikat na sikat na istilo ng mga sikat na print sa kanyang easel works, acutely decorative still lifes with paper flowers in exquisite porcelain vase (Peonies, 1908, tempera, State Tretyakov Gallery), sa mga kakaibang genre na eksena kung saan ang realidad. hinahalo sa phantasmagoria ("Masquerade", 1907, Tretyakov Gallery).

Noong 1910, isang bilang ng mga batang artista - P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova at iba pa - ay nagkaisa sa organisasyong "Jack of Diamonds", na nagkaroon ng sarili nitong charter, na nag-ayos ng mga eksibisyon at naglathala ng sarili nitong mga koleksyon ng mga artikulo. Ang "Jack of Diamonds" ay aktwal na umiral hanggang 1917. Tulad ng post-impressionism, una sa lahat, si Cezanne, ay isang "reaksyon sa impresyonismo", kaya't ang "Jack of Diamonds" ay sumalungat sa kalabuan, hindi maisasalin, banayad na mga nuances ng simbolikong wika ng " Blue Rose" at ang aesthetic stylism ng "World of Art" ... Ang "Diamonds of Diamonds", na dinala ng materyalidad, ang "materyalidad" ng mundo, ay nagpahayag ng isang malinaw na pagtatayo ng larawan, binibigyang diin ang kawalang-kinikilingan ng anyo, intensity, buong tunog ng kulay. Hindi sinasadya na ang buhay pa rin ay nagiging paboritong genre ng "Valetovites", dahil ang tanawin ay ang paboritong genre ng mga miyembro ng "Union of Russian Artists". Ilya Ivanovich Mashkov (1881-1944) sa kanyang buhay pa (Blue Plums, 1910, Tretyakov Gallery; Still Life with Camellia, 1913, Tretyakov Gallery) ay ganap na nagpapahayag ng programa ng asosasyong ito, bilang Pyotr Petrovich Konchalovsky (1876-1956) - sa mga portrait (portrait ni G. Yakulov, 1910, State Russian Museum; "Matador Manuel Hart", 1910, State Tretyakov Gallery). Ang katalinuhan sa paghahatid ng pagbabago ng mga mood, ang sikolohiya ng mga katangian, ang pagmamaliit ng mga estado, ang dematerialization ng pagpipinta ng "Blue Rozovites", ang kanilang romantikong tula ay tinanggihan ng "Valetovites". Ang mga ito ay kaibahan sa halos kusang kasiyahan ng mga kulay, ang pagpapahayag ng contour drawing, ang masarap, malapad na paraan ng pagsulat, na naghahatid ng isang optimistikong pangitain ng mundo, isang halos booth, ang kapaligirang mood ay nilikha. Konchalovsky at Mashkov sa kanilang mga portrait ay nagbibigay ng isang maliwanag, ngunit isang panig na paglalarawan, hasa ang isang tampok halos sa punto ng katawa-tawa; sa buhay pa rin binibigyang-diin nila ang flatness ng canvas, ang ritmo ng mga color spot (Agave, 1916, Tretyakov Gallery, - Konchalovsky; larawan ng isang babae na may pheasant, 1911, State Russian Museum, - Mashkov). Pinapayagan ng "Diamonds of Diamonds" ang gayong mga pagpapasimple sa interpretasyon ng form, na katulad ng mga tanyag na kopya ng katutubong, mga laruan ng katutubong, mga tile, mga palatandaan. Ang pananabik para sa primitivism (mula sa Latin na primitivus - primitive, inisyal) ay nagpakita mismo sa iba't ibang mga artista na ginaya ang pinasimple na mga anyo ng sining ng tinatawag na primitive na mga panahon - primitive na mga tribo at nasyonalidad - sa paghahanap ng pagkakaroon ng madalian at integridad ng artistikong pang-unawa. Iginuhit din ng Jack of Diamonds ang mga pananaw nito mula sa Cézanne (kaya't minsan ay tinatawag na "Russian Cézanne"), o sa halip, mula sa pandekorasyon na bersyon ng Cézanneism - Fauvism, kahit na higit pa mula sa Cubism, kahit na mula sa Futurism; mula sa Cubism "shift" ng mga form, mula sa Futurism - dynamics, iba't ibang mga pagbabago ng form, tulad ng sa pagpipinta na "Ringing. Ivan the Great Bell Tower "(1915, State Tretyakov Gallery) ni A.V. Lentulov (1884-1943). Lumikha si Lentulov ng isang napaka-nagpapahayag na imahe batay sa motif ng lumang arkitektura, ang pagkakaisa nito ay nabalisa ng nerbiyos, talamak na pang-unawa ng modernong tao, na kinokondisyon ng mga pang-industriyang ritmo.

Mga larawan ng P.P. Si Falk (1886-1958), na nanatiling tapat sa Cubism sa pag-unawa at pagbibigay-kahulugan sa anyo (hindi nang walang dahilan na pinag-uusapan nila ang "lyrical cubism" ni Falk), ay binuo sa banayad na kulay-plastik na harmonies na naghahatid ng isang tiyak na estado ng modelo.

Sa still lifes and landscapes ng AV Kuprin (1880-1960), kung minsan ay lumilitaw ang isang epikong tala, may tendensya sa generalization ("Buhay pa rin na may kalabasa, isang plorera at mga brush", 1917, Tretyakov Gallery, ang mga mananaliksik ay wastong tinawag isang "tula na nagpupuri sa mga kasangkapan ng pintor") ... Ang pandekorasyon na elemento ng Kuprin ay pinagsama sa analytical na pananaw sa kalikasan.

Ang matinding pagpapasimple ng form, ang direktang koneksyon sa sining ng signage ay lalong kapansin-pansin sa M.F. Larionov (1881-1964), isa sa mga tagapagtatag ng "Jack of Diamonds", ngunit noong 1911 ay nakipaghiwalay sa kanya at nag-organisa ng mga bagong eksibisyon: "Donkey's Tail" at "Target". Si Larionov ay nagpinta ng mga landscape, portrait, still lifes, gumagana bilang isang theatrical artist ng Diaghilev's entreprise, pagkatapos ay lumiko sa isang genre painting, ang kanyang tema ay naging buhay ng isang probinsyal na kalye, mga kuwartel ng mga sundalo. Ang mga anyo ay patag, kataka-taka, na parang sadyang inilarawan bilang drawing, splint o signboard ng isang bata. Noong 1913 inilathala ni Larionov ang kanyang aklat na "Luchism" - sa katunayan, ang una sa mga manifesto ng abstract art, ang mga tunay na tagalikha kung saan sa Russia ay sina V. Kandinsky at K. Malevich.

Artista N.S. Si Goncharova (1881-1962), ang asawa ni Larionov, ay bumuo ng parehong mga tendensya sa kanyang mga pagpipinta sa genre, pangunahin sa tema ng magsasaka. Sa mga taon na isinasaalang-alang, sa kanyang trabaho, na mas pandekorasyon at makulay kaysa sa sining ni Larionov, napakalaki sa kanyang panloob na lakas at laconicism, ang isang pagkahilig para sa primitivism ay acutely nadama. Sa paglalarawan sa gawain nina Goncharova at Larionov, ang terminong "neo-primitivism" ay kadalasang ginagamit. Sa mga taong ito, ang A. Shevchenko, V. Chekrygin, K. Malevich, V. Tatlin, M. Chagall ay malapit sa kanila sa mga tuntunin ng kanilang artistikong pananaw sa mundo, ang paghahanap para sa isang nagpapahayag na wika. Ang bawat isa sa mga artist na ito (ang tanging pagbubukod ay si Chekrygin, na namatay nang maaga) sa lalong madaling panahon ay natagpuan ang kanyang sariling malikhaing landas.

M.Z. Si Chagall (1887–1985) ay lumikha ng mga pantasya, nagbago mula sa nakakainip na mga impresyon ng buhay ng maliit na bayan ng Vitebsk at binibigyang-kahulugan sa isang walang muwang-tula at kataka-takang simbolikong diwa. Sa surreal na espasyo, maliwanag na kulay, sinadyang primitivization ng anyo, naging malapit si Chagall sa Western expressionism at folk primitive art ("I and the Village", 1911, Museum of Contemporary Art, New York; "Over Vitebsk", 1914 , koleksyon ng Zak. Toronto; "The Wedding", 1918, Tretyakov Gallery).

Marami sa mga nabanggit na master na malapit sa Jack of Diamonds ay bahagi ng St. Petersburg Youth Union, na nabuo halos kasabay ng Jack of Diamonds (1909). Bilang karagdagan kay Chagall, ipinakita sa Union ang P. Filonov, K. Malevich, V. Tatlin, Yu. Annenkov, N. Altman, D. Burliuk, A. Exter at iba pa. L. Zheverzheev ang pangunahing papel dito. Tulad ng "Valetovites", ang mga miyembro ng "Union of Youth" ay naglathala ng mga teoretikal na koleksyon. Hanggang sa pagbagsak ng asosasyon noong 1917. Ang "Union of Youth" ay walang partikular na programa, na nagpahayag ng simbolismo, at cubism, at futurism, at "non-objectiveness", ngunit ang bawat isa sa mga artista ay may sariling malikhaing mukha.

Ang pinakamahirap na katangian ng P.N. Filonov (1883-1941). Tamang tinukoy ni D. Sarabyanov ang gawain ni Filonov bilang "malungkot at kakaiba". Sa ganitong diwa, tama niyang inilalagay ang artist sa isang par sa A. Ivanov, N. Ge, V. Surikov, M. Vrubel. Gayunpaman, ang figure ng Filonov, ang kanyang hitsura sa Russian artistikong kultura sa 10s ng XX siglo. natural. Si Filonov ay pinakamalapit sa futurism sa pamamagitan ng kanyang oryentasyon patungo sa "isang uri ng self-developing movement of forms" (D. Sarabyanov), ngunit malayo dito sa mga tuntunin ng mga problema ng kanyang trabaho. Sa halip, ito ay mas malapit hindi sa kaakit-akit, ngunit sa patula na futurism ng Khlebnikov sa kanyang paghahanap para sa orihinal na kahulugan ng salita. "Kadalasan, na nagsisimulang magpinta ng isang larawan mula sa isang gilid, na inilipat ang kanyang malikhaing singil sa mga form, binibigyan sila ni Filonov ng buhay, at pagkatapos, na parang hindi sa kalooban ng artist, ngunit sa pamamagitan ng kanilang sariling paggalaw, sila ay bubuo, nagbabago, mag-renew, lumago. Ang pag-unlad ng sarili ng mga form sa Filonov ay talagang kamangha-manghang ”(D. Sarabyanov).

Ang sining ng mga pre-rebolusyonaryong taon sa Russia ay minarkahan ng hindi pangkaraniwang kumplikado at pagkakasalungatan ng mga masining na paghahanap, kaya ang sunud-sunod na mga pagpapangkat na may sariling mga setting ng programa at mga stylistic na simpatiya. Ngunit kasama ang mga eksperimento sa larangan ng abstract form sa Russian art sa oras na ito, parehong "Miriskusniki" at "Goluborozovtsy", "mga kaalyado", "Diamonds of Diamonds" ay patuloy na gumana sa parehong oras, mayroon ding isang malakas na stream ng neoclassicist movement, isang halimbawa nito ay ang gawain ng isang aktibong miyembro ng "World art" sa kanyang pangalawang henerasyon na "Z.E. Serebryakova (1884-1967). Sa kanyang poetic genre canvases sa kanilang laconic drawing, palpable-sensual plastic molding, ang poise ng komposisyon, Serebryakov proceeds mula sa mataas na pambansang tradisyon ng Russian art, una sa lahat Venetsianov at kahit na higit pa - Old Russian art (Peasants, 1914, RM ; Harvest, 1915 , Odessa Art Museum; "Whitening of the Canvas", 1917, State Tretyakov Gallery).

Sa wakas, ang gawa ni Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin (1878–1939), isang artist-thinker na kalaunan ay naging isang kilalang master ng sining sa panahon ng Sobyet, ay isang napakatalino na katibayan ng sigla ng mga pambansang tradisyon at mahusay na Old Russian painting. Sa sikat na pagpipinta na "Bathing the Red Horse" (1912, PT), ang artist ay gumamit ng isang pictorial metapora. Tulad ng wastong nabanggit, ang isang binata sa isang maliwanag na pulang kabayo ay nagbubunga ng mga kaugnayan sa sikat na imahe ni George the Victorious ("Saint Egoriy"), at isang pangkalahatang silweta, maindayog, compact na komposisyon, saturation ng magkakaibang mga spot ng kulay na tumutunog nang buong lakas , flatness sa interpretasyon ng mga form ay humantong sa memorya ng sinaunang Russian icon. Ang isang maayos na napaliwanagan na imahe ay nilikha ni Petrov-Vodkin sa monumental na pagpipinta na "Girls on the Volga" (1915, Tretyakov Gallery), kung saan maaari ding madama ng isa ang kanyang oryentasyon patungo sa mga tradisyon ng sining ng Russia, na humahantong sa mga masters sa isang tunay na nasyonalidad.

RUSSIAN ART OF THE ENDXIX--SIMULAXXSIGLO

Huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo kumakatawan sa isang punto ng pagbabago sa lahat ng larangan ng panlipunan at espirituwal na buhay. Ang Russia ay patungo sa rebolusyon. "Kami ay dumadaan sa magulong panahon," isinulat ni V. I. Lenin noong 1902, "kapag ang kasaysayan ng Russia ay lumukso nang may mga lukso-lukso, bawat taon kung minsan ay nangangahulugan ng higit sa mga dekada ng mapayapang panahon." Ang susi sa pag-unawa sa ugnayan sa pagitan ng sining at ng makasaysayang realidad ng panahong iyon ay maaaring ang posisyong binalangkas ni V. I. Lenin sa sikat na serye ng mga artikulo tungkol kay L. N. Tolstoy: dapat sana ay makikita sa kanyang mga gawa. "" Ipinahihiwatig nito ang interpretasyon ni Lenin sa mga kontradiksyon ni Tolstoy. : mga klase at iba't ibang strata ng lipunang Ruso sa post-reporma, ngunit pre-rebolusyonaryong panahon "". Ang Leninistang proposisyong ito ay naglalaman ng isang pangkalahatang metodolohikal na prinsipyo ng makasaysayang pagpapaliwanag ng sining, na ginagawang posible na palawakin ang sinabi tungkol kay Tolstoy sa larangan ng artistikong paglikha sa kabuuan.

Gayunpaman, ang posisyong ito ay hindi dapat unawain nang labis na pinasimple at isipin na sa anumang hiwalay na kinuhang likhang sining ay direktang nabubunyag ang mga senyales ng krisis ng sistemang burges o ang impluwensya ng proletaryong ideolohiya. Nangangahulugan lamang ito na ang sining sa kabuuan, sa mga batayang tendensya ng masining na proseso, ay nagiging isang pagpapahayag ng mga kontradiksyon ng huling burges na pag-unlad, na puno ng rebolusyonaryong pagsabog at paglalagay sa proletaryado bilang nangunguna sa rebolusyonaryong pwersa. Ang antas ng lalim at katalinuhan ng mga kontradiksyong ito ay ganoon na ang sining, at higit pa sa pinong sining, na nakikitungo sa mundo na naa-access sa panlabas na paningin, ay unti-unting nababalot ng kamalayan ng imposibilidad ng pagpapakita ng isang bagong kahulugan ng buhay gamit ang pamamaraan. ng lumang realismo - ang paraan ng direktang paglalarawan ng realidad sa mga anyo ng realidad mismo. Ang pangunahing katangian ng mga masining na larawan at anyo na hindi direktang nagpapahayag ng nilalaman ng modernidad sa mga anyo ng direktang pagpapakita nito ay ang pangunahing natatanging tampok ng sining noong huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo.

KULTURA SA BORDER OF THE AGE

Sa kronolohikal, ang panahong ito ay matatagpuan sa pagitan ng simula ng 90s at 1917. Ito ay nauna sa 1980s bilang isang transisyonal na dekada, kung kailan ang pagiging totoo ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo ay umabot sa taas nito. sa mga gawa nina Repin at Surikov, at sa parehong oras, ang mga usbong ng isang bagong sining ng pag-unawa ay ipinahayag sa mga unang gawa ng mga artista na umabot sa kanilang creative heyday sa susunod na panahon.

Sa konteksto ng polarisasyon ng mga pwersang panlipunan sa lumalagong mga labanan ng uri, ang mga tanong tungkol sa lugar at papel ng sining ay itinaas at muling binago. Ang kahilingan para sa demokratisasyon ng sining na iniharap ng buhay mismo, na lubos na naramdaman ng mga artista mismo, ay nahaharap sa pagkahilig para sa sopistikadong pagpipino ng artistikong anyo na nagpapakilala sa gawain ng mga pinakadakilang master noong panahong iyon - Vrubel, Levitan, Serov , Borisov-Musatov at lalo na ang mga kinatawan ng bilog ng World of Art - ang unang malaking pangkat ng sining pagkatapos ng mga Itinerant.

Matapos ang rebolusyonaryong sitwasyon noong dekada 60 at 70, isang marahas na reaksyong pampulitika ang naganap sa Russia. Ang dekada 80 ay ang panahon ng krisis ng rebolusyonaryong populismo at ang ideolohikal na plataporma kung saan nakabatay ang estetika ng mga Itinerant. Ang dekada na ito ay kasabay ng parehong pinakamataas na pamumulaklak ng itinerant realism sa mga gawa nina Repin at Surikov, at ang simula ng krisis nito. Nagsisimula na itong tingnan ng mga kontemporaryo bilang isang kababalaghan na nakaligtas sa kanyang kapanahunan.

Noong 1894, ang pinakamalaking kinatawan ng Partnership - Repin, Makovsky, Shishkin, Kuindzhi - ay naging mga miyembro ng akademikong propesor.

Ang mga panlipunang-kritikal na kalunos-lunos ng nakaraang sining ay hindi nawawala, ngunit malaki ang pagbabago. Nangangailangan ito ng anyo ng pagpapatibay ng mga mithiin ng pagkakaisa at kagandahan sa buong kamalayan ng kanilang ilusyon na kalikasan, ang poot ng mga walang hanggang ideal na ito ng kultura sa modernong kaayusan ng mundo, na siyang pinagmumulan ng mga pesimistikong damdamin na bumubuo ng isa sa mga mahalagang katangian ng intelektwal na klima sa pagtatapos ng siglo. Ang kamalayan na ang kagandahan ay hindi nilikha mula sa mga materyales ng mundong ito, ngunit lumitaw lamang dahil sa sariling mga mapagkukunan ng talento at mala-tula na imahinasyon ng artista, na ipinakita mismo sa grabitasyon patungo sa mga engkanto, alegoriko o mitolohikal na mga paksa at sa mismong istraktura ng masining na anyo, na nagsalin ng mga larawan ng panlabas na realidad sa larangan ng mga representasyon ng alamat, alaala ng nakaraan o malabong premonisyon ng hinaharap.

Ang analytical na pamamaraan ng realismo noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo. nagiging laos na. Ang pagsalungat ng sining sa prosa ng mga relasyong burges ay nakakakuha ng hindi gaanong moral, etikal at panlipunang kulay, bilang isang mahigpit na aesthetic: ang pangunahing kasamaan na dinadala ng burges na mundo ay ang kawalang-interes sa kagandahan, isang pagkasayang ng pakiramdam ng kagandahan . Ang humanistic na misyon ng artist ay nakikita na ngayon sa pagpapaunlad ng damdaming ito sa lahat ng paraan na magagamit sa sining. "Upang gumising ... mula sa maliliit na bagay ng pang-araw-araw na buhay na may mga maringal na imahe ..." - ito ay kung paano binuo ni M. Vrubel ang gawaing ito. proseismo sa pang-araw-araw na globo na ito - ang globo ng pang-araw-araw na buhay.

Ang gawain ng pagdadala ng sining na mas malapit sa buhay ay naunawaan ng mga artista ng kalagitnaan ng siglo at ang mga Wanderers bilang ang gawain ng pagpapakita ng buhay sa sining, habang ang sining mismo ay nanatiling nabakuran mula sa katotohanan ng mga dingding ng museo. Mga artista noong huling bahagi ng ika-19 na siglo tanggapin ang pormula para sa pagdadala ng sining na mas malapit sa buhay sa direktang kahulugan nito - bilang ang gawain ng pagdadala ng sining sa buhay, pagbabago ng kagandahan ng nakapaligid na mundo.

Ang isang pagpipinta, isang sculptural na gawa ay dapat umalis sa museo, maging isang mahalagang bahagi ng pang-araw-araw na buhay, kasama ang mga pang-araw-araw na bagay at arkitektura na bumubuo sa kapaligiran ng isang tao. Ngunit para dito, ang isang gawa ng sining sa mismong tela nito, sa mga pagsasaayos ng mga anyo at kulay, ay dapat na naaayon sa kapaligiran, bumubuo ng isang solong grupo dito. Ang pagkakaisa na ito ay tinitiyak ng istilo na nagbibigay ng batas ng paghubog, na tumatagos sa buong larangan ng spatial arts, ang istilo patungo sa paglikha kung saan ang mga pagsisikap ng mga artista noong huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo ay itinuro. Sa Russia, natanggap niya ang pangalan ng estilo ng Art Nouveau.

Ang rebolusyon ng 1905-1907 ay gumawa ng malalim na pagbabago sa masining na kamalayan ng panahong isinasaalang-alang, na, sa mga salita ni V. I. Lenin, "ay isang pambansang rebolusyon" 2. Siyempre, ang mga pagbabagong ito sa artistikong kamalayan ay hindi agad na nagpakita ng kanilang sarili, at ang kanilang direksyon ay natutukoy ng buong kurso ng nakaraang pag-unlad ng sining ng Russia. Ang pagbabagong punto ng panahon na isinasaalang-alang ay ipinahayag sa sining sa panloob na pag-unlad ng kontrahan, sa mga relasyon ng tahasan o nakatagong polemics sa pagitan ng mga indibidwal na artistikong grupo, na pinapalitan ang isa't isa sa kaleidoscopic diversity, sa unti-unting pagtaas ng bilis ng artistikong ebolusyon, lalo na pagkatapos ng 1910 aktibong buhay eksibisyon, pati na rin ang pagtaas sa bilang ng mga peryodiko at iba pang uri ng mga publikasyon, na espesyal na nakatuon sa mga isyu ng pinong sining, lalo na ang kontemporaryo - Russian, at Western European.

Ang isang malaking papel sa prosesong ito ay kabilang sa pangkat ng mga artista na "World of Art", na nag-organisa ng kanilang sariling mga eksibisyon at retrospective na palabas ng sining ng Russia noong ika-18 siglo, na inilathala sa loob ng anim na taon ng isang magazine na may parehong pangalan, na napakapopular pareho. sa mga artista at sa malawak na grupo ng mga kabataan, ang mga intelihente ... Sa pamamagitan ng pag-akit sa mga Western European masters na lumahok sa mga eksibisyon nito, ang World of Art ay nag-ambag sa pagpapalawak ng mga contact sa pagitan ng sining ng Russia at ng kontemporaryong dayuhang sining. Nagiging karaniwan na para sa mga batang Russian artist na mag-aral sa mga pribadong paaralan at studio sa Europa. Ang mga aktibidad ng "World of Art", ang sentro kung saan ay St. Petersburg, ay pinasigla ang proseso ng pagsasama-sama ng mga puwersang masining sa Moscow, na humantong sa paglitaw noong 1903 ng isang bagong artistikong asosasyon - ang "Union of Russian Artists" . Sa pangkalahatan, ang pagpapasiya sa sarili ng paaralan ng pagpipinta ng Moscow na may kaugnayan sa direksyon ng "mundo ng sining" ng St. Petersburg kasama ang kulto ng mga graphic nito ay dapat tandaan bilang isang mahalagang kadahilanan sa pag-unlad ng sining sa panahon na sinusuri.

Ang isa pang mahalagang katangian ng panahong ito ay ang pagkakahanay ng dati nang hindi pantay na pag-unlad ng ilang uri ng sining: sa tabi ng pagpipinta, arkitektura, pandekorasyon at inilapat na sining, mga graphics ng libro, eskultura, at teatro na tanawin ay nagiging. Ang hegemonya ng easel painting, na nagpapakilala sa sining ng kalagitnaan ng siglo, ay nagiging isang bagay ng nakaraan. Sa isang oras na ang mga saklaw ng aplikasyon ng mga sining ay lumalawak nang husto, isang bagong uri ng unibersal na artista ang umuusbong na "marunong gawin ang lahat" - upang magpinta ng isang larawan at isang pandekorasyon na panel, upang gumawa ng isang vignette para sa isang libro at monumental. pagpipinta, upang magpalilok ng isang iskultura at bumuo ng isang teatro na kasuutan. Ang mga gawa ni M. Vrubel, ang mga artista ng Mundo ng Sining, ay minarkahan ng mga tampok ng naturang unibersalismo.

Ang kulto ng artistikong unibersalismo ay naghari sa bilog ng mga artista, na pinagsama sa paligid ng industriyalista at pilantropo na si S. I. Mamontov. Itinatag noong 1872 at pagkakaroon ng "paninirahan" nito malapit sa Moscow Abramtsevo, ang bilog ay naging isang uri ng pandayan ng mga ideya at anyo ng bagong sining ng Russia. Ang mga aktibidad ng bilog ay unti-unting nakakakuha ng oryentasyon tungo sa theatrical, decorative at applied arts, at ang muling pagbuhay ng katutubong sining. Ang mga handicraft ay nakolekta, ang mga motibo ng alamat ay pinag-aralan sa pinong sining - sa tanyag na pag-print, pagbuburda, mga laruan, mga ukit na gawa sa kahoy.

Ipadala ang iyong mabuting gawa sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, nagtapos na mga mag-aaral, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na magpapasalamat sa iyo.

Nai-post sa http://www.allbest.ru/

Pederal na Ahensya para sa Edukasyon

Institusyong pang-edukasyon ng estado

mas mataas na propesyonal na edukasyon

Kasaysayan ng sining

Pagsusulit at gawaing kurso

sining ng Russia noong huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo

Panimula

Pagpipinta

Konstantin Alekseevich Korovin

Valentin Alexandrovich Serov

Mikhail Alexandrovich Vrubel

"Mundo ng Sining"

"Union ng Russian Artists"

"Jack of Diamonds"

"Union ng Kabataan"

Arkitektura

Paglililok

Bibliograpiya

Panimula

Ang kultura ng Russia noong huling bahagi ng XIX - unang bahagi ng XX na siglo ay isang mahirap at magkasalungat na panahon sa pag-unlad ng lipunang Ruso. Ang kultura ng turn of the century ay laging naglalaman ng mga elemento ng transisyonal na panahon, kabilang ang mga tradisyon ng kultura ng nakaraan at ang mga makabagong tendensya ng isang bagong umuusbong na kultura. Mayroong paglipat ng mga tradisyon at hindi lamang isang paglipat, ngunit ang paglitaw ng mga bago, ang lahat ng ito ay nauugnay sa mabagyong proseso ng paghahanap ng mga bagong paraan ng pag-unlad ng kultura, ay naitama ng panlipunang pag-unlad ng isang naibigay na oras. Ang pagliko ng siglo sa Russia ay isang panahon ng paghinog ng mga malalaking pagbabago, isang pagbabago sa sistema ng estado, isang pagbabago mula sa klasikal na kultura ng ika-19 na siglo hanggang sa bagong kultura ng ika-20 siglo. Ang paghahanap para sa mga bagong paraan ng pagbuo ng kulturang Ruso ay nauugnay sa asimilasyon ng mga progresibong uso ng kulturang Kanluranin. Ang pagkakaiba-iba ng mga direksyon at paaralan ay isang tampok ng kulturang Ruso sa pagsisimula ng siglo. Ang mga uso sa Kanluran ay magkakaugnay at kinukumpleto ng mga modernong, na puno ng partikular na nilalamang Ruso. Ang isang kakaibang katangian ng kultura ng panahong ito ay ang oryentasyon nito patungo sa isang pilosopikal na pag-unawa sa buhay, ang pangangailangan na bumuo ng isang holistic na larawan ng mundo, kung saan ang sining, kasama ang agham, ay itinalaga ng isang malaking papel. Ang pokus ng kulturang Ruso sa pagtatapos ng ika-19 - simula ng ika-20 siglo ay naging isang tao na naging isang uri ng link sa pagkonekta sa iba't ibang motley ng mga paaralan at mga lugar ng agham at sining sa isang banda, at isang uri. ng panimulang punto para sa pagsusuri ng lahat ng pinaka-magkakaibang kultural na artifact sa kabilang banda. Samakatuwid ang makapangyarihang pilosopikal na pundasyon na namamalagi sa pundasyon ng kulturang Ruso sa pagliko ng siglo.

Habang itinatampok ang pinakamahalagang priyoridad sa pagpapaunlad ng kulturang Ruso sa huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo, hindi maaaring balewalain ng isa ang pinakamahalagang katangian nito. Ang katapusan ng XIX - simula ng XX siglo sa kasaysayan ng kulturang Ruso ay karaniwang tinatawag na Russian Renaissance o, kung ihahambing sa ginintuang edad ng Pushkin, ang pilak na edad ng kulturang Ruso.

Sa pagpasok ng siglo, lumitaw ang isang istilo na nakaapekto sa lahat ng plastik na sining, simula una sa lahat sa arkitektura (kung saan nanaig ang eclecticism sa mahabang panahon) at nagtatapos sa mga graphic, na tinawag na istilong Art Nouveau. Ang hindi pangkaraniwang bagay na ito ay hindi malabo, sa modernidad mayroon ding dekadenteng pagpapanggap, pagpapanggap, na idinisenyo pangunahin para sa mga burges na panlasa, ngunit mayroon ding pagsusumikap para sa pagkakaisa ng istilo, na makabuluhan sa sarili nito. Ang Art Nouveau ay isang bagong yugto sa synthesis ng arkitektura, pagpipinta, pandekorasyon na sining.

Sa visual arts, ipinakita ng Art Nouveau ang sarili: sa sculpture - ang pagkalikido ng mga anyo, ang espesyal na pagpapahayag ng silweta, ang dynamism ng mga komposisyon; sa pagpipinta - ang simbolismo ng mga imahe, isang predilection para sa mga alegorya. simbolismo modernong avant-garde pilak

Ang mga Simbolo ng Russia ay may mahalagang papel sa pagbuo ng aesthetics ng Silver Age. Ang simbolismo bilang isang kababalaghan sa panitikan at sining ay unang lumitaw sa France noong huling quarter ng ika-19 na siglo at sa pagtatapos ng siglo ay kumalat sa karamihan ng mga bansang Europeo. Ngunit pagkatapos ng France, nasa Russia na ang simbolismo ay natanto bilang ang pinaka-ambisyoso, makabuluhan at orihinal na kababalaghan sa kultura. Sa una, ang simbolismong Ruso ay karaniwang may parehong lugar sa simbolismong Kanluranin: "ang krisis ng isang positibong pananaw sa mundo at moralidad." Ang pangunahing prinsipyo ng Russian Symbolists ay ang aestheticization ng buhay at ang pagsusumikap para sa iba't ibang anyo ng pagpapalit ng aesthetics para sa lohika at moralidad. Ang simbolismo ng Russia ay nailalarawan, una sa lahat, sa pamamagitan ng isang demarcation mula sa mga tradisyon ng rebolusyonaryong demokratikong "sixties" at populismo, na may ideologization ateism, utilitarianism. ayon sa Russian Symbolists, tumutugma sila sa mga prinsipyo ng "dalisay", libreng sining.

Ang isa pang kapansin-pansing phenomenon ng Silver Age na nakakuha ng global na kahalagahan ay ang sining at aesthetics ng avant-garde. Sa espasyo ng mga nakalistang direksyon ng aesthetic consciousness, ang mga avant-garde artist ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang kapansin-pansing rebeldeng karakter. Napagtanto nila ang krisis ng klasikal na kultura, sining, relihiyon, sosyalidad, estado na may sigasig bilang natural na pagkamatay, pagkasira ng luma, lipas na, walang katuturan, at napagtanto nila ang kanilang sarili bilang mga rebolusyonaryo, mga maninira at mga libingan ng "lahat ng lumang bagay" at mga tagalikha ng lahat ay bago, sa pangkalahatan ay isang bagong umuusbong na lahi. Ang mga ideya ni Nietzsche tungkol sa superman, na binuo ni P. Uspensky, ay literal na naunawaan ng maraming avant-garde artist at sinubukan, lalo na ng mga futurist, para sa kanilang sarili.

Kaya't ang paghihimagsik at kabalbalan, ang pagsusumikap para sa lahat ng panimula na bago sa paraan ng masining na pagpapahayag, sa mga prinsipyo ng diskarte sa sining, ang pagkahilig na palawakin ang mga hangganan ng sining bago ito ilabas sa buhay, ngunit sa ganap na naiibang mga prinsipyo kaysa sa mga kinatawan. ng theurgic aesthetics. Buhay para sa mga avant-gardist ng dekada 10. XX siglo - ito ay, una sa lahat, isang rebolusyonaryong pag-aalsa, isang anarkistang pag-aalsa. Ang kahangalan, kaguluhan, anarkiya sa unang pagkakataon ay binibigyang kahulugan bilang mga kasingkahulugan ng modernidad at tiyak bilang malikhaing positibong mga prinsipyo batay sa isang kumpletong pagtanggi sa makatuwirang prinsipyo sa sining at ang kulto ng hindi makatwiran, madaling maunawaan, walang malay, walang kahulugan, abstruse, walang anyo, atbp. . Ang mga pangunahing direksyon ng Russian avant-garde ay: abstractionism (Wassily Kandinsky), Suprematism (Kazimir Malevich), constructivism (Vladimir Tatlin), Cubofuturism (Cubism, Futurism) (Vladimir Mayakovsky).

Pagpipinta

Para sa mga pintor ng turn of the century, ang iba't ibang paraan ng pagpapahayag ay katangian kaysa sa mga Itinerant, iba pang anyo ng artistikong pagkamalikhain - sa mga larawang magkasalungat, kumplikado at sumasalamin sa modernidad nang walang paglalarawan at pagsasalaysay. Ang mga artista ay masakit na naghahanap ng pagkakaisa at kagandahan sa isang mundo na sa panimula ay dayuhan sa parehong pagkakatugma at kagandahan. Kaya naman marami ang nakakita ng kanilang misyon sa pagpapaunlad ng pakiramdam ng kagandahan. Sa oras na ito ng "mga bisperas", ang mga inaasahan ng mga pagbabago sa buhay panlipunan ay nagbunga ng maraming uso, asosasyon, pagpapangkat, salungatan ng iba't ibang pananaw sa mundo at panlasa. Ngunit nagbigay din ito ng unibersalismo ng isang buong henerasyon ng mga artista na lumitaw pagkatapos ng "klasikal" na mga Wanderers.

Ang mga impresyonistikong aral ng plein air painting, ang komposisyon ng "random framing", isang malawak na libreng estilo ng pagpipinta - lahat ng ito ay resulta ng ebolusyon sa pagbuo ng pictorial na paraan sa lahat ng mga genre ng pagliko ng siglo. Sa paghahanap ng "kagandahan at pagkakaisa", sinubukan ng mga artista ang kanilang sarili sa iba't ibang mga diskarte at uri ng sining - mula sa monumental na pagpipinta at teatro na tanawin hanggang sa disenyo ng libro at pandekorasyon at inilapat na sining.

Noong dekada 90, nabuo ang pagpipinta ng genre, ngunit medyo naiiba ito kaysa sa kilusang "klasikal" noong 70-80s. Kaya, ang tema ng magsasaka ay inihayag sa isang bagong paraan. Ang schism sa rural community ay mariin na nag-aakusa na inilalarawan ni SA Korovin (1858-1908) sa pagpipinta na "On the World" (1893,).

Sa pagpasok ng siglo, ang isang medyo kakaibang landas ay nakabalangkas sa makasaysayang tema. Kaya, halimbawa, ang A.P. Ryabushkin (1861-1904) ay higit na gumagana sa makasaysayang at araw-araw kaysa sa puro makasaysayang genre. "Mga babaeng Ruso noong ika-17 siglo sa simbahan" (1899), "Train sa kasal sa Moscow. siglo XVII "(1901,) - ito ang mga pang-araw-araw na eksena mula sa buhay ng Moscow noong siglo XVII. Ang stylization ni Ryabushkin ay makikita sa flatness ng imahe, sa isang espesyal na istraktura ng plastic at linear na ritmo, sa scheme ng kulay na binuo sa maliliwanag na pangunahing mga kulay, sa pangkalahatang pandekorasyon na solusyon. Matapang na ipinakilala ni Ryabushkin ang mga lokal na kulay sa open-air landscape, halimbawa, sa "The Wedding Train ..." - ang pulang kulay ng karwahe, malalaking spot ng maligaya na damit laban sa background ng madilim na mga gusali at niyebe, na ibinigay, gayunpaman, sa pinakamagandang kulay na nuance. Ang tanawin ay palaging patula na naghahatid ng kagandahan ng kalikasan ng Russia.

Ang FA Malyavin (1869-1940) ay lumikha ng isang bagong uri ng pagpipinta, kung saan ang mga tradisyong artistikong alamat ay pinagkadalubhasaan sa isang ganap na espesyal na paraan at inilipat sa wika ng kontemporaryong sining. Ang kanyang mga larawan ng "kababaihan" at "mga babae" ay may tiyak na simbolikong kahulugan - ng malusog na lupa Russia. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay palaging nagpapahayag, at kahit na ang mga ito, bilang isang panuntunan, ay gumagana sa easel, nakakatanggap sila ng isang monumental at pandekorasyon na interpretasyon sa ilalim ng brush ng artist. "Tawanan" (1899, Museum of Modern Art, Venice), Ang "Whirlwind" (1906,) ay isang makatotohanang imahe ng mga batang babae na magsasaka, na nakakahawa nang malakas na tumatawa o nagmamadaling hindi mapigilan sa isang bilog na sayaw, ngunit ang pagiging totoo na ito ay iba kaysa sa ikalawang kalahati ng siglo. Ang pagpipinta ay nakamamanghang, sketchy, na may isang texture na brushstroke , ang mga form ay pangkalahatan, walang spatial depth, ang mga figure ay karaniwang matatagpuan sa foreground at punan ang buong canvas.

Tinutugunan ng M.V. Nesterov (1862-1942) ang tema ng Ancient Rus, ngunit ang imahe ng Rus ay lumilitaw sa mga pagpipinta ng artist bilang isang uri ng perpekto, halos enchanted na mundo, na naaayon sa kalikasan, ngunit nawala magpakailanman tulad ng maalamat na lungsod ng Kitezh. Ang matinding sensasyon ng kalikasan na ito, kasiyahan sa harap ng mundo, sa harap ng bawat puno at talim ng damo ay lalo na binibigkas sa isa sa mga pinakatanyag na gawa ng Nesterov ng pre-revolutionary period - "Vision to the youth Bartholomew" (1889). -1890,). Sa pagsisiwalat ng balangkas ng larawan, mayroong parehong mga tampok na pangkakanyahan tulad ng sa Ryabushkin, ngunit ang isang malalim na liriko na pakiramdam ng kagandahan ng kalikasan ay palaging ipinahayag, kung saan ang mataas na espirituwalidad ng mga bayani, ang kanilang kaliwanagan, ang kanilang pagkalayo mula sa makamundong. vanity ay ipinadala.

M.V. Si Nesterov ay gumawa ng maraming relihiyosong monumental na pagpipinta. Ang mga mural ay palaging nakatuon sa tema ng Lumang Ruso (halimbawa, sa Georgia - kay Alexander Nevsky). Sa mga kuwadro na gawa sa dingding ni Nesterov, maraming naobserbahang totoong mga palatandaan, lalo na sa tanawin, mga tampok na larawan - sa paglalarawan ng mga santo. Sa pagsusumikap ng artist para sa isang eroplanong interpretasyon ng komposisyon ng kagandahan, dekorasyon, pinong pagiging sopistikado ng mga plastik na ritmo, ang walang alinlangan na impluwensya ng modernidad ay nagpakita mismo.

Ang landscape genre mismo ay bubuo sa isang bagong paraan sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. Sa katunayan, natapos ni Levitan ang paghahanap para sa mga Itinerant sa landscape. Isang bagong salita sa pagpasok ng siglo ang sasabihin ni K.A. Korovin, V.A. Serov at M.A. Vrubel.

Konstantin Alekseevich Korovin

Para sa makikinang na colorist na si Korovin, ang mundo ay lumilitaw na isang "riot of colors." Mapagbigay na likas na matalino, si Korovin ay nakikibahagi sa parehong portrait at still life, ngunit hindi isang pagkakamali na sabihin na ang landscape ay nanatiling kanyang paboritong genre. Dinala niya sa sining ang malakas na makatotohanang tradisyon ng kanyang mga guro mula sa Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture - Savrasov at Polenov, ngunit mayroon siyang ibang pananaw sa mundo, nagtatakda siya ng iba't ibang mga gawain. Nagsimula siyang magpinta sa bukas na hangin nang maaga, nasa larawan na ng batang babae ng koro noong 1883 makikita ng isa ang kanyang independiyenteng pag-unlad ng mga prinsipyo ng plein airism, na pagkatapos ay nakapaloob sa isang bilang ng mga larawang ginawa sa ari-arian ng S. Mamontov sa Abramtsevo ("Sa isang bangka"; larawan ng TS Lyubatovich, at iba pa), sa hilagang mga landscape, na ginanap sa ekspedisyon ni S. Mamontov sa hilaga ("Winter sa Lapland",). Ang kanyang mga French landscape, pinagsama sa pangalang "Paris Lights", ay medyo impresyonistikong pagsulat, na may pinakamataas na kultura ng etude. Matalas at instant na mga impression mula sa buhay ng isang malaking lungsod: tahimik na mga kalye sa iba't ibang oras ng araw, mga bagay na natunaw sa isang maaliwalas na kapaligiran, hinulma ng isang dinamiko, "nanginginig", vibrating na brushstroke, isang stream ng naturang mga stroke, na lumilikha ng ilusyon ng isang kurtina ng ulan o urban, puspos ng libu-libong iba't ibang mga singaw ng hangin, - mga tampok na nakapagpapaalaala sa mga tanawin ng Manet, Pissarro, Monet. Si Korovin ay temperamental, emosyonal, impulsive, theatrical, kaya ang maliwanag na kulay at romantikong upliftness ng kanyang mga landscape ("Paris. Boulevard des Capucines", 1906, State Tretyakov Gallery; "Paris at night. Italian boulevard. 1908,). Ang parehong mga tampok ng impressionistic etude, pictorial maestria, kamangha-manghang kasiningan ay pinapanatili ni Korovin sa lahat ng iba pang mga genre, pangunahin sa portrait at still life, ngunit din sa mga panel na pampalamuti, sa inilapat na sining, sa theatrical scenery, na siya ay nakikibahagi sa lahat ng kanyang buhay (Portrait of Chaliapin, 1911, State Russian Museum; "Fish, Wine and Fruits" 1916, Tretyakov Gallery).

Ang mapagbigay na regalo ng pagpipinta ni Korovin ay maliwanag na ipinakita sa theatrical at decorative painting. Bilang pintor ng teatro, nagtrabaho siya para sa teatro ng Abramtsevo (at halos si Mamontov ang unang nagpahalaga sa kanya bilang isang artista sa teatro), para sa Moscow Art Theater, para sa pribadong Russian opera ng Moscow, kung saan nagsimula ang kanyang panghabambuhay na pakikipagkaibigan kay Chaliapin para sa Diaghilev negosyo. Itinaas ni Korovin ang theatrical scenery at ang kahalagahan ng artist sa teatro sa isang bagong antas, gumawa siya ng isang buong rebolusyon sa pag-unawa sa papel ng artist sa teatro at nagkaroon ng malaking impluwensya sa kanyang mga kontemporaryo sa kanyang makulay, "kamangha-manghang" mga dekorasyon na nagpapakita ng pinakadiwa ng isang musikal na pagtatanghal.

Valentin Alexandrovich Serov

Si Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) ay isa sa pinakamahalagang artista, isang innovator ng pagpipinta ng Russia sa pagsisimula ng siglo. Si Serov ay pinalaki sa mga kilalang pigura ng kulturang musikal ng Russia (ama - isang sikat na kompositor, ina - isang pianista), nag-aral kasama sina Repin at Chistyakov.

Si Serov ay madalas na nagsusulat ng mga kinatawan ng artistikong intelihente: mga manunulat, artista, pintor (mga larawan ng K. Korovin, 1891, Tretyakov Gallery; Levitan, 1893, Tretyakov Gallery; Ermolova, 1905, Tretyakov Gallery). Lahat sila ay magkakaiba, ang lahat ng mga ito ay binibigyang-kahulugan niya nang malalim nang paisa-isa, ngunit lahat ng mga ito ay nagdadala ng liwanag ng intelektwal na pagiging eksklusibo at inspirational na malikhaing buhay.

Portrait, landscape, still life, household, historical painting; langis, gouache, tempera, uling - mahirap hanapin ang parehong pictorial at graphic na mga genre kung saan hindi gagana si Serov, at mga materyales na hindi niya gagamitin.

Ang isang espesyal na tema sa gawain ni Serov ay ang magsasaka. Sa kanyang genre ng magsasaka walang itinerant social acuteness, ngunit mayroong isang pakiramdam ng kagandahan at pagkakaisa ng buhay ng magsasaka, paghanga sa malusog na kagandahan ng mga taong Ruso ("Sa nayon. Isang babaeng may kabayo," sa mga mapa , pastel, 1898, Tretyakov Gallery). Ang mga tanawin ng taglamig ay lalong katangi-tangi sa kanilang kulay-pilak-perlas na hanay ng mga kulay.

Binigyang-kahulugan ni Serov ang makasaysayang tema sa kanyang sariling paraan: ang "royal hunts" kasama ang mga amusement walk nina Elizabeth at Catherine II ay ipinarating ng artist ng modernong panahon, balintuna, ngunit palaging hinahangaan ang kagandahan ng buhay noong ika-18 siglo. Ang interes ni Serov sa ika-18 siglo ay lumitaw sa ilalim ng impluwensya ng The World of Art at may kaugnayan sa kanyang trabaho sa paglalathala ng The History of the Grand Ducal, Tsarist at Imperial Hunt sa Russia.

Si Serov ay isang malalim na pag-iisip na artista, na patuloy na naghahanap ng mga bagong anyo ng artistikong pagpapatupad ng katotohanan. Sa inspirasyon ng Art Nouveau na mga ideya ng flatness at pagtaas ng decorativeness ay makikita hindi lamang sa mga makasaysayang komposisyon, kundi pati na rin sa kanyang larawan ng mananayaw na si Ida Rubinstein, sa kanyang mga sketch para sa The Abduction of Europa at Odyssey at Navzicae (parehong 1910, Tretyakov Gallery, karton, tempera). Mahalaga na sa pagtatapos ng kanyang buhay si Serov ay lumiliko sa sinaunang mundo. Sa isang mala-tula na alamat, na binibigyang-kahulugan niya nang malaya, sa labas ng mga klasikong canon, nais niyang makahanap ng pagkakaisa, ang paghahanap kung saan itinalaga ng artista ang lahat ng kanyang trabaho.

Mikhail Alexandrovich Vrubel

Ang malikhaing landas ni Mikhail Aleksandrovich Vrubel (1856-1910) ay mas direkta, kahit na sa parehong oras ito ay hindi pangkaraniwang mahirap. Bago ang Academy of Arts (1880) nagtapos si Vrubel sa law faculty ng St. Petersburg University. Noong 1884 nagpunta siya sa Kiev upang pangasiwaan ang pagpapanumbalik ng mga fresco sa Simbahan ng St. Cyril at siya mismo ay lumikha ng ilang monumental na komposisyon. Gumagawa siya ng watercolor sketch para sa mga painting ng Vladimir Cathedral. Ang mga sketch ay hindi inilipat sa mga dingding, dahil ang kliyente ay natakot sa kanilang hindi kanonikal at nagpapahayag na kalikasan.

Noong dekada 90, nang ang artista ay nanirahan sa Moscow, ang istilo ng pagsulat ni Vrubel, na puno ng misteryo at halos kapangyarihan ng demonyo, ay nabuo, na hindi maaaring malito sa iba pa. Nililok niya ang anyo tulad ng isang mosaic, mula sa matalim na "faceted" na mga piraso ng iba't ibang kulay, na parang kumikinang mula sa loob ("Girl against the background of a Persian carpet", 1886, KMRI; "Fortuneteller", 1895, State Tretyakov Gallery) . Ang mga kumbinasyon ng kulay ay hindi sumasalamin sa katotohanan ng relasyon ng kulay, ngunit may simbolikong kahulugan. Ang kalikasan ay walang kapangyarihan sa Vrubel. Kilala niya siya, ganap na nagmamay-ari sa kanya, ngunit lumilikha siya ng sarili niyang kamangha-manghang mundo, na may maliit na pagkakahawig sa katotohanan. Siya gravitates sa pampanitikan plots, na kung saan siya ay binibigyang-kahulugan sa isang abstract na paraan, nagsusumikap na lumikha ng mga imahe ng walang hanggan, napakalaking espirituwal na kapangyarihan. Kaya, nang kumuha ng mga ilustrasyon para sa The Demon, hindi nagtagal ay umalis siya sa prinsipyo ng direktang paglalarawan (Sayaw ni Tamara, Huwag umiyak bata, huwag umiyak nang walang kabuluhan, Tamara sa isang kabaong, atbp.). Ang imahe ng Demonyo ay ang sentral na imahe ng lahat ng gawain ni Vrubel, ang pangunahing tema nito. Noong 1899 isinulat niya ang The Flying Demon, noong 1902 - The Demon Defeated. Ang demonyo ni Vrubel ay isang nilalang na una sa lahat ay nagdurusa. Ang pagdurusa ay nananaig sa kanya sa kasamaan, at ito ang kakaiba ng pambansang-Russian na interpretasyon ng imahe. Ang mga kontemporaryo, tulad ng wastong nabanggit, ay nakita sa kanyang "Mga Demonyo" ang isang simbolo ng kapalaran ng isang intelektwal - isang romantikong, mapanghimagsik na sinusubukang tumakas mula sa isang katotohanang walang pagkakasundo sa surreal na mundo ng mga pangarap, ngunit nahulog sa magaspang na katotohanan ng makalupang

Nilikha ni Vrubel ang kanyang pinaka-mature na mga pagpipinta at mga graphic na gawa sa pagpasok ng siglo - sa genre ng landscape, portrait, paglalarawan ng libro. Sa organisasyon at pandekorasyon-plane interpretasyon ng canvas o sheet, sa kumbinasyon ng tunay at ang hindi kapani-paniwala, sa pagsunod sa ornamental, rhythmically kumplikadong mga solusyon sa kanyang mga gawa sa panahong ito, ang mga tampok ng Art Nouveau ay lalong iginiit ang kanilang sarili.

Tulad ni K. Korovin, maraming nagtrabaho si Vrubel sa teatro. Ang kanyang pinakamahusay na mga set ay ginanap para sa mga opera ni Rimsky-Korsakov na The Snow Maiden, Sadko, The Tale of Tsar Saltan at iba pa sa entablado ng Moscow Private Opera, iyon ay, para sa mga gawang nagbigay sa kanya ng pagkakataong "makipag-usap" sa alamat ng Russia. , isang fairy tale, isang alamat.

Ang unibersalismo ng talento, walang hangganang imahinasyon, at pambihirang simbuyo ng damdamin sa paggigiit ng mga marangal na mithiin ay nagpapakilala kay Vrubel sa marami sa kanyang mga kapanahon.

Victor Elpidiforovich Borisov-Musatov

Si Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905) ay isang direktang exponent ng pictorial symbolism. Ang kanyang mga gawa ay elegiac na kalungkutan para sa mga lumang walang laman na "noble nests" at namamatay na "cherry orchards", para sa magagandang babae, spiritualized, halos hindi makalupa, nakadamit sa ilang uri ng walang tiyak na oras na mga costume na hindi nagdadala ng mga panlabas na palatandaan ng lugar at oras.

Ang kanyang easel ay gumagana higit sa lahat ay hindi katulad ng mga pandekorasyon na panel, ngunit mga tapiserya. Ang puwang ay napagpasyahan na lubos na may kondisyon, patag, ang mga numero ay halos ethereal, tulad ng, halimbawa, ang mga batang babae sa tabi ng lawa sa pagpipinta na "The Pond" (1902, tempera, Tretyakov Gallery), na nahuhulog sa panaginip na pagmumuni-muni, sa malalim na pagmumuni-muni. Ang kupas, maputlang kulay-abo na kulay ng kulay ay nagpapahusay sa pangkalahatang impresyon ng marupok, hindi makalupa na kagandahan at anemicity, makamulto, na umaabot hindi lamang sa mga larawan ng tao, kundi pati na rin sa kalikasan na inilalarawan ng mga ito. Hindi sinasadya na tinawag ni Borisov-Musatov ang isa sa kanyang mga gawa na "Ghosts" (1903, tempera, State Tretyakov Gallery): tahimik at hindi aktibong mga babaeng figure, mga estatwa ng marmol sa tabi ng hagdan, isang kalahating hubad na puno - isang kupas na hanay ng asul, ang kulay abo, lilang tono ay nagpapaganda ng ilusyon ng inilalarawan.

"Mundo ng Sining"

Ang World of Art ay isang organisasyon na lumitaw sa St. Petersburg noong 1898 at pinagsama-sama ang mga masters ng pinakamataas na artistikong kultura, ang artistikong elite ng Russia noong mga taong iyon. Ang Mundo ng Sining ay naging isa sa pinakamalaking phenomena ng kulturang sining ng Russia. Halos lahat ng mga sikat na artista ay nakibahagi sa asosasyong ito.

Ang mga artikulo sa editoryal ng mga unang isyu ng magazine ay malinaw na nagbalangkas ng mga pangunahing probisyon ng "mundo ng sining" tungkol sa awtonomiya ng sining, na ang mga problema ng modernong kultura ay eksklusibong mga problema ng artistikong anyo at na ang pangunahing gawain ng sining ay turuan ang mga aesthetic na panlasa ng lipunang Ruso, pangunahin sa pamamagitan ng kakilala sa mga gawa ng sining ng mundo. Dapat tayong magbigay pugay sa kanila: salamat sa "mundo ng sining", ang sining ng Ingles at Aleman ay talagang pinahahalagahan sa isang bagong paraan, at higit sa lahat, ang pagpipinta ng ika-18 siglo ng Russia at ang arkitektura ng St. Petersburg classicism ay naging isang pagtuklas. para sa marami. Ang "Miriskusniki" ay nakipaglaban para sa "pagpuna bilang sining", na nagpapahayag ng ideyal ng isang kritiko-artist na may mataas na propesyonal na kultura at karunungan. Ang uri ng naturang kritiko ay isinama ng isa sa mga tagapagtatag ng "World of Art" A.N. Benoit.

Ang "Miriskusniki" ay nag-organisa ng mga eksibisyon. Ang una ay ang tanging internasyonal, na nagkakaisa, bilang karagdagan sa mga Ruso, mga artista mula sa France, England, Germany, Italy, Belgium, Norway, Finland, atbp. Parehong St. Petersburg at Moscow na mga pintor at graphic artist ay nakibahagi dito. Ngunit ang lamat sa pagitan ng dalawang paaralang ito - St. Petersburg at Moscow - ay nabalangkas halos mula sa unang araw. Noong Marso 1903, ang huling, ikalimang eksibisyon ng "World of Art" ay isinara, noong Disyembre 1904 ang huling isyu ng magazine na "World of Art" ay nai-publish. Karamihan sa mga artista ay lumipat sa Union of Russian Artists, na inayos batay sa eksibisyon ng Moscow na "36," si Diaghilev ay ganap na nagpunta sa ballet at teatro.

Noong 1910, isang pagtatangka ay ginawa upang huminga ng buhay sa "World of Art" (pinununahan ni Roerich). Ang kaluwalhatian ay dumating sa "mundo ng sining", ngunit ang "World of Arts", sa katunayan, ay hindi umiral, kahit na pormal na umiral ang asosasyon hanggang sa unang bahagi ng 1920s (1924), na may kumpletong kawalan ng integridad, sa walang hangganang pagpapaubaya at kakayahang umangkop. ng mga posisyon. Ang ikalawang henerasyon ng "mundo ng sining" ay hindi gaanong abala sa mga problema ng pagpipinta ng easel, ang kanilang mga interes ay namamalagi sa mga graphic, pangunahin sa mga libro, at theatrical at decorative arts, sa parehong mga lugar ay gumawa sila ng isang tunay na artistikong reporma. Sa ikalawang henerasyon ng "mundo ng sining" mayroon ding malalaking indibidwal (Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigoriev, Yakovlev, Shukhaev, Mitrokhin, atbp.), Ngunit walang mga makabagong artista.

Ang nangungunang artist ng "World of Art" ay K. A. Somov (1869-1939). Ang anak ng punong tagapangasiwa ng Hermitage, na nagtapos sa Academy of Arts at naglakbay sa Europa, si Somov ay nakatanggap ng isang mahusay na edukasyon. Ang pagkamalikhain ay dumating sa kanya nang maaga, ngunit, bilang mananaliksik (V.N.

Si Somov, tulad ng kilala natin sa kanya, ay lumitaw sa larawan ng artist na si Martynova ("Lady in Blue", 1897-1900, Tretyakov Gallery), sa painting-portrait na "Echo of the Past Tense" (1903, sa mga mapa, aqu. , Gouache, Tretyakov Gallery ), kung saan siya ay lumilikha ng isang mala-tula na paglalarawan ng marupok, anemic na babaeng kagandahan ng isang dekadenteng modelo, na tumatangging ihatid ang tunay na pang-araw-araw na mga palatandaan ng modernidad. Binihisan niya ang mga modelo sa mga lumang costume, binibigyan ang kanilang hitsura ng mga tampok ng lihim na pagdurusa, kalungkutan at panaginip, masakit na pagkasira.

Si Somov ay nagmamay-ari ng isang serye ng mga graphic na larawan ng kanyang mga kontemporaryo - ang intelektwal na elite (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lancere, Dobuzhinsky, atbp.), Kung saan gumagamit siya ng isang pangkalahatang pamamaraan: sa isang puting background - sa isang tiyak na walang tiyak na oras. sphere - gumuhit siya ng isang mukha, pagkakahawig kung saan ito ay nakakamit hindi sa pamamagitan ng naturalization, ngunit sa pamamagitan ng matapang na generalizations at isang tumpak na pagpili ng mga detalye ng katangian. Ang kawalan ng mga palatandaan ng oras ay lumilikha ng impresyon ng static, paninigas, lamig, halos trahedya na kalungkutan.

Mas maaga kaysa sa sinuman sa The World of Art, si Somov ay bumaling sa mga tema ng nakaraan, sa interpretasyon ng ika-18 siglo. ("Liham", 1896; "Pagiging Kumpidensyal", 1897), bilang hinalinhan ng mga tanawin ng Versailles ng Benoit. Siya ang unang lumikha ng isang hindi makatotohanang mundo, na hinabi mula sa mga motibo ng marangal na ari-arian at kultura ng korte at ang kanyang sariling mga pansariling pandamdam na pansining, na puno ng kabalintunaan. Ang historicism ng "World of Artists" ay isang pagtakas sa realidad. Hindi ang nakaraan, ngunit ang pagsasadula nito, ang pananabik para sa hindi na mababawi - ito ang kanilang pangunahing motibo. Hindi totoong saya, ngunit naglalaro ng kasiyahan sa mga halik sa mga eskinita - ito si Somov.

Ang pinuno ng ideolohikal ng "World of Art" ay si A. N. Benois (1870-1960), isang hindi pangkaraniwang maraming nalalaman na talento. Isang pintor, graphic easel painter at illustrator, theater artist, direktor, may-akda ng ballet librettos, theoretician at art historian, musical figure, siya ay, sa mga salita ni A. Bely, ang pangunahing politiko at diplomat ng World of Art. Bilang isang artista, nauugnay siya kay Somov sa pamamagitan ng mga istilo ng istilo at pagkagumon sa nakaraan ("Lasing ako sa Versailles, ito ay isang uri ng sakit, pag-ibig, pagnanasa sa kriminal ... Ako ay ganap na lumipat sa nakaraan ..." ). Pinagsama ng mga tanawin ng Versailles ng Benois ang makasaysayang muling pagtatayo noong ika-17 siglo. at kontemporaryong mga impression ng artist, ang kanyang pang-unawa ng French classicism, French ukit. Samakatuwid ang malinaw na komposisyon, malinaw na spatiality, kadakilaan at malamig na kalubhaan ng mga ritmo, contrasting ang kadakilaan ng mga monumento ng sining at ang kaliitan ng mga pigurin ng tao, na mga tauhan lamang sa kanila (1st Versailles series 1896-1898 na pinamagatang "The Last Walks of Louis XIV" ). Sa pangalawang serye ng Versailles (1905-1906), ang kabalintunaan, na katangian din ng mga unang sheet, ay pininturahan ng halos trahedya na mga tala (The King's Walk, k., Gouache, aqu., Gold, silver, feather, 1906, Tretyakov Gallery). Ang pag-iisip ni Benoit ay ang pag-iisip ng isang theater artist par excellence, na lubos na nakakaalam at nakadama ng teatro.

Ang kalikasan ay nakikita ni Benois sa isang nauugnay na koneksyon sa kasaysayan (mga view ng Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoye Selo, na ginanap sa kanya sa watercolor technique).

Si Benois the illustrator (Pushkin, Hoffmann) ay isang buong pahina sa kasaysayan ng libro. Hindi tulad ni Somov, si Benoit ay lumikha ng isang paglalarawan ng pagsasalaysay. Ang eroplano ng pahina ay hindi isang katapusan para sa kanya. Ang isang obra maestra ng ilustrasyon ng libro ay ang graphic na disenyo ng The Bronze Horseman (1903,1905,1916,1921-1922, tinta at watercolor na ginagaya ang kulay na woodcut). Sa isang serye ng mga ilustrasyon para sa mahusay na tula, ang pangunahing tauhan ay ang arkitektura na tanawin ng St. Petersburg, ngayon ay solemne na kalunos-lunos, ngayon ay mapayapa, ngayon ay nagbabala, kung saan ang pigura ni Eugene ay tila hindi gaanong mahalaga. Ito ay kung paano ipinahayag ni Benoit ang kalunos-lunos na salungatan sa pagitan ng kapalaran ng estado ng Russia at ng personal na kapalaran ng maliit na tao ("At buong gabi ang kaawa-awang baliw, / Saanman niya ipihit ang kanyang mga paa, / 3 ang Copper Horseman ay nasa lahat ng dako / Sumakay siya. na may mabigat na tadyak”).

Bilang isang artista sa teatro, idinisenyo ni Benoit ang mga pagtatanghal ng Russian Seasons, kung saan ang pinakasikat ay ang ballet na Petrushka sa musika ng Stravinsky, ay nagtrabaho nang husto sa Moscow Art Theater, at pagkatapos ay sa halos lahat ng mga pangunahing yugto sa Europa.

Si Nicholas Roerich (1874-1947) ay sumasakop sa isang espesyal na lugar sa "World of Art". Isang dalubhasa sa pilosopiya at etnograpiya ng Silangan, isang arkeologo at siyentipiko, si Roerich ay nakatanggap ng isang mahusay na edukasyon muna sa bahay, pagkatapos ay sa Faculty of Law at History at Philology ng St. Petersburg University, pagkatapos ay sa Academy of Arts, sa Kuindzhi's workshop, at sa Paris sa studio ni F. Cormon. Maagang nakuha niya ang awtoridad ng isang siyentipiko. Siya ay nauugnay sa "mundo ng sining" sa pamamagitan ng parehong pag-ibig sa pagbabalik-tanaw, hindi lamang noong ika-17-18 na siglo, ngunit ng paganong sinaunang Slavic at Scandinavian, sa Sinaunang Russia; mga tendensiyang pangkakanyahan, theatrical decorativeness (The Messenger, 1897, State Tretyakov Gallery; The Elders Are Converging, 1898, State Russian Museum; "Sinister", 1901, State Russian Museum). Si Roerich ay pinaka malapit na nauugnay sa pilosopiya at aesthetics ng simbolismo ng Russia, ngunit ang kanyang sining ay hindi umaangkop sa balangkas ng umiiral na mga uso, dahil, alinsunod sa pananaw sa mundo ng artist, ito ay umapela, tulad ng, sa lahat ng sangkatauhan na may isang apela. para sa isang mapagkaibigang unyon ng lahat ng mga tao. Kaya naman ang espesyal na epikong karakter ng kanyang mga canvases.

Pagkatapos ng 1905, ang mood ng pantheistic mistisismo ay lumago sa akda ni Roerich. Ang mga makasaysayang tema ay nagbibigay-daan sa mga alamat ng relihiyon ("Labanan sa Langit", 1912, RM). Malaki ang impluwensya ng Russian icon kay Roerich: ang kanyang decorative panel na Cutting at Kerzhenets (1911) ay ipinakita habang gumaganap ng isang fragment ng parehong pamagat mula sa opera ni Rimsky-Korsakov na The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia sa Parisian Russian. Mga panahon.

Ang Mundo ng Sining ay isang pangunahing aesthetic na kilusan sa pagsisimula ng siglo, na labis na tinantiya ang buong makabagong artistikong kultura, inaprubahan ang mga bagong panlasa at problema, at ibinalik sa sining sa pinakamataas na antas ng propesyonal ang mga nawawalang anyo ng mga graphics ng libro at theatrical at decorative painting. , na nakuha sa pamamagitan ng kanilang mga pagsisikap na all-European na pagkilala, na lumikha ng bagong pagpuna sa sining, na nagpo-promote ng sining ng Russia sa ibang bansa, sa katunayan, kahit na pagbubukas ng ilan sa mga yugto nito, tulad ng siglong XVIII ng Russia. Ang "Miriskusniki" ay lumikha ng isang bagong uri ng makasaysayang pagpipinta, portrait, landscape na may sariling mga tampok na pangkakanyahan (natatanging mga tendensiyang pangkakanyahan, ang pamamayani ng mga graphic na diskarte sa pagpipinta, pulos pandekorasyon na pag-unawa sa kulay, atbp.). Tinutukoy nito ang kanilang kahalagahan para sa sining ng Russia.

Ang mga kahinaan ng "World of Art" ay makikita lalo na sa pagkakaiba-iba at hindi pagkakapare-pareho ng programa, na nagpapahayag ng isang halimbawa ng "ngayon Böcklin, ngayon ay Manet"; sa idealistikong pananaw ng sining, na apektado ng kawalang-interes sa mga gawaing pansibiko ng sining, sa programmatic apoliticality, sa pagkawala ng panlipunang kahalagahan ng pagpipinta. Ang matalik na katangian ng Mundo ng Sining, ang dalisay na aestheticism nito ay natukoy din ang maikling makasaysayang panahon ng buhay nito sa panahon ng kakila-kilabot na trahedya na pagpapakita ng paparating na rebolusyon. Ang mga ito ay mga unang hakbang lamang sa landas ng mga malikhaing hangarin, at sa lalong madaling panahon ang "World of Art" ay naabutan ng mga kabataan.

"Union ng Russian Artists"

Noong 1903, itinatag ang isa sa pinakamalaking asosasyon ng eksibisyon ng simula ng siglo, ang Union of Russian Artists. Sa una, kasama nito ang halos lahat ng mga kilalang figure ng "World of Art" - Benoit, Bakst, Somov, ang mga kalahok sa mga unang eksibisyon ay sina Vrubel, Borisov-Musatov. Ang mga nagpasimula ng paglikha ng asosasyon ay mga artista ng Moscow na nauugnay sa "World of Art", ngunit natimbang ng mga programmatic aesthetics ng Petersburgers.

Pambansang tanawin, buong pagmamahal na pininturahan ang mga larawan ng magsasaka na Russia - isa sa mga pangunahing genre ng mga artista ng "Union", kung saan ang "Russian impressionism" kasama ang nakararami nitong rural, hindi urban motives, ay nagpahayag ng sarili sa isang kakaibang paraan. Kaya ang mga landscape ng I.E. Ang Grabar (1871-1960) kasama ang kanilang liriko na mood, na may mga banayad na larawang nuances, na sumasalamin sa mga instant na pagbabago sa totoong kalikasan, ay isang uri ng kahanay sa lupa ng Russia sa impresyonistikong tanawin ng Pranses ("Setyembre Snow", 1903, Tretyakov Gallery) . Ang interes ni Grabar sa agnas ng nakikitang kulay sa parang multo, purong mga kulay ng palette ay ginagawa siyang katulad ng neo-impressionism, kasama sina J. Seurat at P. Signac ("March Snow", 1904, Tretyakov Gallery). Ang paglalaro ng mga kulay sa kalikasan, kumplikadong mga coloristic na epekto ay naging paksa ng malapit na pag-aaral ng "Mga Allies", na lumikha sa canvas ng isang pictorial-plastic na makasagisag na mundo na walang salaysay at paglalarawan.

Sa lahat ng interes sa paghahatid ng liwanag at hangin sa pagpipinta ng mga masters ng "Union", ang paglusaw ng isang bagay sa isang light-air na kapaligiran ay hindi kailanman sinusunod. Ang kulay ay nagiging pandekorasyon.

Ang mga "Alyado", sa kaibahan sa mga Petersburgers - ang mga graphic artist ng "World of Art" - ay pangunahing mga pintor na may mas mataas na pandekorasyon na kahulugan ng kulay. Ang isang mahusay na halimbawa nito ay ang mga kuwadro na gawa ni F.A. Malyavin.

Sa kabuuan, ang mga "Alyado" ay nahilig hindi lamang sa plein-air studies, kundi pati na rin sa mga monumental na porma ng pagpipinta. Sa pamamagitan ng 1910, ang oras ng split at sekundaryong edukasyon ng "World of Art", sa mga eksibisyon ng "Union" makikita ang isang intimate landscape (Vinogradov, Yuon, atbp.), Pagpipinta malapit sa French divisionism (Grabar, maagang Larionov) o malapit sa simbolismo ( P. Kuznetsov, Sudeikin); dinaluhan sila ng mga artista ng "World of Art" ni Diaghilev - Benoit, Somov, Bakst.

Ang "Union of Russian Artists", na may matatag na makatotohanang pundasyon, na may mahalagang papel sa sining ng sining ng Russia, ay may tiyak na epekto sa pagbuo ng paaralan ng pagpipinta ng Sobyet, na umiral hanggang 1923.

Noong 1907, sa Moscow, inayos ng magazine na "Golden Fleece" ang tanging eksibisyon ng mga artista-tagasunod ng Borisov-Musatov, na tinatawag na "Blue Rose". Si P. Kuznetsov ay naging nangungunang artist ng Blue Rose. Pinakamalapit sa lahat, ang "Blue Rozovites" ay sa simbolismo, na unang ipinahayag sa kanilang "wika": ang kawalang-tatag ng mood, ang malabo, hindi maisasalin na musika ng mga asosasyon, ang pagpipino ng mga ratio ng kulay. Ang aesthetic platform ng mga exhibitors ay gumawa ng epekto sa mga susunod na taon, at ang pangalan ng eksibisyon na ito ay naging isang pangalan ng sambahayan para sa isang buong trend sa sining sa ikalawang kalahati ng 900s. Ang buong aktibidad ng "Blue Rose" ay nagdadala din ng pinakamalakas na imprint ng impluwensya ng estilo ng Art Nouveau (plane-decorative stylization ng mga form, whimsicality ng linear rhythms).

Ang mga gawa ni P. V. Kuznetsov (1878-1968) ay sumasalamin sa mga pangunahing prinsipyo ng mga "asul na ugat" na mga tao. Si Kuznetsov ay lumikha ng isang pandekorasyon na panel-larawan kung saan sinubukan niyang i-abstract mula sa pang-araw-araw na konkreto, upang ipakita ang pagkakaisa ng tao at kalikasan, ang katatagan ng walang hanggang cycle ng buhay at kalikasan, ang kapanganakan sa pagkakasundo na ito ng kaluluwa ng tao. Samakatuwid ang pagnanais para sa mga monumental na anyo ng pagpipinta, mapangarapin-nagmumuni-muni, nalinis mula sa lahat ng madalian, unibersal, walang tiyak na oras na mga tala, isang patuloy na pagnanais na ihatid ang espirituwalidad ng bagay. Ang pigura ay isang tanda lamang na nagpapahayag ng isang konsepto; nagsisilbi ang kulay upang ihatid ang mga damdamin; ritmo - upang ipakilala ang mga sensasyon sa isang tiyak na mundo (tulad ng sa pagpipinta ng icon - isang simbolo ng pag-ibig, lambing, kalungkutan, atbp.). Samakatuwid ang pagtanggap ng isang pare-parehong pamamahagi ng liwanag sa buong ibabaw ng canvas bilang isa sa mga pundasyon ng pagiging palamuti ni Kuznetsov. Sinabi ni Serov na ang kalikasan sa P. Kuznetsov ay "huminga". Ito ay perpektong ipinahayag sa kanyang mga Kyrgyz (Steppe) at Bukhara suite, sa mga landscape ng Central Asia. Pinag-aralan ni Kuznetsov ang mga pamamaraan ng pagpipinta ng icon ng Lumang Ruso, ang unang bahagi ng Renaissance ng Italya. Ang pag-apila na ito sa mga klasikal na tradisyon ng sining sa mundo sa paghahanap ng sarili nitong engrandeng istilo, ayon sa wastong nabanggit ng mga mananaliksik, ay napakahalaga sa panahon kung kailan ang anumang mga tradisyon ay madalas na itinatanggi nang buo.

Ang exoticism ng Silangan - Iran, Egypt, Turkey - ay nakapaloob sa mga landscape ng M. S. Saryan (1880-1972). Ang Silangan ay isang natural na tema para sa isang Armenian artist. Lumilikha si Saryan sa kanyang pagpipinta ng isang mundo na puno ng maliwanag na dekorasyon, mas madamdamin, mas makalupang kaysa sa Kuznetsov, at ang nakalarawan na solusyon ay palaging binuo sa magkakaibang mga ratio ng kulay, nang walang mga nuances, sa isang matalim na paghahambing ng anino (Date Palm, Egypt, 1911, mga mapa. , tempera, Tretyakov Gallery).

Ang mga imahe ng Saryan ay napakalaki dahil sa pangkalahatan ng mga anyo, malalaking makulay na eroplano, ang pangkalahatang lapidarity ng wika - ito ay, bilang isang panuntunan, isang pangkalahatang imahe ng Egypt, Persia, katutubong Armenia, habang pinapanatili ang mahahalagang naturalness, na parang nakasulat. mula sa buhay. Ang mga pandekorasyon na canvases ni Saryan ay palaging masaya, tumutugma sila sa kanyang ideya ng pagkamalikhain: "... ang isang gawa ng sining ay ang mismong resulta ng kaligayahan, iyon ay, malikhaing paggawa. Dahil dito, dapat nitong pag-alab ang apoy ng malikhaing pagkasunog sa manonood, tumulong na ipakita ang likas na pagnanais nito para sa kaligayahan at kalayaan.

"Jack of Diamonds"

Noong 1910, isang bilang ng mga batang artista - P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova at iba pa - ay nagkaisa sa organisasyong "Jack of Diamonds", na nagkaroon ng sarili nitong charter, na nag-ayos ng mga eksibisyon at naglathala ng sarili nitong mga koleksyon ng mga artikulo. Ang "Jack of Diamonds" ay aktwal na umiral hanggang 1917. Tulad ng post-impressionism, una sa lahat, si Cezanne, ay isang "reaksyon sa impresyonismo", kaya't ang "Jack of Diamonds" ay sumalungat sa kalabuan, hindi maisasalin, banayad na mga nuances ng simbolikong wika ng " Blue Rose" at ang aesthetic stylism ng "World of Art" ... Ang "Diamonds of Diamonds", na dinala ng materyalidad, ang "materyalidad" ng mundo, ay nagpahayag ng isang malinaw na pagtatayo ng larawan, binibigyang diin ang kawalang-kinikilingan ng anyo, intensity, buong tunog ng kulay. Hindi aksidente na ang buhay pa rin ay nagiging paboritong genre ng "Valetovites", bilang isang landscape - isang paboritong genre ng mga miyembro ng "Union of Russian Artists". Ang katalinuhan sa paghahatid ng pagbabago ng mga mood, ang sikolohiya ng mga katangian, ang pagmamaliit ng mga estado, ang dematerialization ng pagpipinta ng "Blue Rozovites", ang kanilang romantikong tula ay tinanggihan ng "Valetovites". Ang mga ito ay kaibahan sa halos kusang kasiyahan ng mga kulay, ang pagpapahayag ng contour drawing, ang masarap, malapad na paraan ng pagsulat, na naghahatid ng isang optimistikong pangitain ng mundo, isang halos booth, ang kapaligirang mood ay nilikha. Pinapayagan ng "Diamonds of Diamonds" ang gayong mga pagpapasimple sa interpretasyon ng form, na katulad ng mga tanyag na kopya ng katutubong, mga laruan ng katutubong, mga tile, mga palatandaan. Ang pananabik para sa primitivism (mula sa Latin na primitivus - primitive, inisyal) ay nagpakita mismo sa iba't ibang mga artista na ginaya ang pinasimple na mga anyo ng sining ng tinatawag na primitive na mga panahon - primitive na mga tribo at nasyonalidad - sa paghahanap ng pagkakaroon ng madalian at integridad ng artistikong pang-unawa. Ang "The Jack of Diamonds" ay nakakuha ng mga pananaw nito mula kay Cezanne (kaya kung minsan ay tinatawag na "Russian Sezannism"), kahit na higit pa mula sa Cubism ("shift" ng mga form) at maging mula sa Futurism (dynamics, iba't ibang mga pagbabago ng form.

Ang matinding pagpapasimple ng form, ang direktang koneksyon sa sining ng signage ay lalong kapansin-pansin sa M.F. Larionov (1881-1964), isa sa mga tagapagtatag ng Jack of Diamonds, ngunit noong 1911 ay nakipaghiwalay sa kanya. Si Larionov ay nagpinta ng mga landscape, portrait, still lifes, gumagana bilang isang theatrical artist ng Diaghilev's entreprise, pagkatapos ay lumiko sa isang genre painting, ang kanyang tema ay naging buhay ng isang probinsyal na kalye, mga kuwartel ng mga sundalo. Ang mga anyo ay patag, kataka-taka, na parang sadyang inilarawan bilang drawing, splint o signboard ng isang bata. Noong 1913 inilathala ni Larionov ang kanyang aklat na "Luchism" - sa katunayan, ang una sa mga manifesto ng abstract art, ang mga tunay na tagalikha kung saan sa Russia ay sina V. Kandinsky at K. Malevich.

Artista N.S. Si Goncharova (1881-1962), ang asawa ni Larionov, ay bumuo ng parehong mga tendensya sa kanyang mga pagpipinta sa genre, pangunahin sa tema ng magsasaka. Sa mga taon na isinasaalang-alang, sa kanyang trabaho, na mas pandekorasyon at makulay kaysa sa sining ni Larionov, napakalaki sa kanyang panloob na lakas at laconicism, ang isang pagkahilig para sa primitivism ay acutely nadama. Sa paglalarawan sa gawain nina Goncharova at Larionov, ang terminong "neo-primitivism" ay kadalasang ginagamit.

M.Z. Si Chagall (1887-1985) ay lumikha ng mga pantasya, binago mula sa nakakainip na mga impresyon ng maliit na bayan ng buhay ng Vitebsk at binigyang-kahulugan sa isang walang muwang-tula at kataka-takang simbolikong diwa. Sa surreal na espasyo, maliwanag na kulay, sinadyang primitivization ng anyo, naging malapit si Chagall sa Western expressionism at folk primitive art ("I and the Village", 1911, Museum of Contemporary Art, New York; "Over Vitebsk", 1914 , koleksyon ng Zak. Toronto; "The Wedding", 1918, Tretyakov Gallery).

"Union ng Kabataan"

Ang Youth Union ay isang organisasyon ng St. Petersburg na nabuo halos kasabay ng Jack of Diamonds (1909). Ang nangungunang papel dito ay ginampanan ni L. Zheverzheev. Tulad ng "Valetovites", ang mga miyembro ng "Union of Youth" ay naglathala ng mga teoretikal na koleksyon. Hanggang sa pagbagsak ng asosasyon noong 1917. Ang "Union of Youth" ay walang partikular na programa, na nagpahayag ng simbolismo, at cubism, at futurism, at "non-objectiveness", ngunit ang bawat isa sa mga artista ay may sariling malikhaing mukha.

Ang sining ng mga pre-rebolusyonaryong taon sa Russia ay minarkahan ng hindi pangkaraniwang kumplikado at pagkakasalungatan ng mga masining na paghahanap, kaya ang sunud-sunod na mga pagpapangkat na may sariling mga setting ng programa at mga stylistic na simpatiya. Ngunit kasama ang mga eksperimento sa larangan ng abstract form sa Russian art sa oras na ito, parehong "Miriskusniki" at "Goluborozovtsy", "mga kaalyado", "Diamonds of Diamonds" ay patuloy na gumana sa parehong oras, mayroon ding isang malakas na stream ng neoclassicist movement, isang halimbawa kung saan ay ang gawain ng isang aktibong miyembro ng "World art" sa kanyang pangalawang henerasyon "ZE Serebryakova (1884-1967). Sa kanyang poetic genre canvases sa kanilang laconic drawing, palpable-sensual plastic molding, ang poise ng komposisyon, Serebryakov proceeds mula sa mataas na pambansang tradisyon ng Russian art, una sa lahat Venetsianov at kahit na higit pa - Old Russian art (Peasants, 1914, RM ; Harvest, 1915 , Odessa Art Museum; "Whitening of the Canvas", 1917, State Tretyakov Gallery).

Sa wakas, ang gawa ni KS Petrov-Vodkin (1878-1939), isang artist-thinker na kalaunan ay naging pinakakilalang master ng sining ng panahon ng Sobyet, ay isang napakatalino na katibayan ng sigla ng mga pambansang tradisyon, ng mahusay na Old Russian painting. . Sa sikat na pagpipinta na "Bathing the Red Horse" (1912, PT), ang artist ay gumamit ng isang pictorial metapora. Tulad ng wastong nabanggit, ang isang binata sa isang maliwanag na pulang kabayo ay nagbubunga ng mga kaugnayan sa sikat na imahe ni George the Victorious ("Saint Egoriy"), at isang pangkalahatang silweta, maindayog, compact na komposisyon, saturation ng magkakaibang mga spot ng kulay na tumutunog nang buong lakas , flatness sa interpretasyon ng mga form ay humantong sa memorya ng sinaunang Russian icon. Ang isang maayos na napaliwanagan na imahe ay nilikha ni Petrov-Vodkin sa monumental na pagpipinta na "Girls on the Volga" (1915, Tretyakov Gallery), kung saan maaari ding madama ng isa ang kanyang oryentasyon patungo sa mga tradisyon ng sining ng Russia, na humahantong sa mga masters sa isang tunay na nasyonalidad.

Arkitektura

Ang panahon ng napakaunlad na kapitalismo ng industriya ay nagdulot ng makabuluhang pagbabago sa arkitektura, pangunahin sa arkitektura ng lungsod. Ang mga bagong uri ng mga istruktura ng arkitektura ay lumitaw: mga pabrika at halaman, mga istasyon ng tren, mga tindahan, mga bangko, sa pagdating ng sinehan - mga sinehan. Ang rebolusyon ay dinala ng mga bagong materyales sa pagtatayo: reinforced concrete at metal structures, na naging posible upang masakop ang napakalaking espasyo, gumawa ng malalaking showcases, at lumikha ng magarbong pattern ng bindings.

Sa huling dekada ng ika-19 na siglo, naging malinaw sa mga arkitekto na sa paggamit ng mga makasaysayang istilo ng nakaraan, ang arkitektura ay umabot sa isang tiyak na dead end, at, ayon sa mga mananaliksik, ang kailangan ay hindi isang "muling pag-aayos" ng makasaysayang mga istilo, ngunit isang malikhaing pag-unawa sa bago na naipon sa kapaligiran ng isang mabilis na lumalagong kapitalistang lungsod ... Ang mga huling taon ng ika-19 - ang simula ng ika-20 siglo ay ang panahon ng dominasyon ng modernidad sa Russia, na nabuo sa Kanluran lalo na sa arkitektura ng Belgian, South German at Austrian, isang kababalaghan sa pangkalahatang kosmopolitan (bagaman narito ang modernidad ng Russia. iba rin sa Kanlurang Europa, dahil ito ay pinaghalong mga makasaysayang istilo ng neo-Renaissance, neo-baroque, neo-rococo, atbp.).

Ang isang kapansin-pansing halimbawa ng modernidad sa Russia ay ang gawain ni F.O. Shekhtel (1859-1926). Mga apartment house, mansion, gusali ng mga kumpanya ng kalakalan at istasyon ng tren - Iniwan ni Shekhtel ang kanyang sulat-kamay sa lahat ng genre. Ang kawalaan ng simetrya ng gusali ay epektibo para sa kanya, ang organic build-up ng mga volume, ang iba't ibang uri ng facades, ang paggamit ng mga balkonahe, porches, bay window, sandrids sa itaas ng mga bintana, ang pagpapakilala ng isang inilarawan sa pangkinaugalian imahe ng mga liryo o irises sa palamuti ng arkitektura, ang paggamit ng mga stained-glass windows na may parehong motif ng ornament, iba't ibang mga texture ng mga materyales sa disenyo ng mga interior. Ang isang kakaibang pattern, na binuo sa mga twisting na linya, ay umaabot sa lahat ng bahagi ng gusali: ang paboritong modernist mosaic frieze, o isang sinturon ng glazed ceramic tile sa kupas na dekadenteng mga tono, mga binding ng mga stained glass na bintana, isang pattern ng isang bakod, mga grill ng balkonahe; sa komposisyon ng mga hagdan, kahit na sa muwebles, atbp. Ang mga kapritsoso na curvilinear na balangkas ay nangingibabaw sa lahat. Sa Art Nouveau, ang isang tiyak na ebolusyon ay maaaring masubaybayan, dalawang yugto ng pag-unlad: ang una ay pandekorasyon, na may espesyal na pagkahilig para sa dekorasyon, pandekorasyon na iskultura at kaakit-akit (ceramics, mosaic, stained glass), ang pangalawa ay mas nakabubuo, rationalistic.

Ang modernong ay mahusay na kinakatawan sa Moscow. Sa panahong ito, itinayo rito ang mga istasyon ng tren, hotel, bangko, mansyon ng mayamang burgesya, at mga apartment building. Ang mansyon ni Ryabushinsky sa Nikitsky Gate sa Moscow (1900-1902, arkitekto F.O.Shekhtel) ay isang tipikal na halimbawa ng Russian Art Nouveau.

Isang apela sa mga tradisyon ng sinaunang arkitektura ng Russia, ngunit sa pamamagitan ng mga pamamaraan ng modernidad, nang walang natural na pagkopya sa mga detalye ng medyebal na arkitektura ng Russia, na katangian ng "istilo ng Ruso" sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, ngunit malayang iniiba ito, sinusubukan upang maihatid ang mismong diwa ng Sinaunang Russia, nagbunga ng tinatawag na neo-Russian na istilo ng simula ng XX siglo (minsan tinatawag na neo-romanticism). Ang pagkakaiba nito mula sa Art Nouveau mismo ay pangunahin sa pagbabalatkayo, at hindi sa pagbubunyag, na karaniwan para sa Art Nouveau, ang panloob na istraktura ng gusali at utilitarian na layunin sa likod ng kakaibang kumplikadong dekorasyon (Shekhtel - Yaroslavsky station sa Moscow, 1903-1904; AV Shchusev-Kazansky railway station sa Moscow, 1913-1926; V.M. Vasnetsov - ang lumang gusali ng Tretyakov Gallery, 1900-1905). Parehong Vasnetsov at Shchusev, bawat isa sa kanilang sariling paraan (at ang pangalawa sa ilalim ng napakalaking impluwensya ng una), na napuno ng kagandahan ng sinaunang arkitektura ng Russia, lalo na ang Novgorod, Pskov at unang bahagi ng Moscow, pinahahalagahan ang pambansang pagka-orihinal nito at malikhaing binibigyang kahulugan ang mga anyo nito .

Ang pagiging moderno ay binuo hindi lamang sa Moscow, kundi pati na rin sa St. Petersburg, kung saan ito ay binuo sa ilalim ng walang alinlangan na impluwensya ng Scandinavian, na tinatawag na "hilagang modernidad": P.Yu. Suzor noong 1902-1904 ay nagtatayo ng gusali para sa kumpanya ng Singer sa Nevsky Prospekt (ngayon ay House of Books). Ang terrestrial sphere sa bubong ng gusali ay sumisimbolo sa internasyonal na katangian ng kompanya. Sa harap ng harapan, ginamit ang mga mahalagang bato (granite, labrador), tanso, mosaic. Ngunit ang Petersburg Art Nouveau ay naimpluwensyahan ng mga tradisyon ng monumental na Petersburg classicism. Nagsilbi itong impetus para sa paglitaw ng isa pang sangay ng Art Nouveau - neoclassicism ng XX century. Sa mansyon ni A.A. Polovtsov sa Kamenny Island sa St. Petersburg (1911-1913) ng arkitekto na si I.A. Ganap na naiimpluwensyahan ni Fomin (1872-1936) ang mga tampok ng istilong ito: ang harapan (gitnang dami at mga pakpak sa gilid) ay nalutas sa pagkakasunud-sunod ng Ionic, at ang mga interior ng mansyon sa isang mas maliit at mas katamtamang anyo, parang, ulitin ang enfilade hall ng Tauride Palace, ngunit ang malalaking bintana ng semi-rotunda ng winter garden , inilarawan sa pangkinaugalian na pagguhit ng mga detalye ng arkitektura ay malinaw na tumutukoy sa oras ng simula ng siglo. Mga gawa ng isang purong Petersburg architectural school ng simula ng siglo - kumikitang mga bahay - sa simula ng Kamennoostrovsky (No. 1-3) Avenue, Count M.P. Tolstoy sa Fontanka (No. 10-12), mga gusali b. Ang Azovo-Donskoy Bank sa Bolshaya Morskaya at ang Astoria Hotel ay kabilang sa arkitekto F.I. Lidval (1870-1945), isa sa mga pinakakilalang master ng St. Petersburg Art Nouveau.

Ang Art Nouveau ay isa sa mga pinakamahalagang istilo na nagtapos noong ika-19 na siglo at nagbukas sa susunod. Ang lahat ng mga modernong tagumpay ng arkitektura ay ginamit dito. Ang moderno ay hindi lamang isang tiyak na nakabubuo na sistema. Dahil ang dominasyon ng classicism, Art Nouveau ay marahil ang pinaka-pare-pareho ang estilo sa mga tuntunin ng kanyang holistic diskarte, ensemble interior design. Nakuha ng moderno bilang isang istilo ang sining ng muwebles, kagamitan, tela, carpet, stained-glass windows, ceramics, glass, mosaic, kinikilala ito kahit saan dahil sa mga stretch contours at linya nito, ang espesyal na hanay ng kulay na kupas, pastel na kulay, at paboritong pattern ng mga liryo at iris.

Paglililok

Ang iskultura ng Russia sa pagliko ng XIX-XX na siglo. at ang unang mga taon bago ang rebolusyonaryo ay kinakatawan ng ilang malalaking pangalan. Ito ay, una sa lahat, ang P.P. Trubetskoy (1866-1938). Ang kanyang mga unang gawang Ruso (larawan ng Levitan, paglalarawan ni Tolstoy na nakasakay sa kabayo, pareho - 1899, tanso) ay nagbibigay ng kumpletong larawan ng impresyonistikong pamamaraan ni Trubetskoy: ang anyo ay, kumbaga, napuno ng liwanag at hangin, pabago-bago, na idinisenyo upang matingnan. mula sa lahat ng mga punto ng view at mula sa iba't ibang mga anggulo ay lumilikha ng isang multifaceted characterization ng imahe. Ang pinaka-kahanga-hangang gawa ni P. Trubetskoy sa Russia ay isang tansong monumento kay Alexander III, na itinayo noong 1909 sa St. Petersburg, sa Znamenskaya Square. Dito iniwan ni Trubetskoy ang kanyang impresyonistikong istilo. Paulit-ulit na napansin ng mga mananaliksik na ang imahe ni Trubetskoy ng emperador ay nalutas, kumbaga, sa kaibahan ng Falconet, at sa tabi ng The Bronze Horseman ito ay isang halos satirical na imahe ng autokrasya. Tila sa amin na ang kaibahan na ito ay may ibang kahulugan; hindi Russia, "itinaas" tulad ng isang barko na ibinaba sa tubig ng Europa, ngunit ang Russia ng kapayapaan, katatagan at lakas ay sinasagisag ng mangangabayo na ito, na nakaupo nang mabigat sa isang mabigat na kabayo.

Ang impresyonismo sa isang kakaiba, napaka-indibidwal na malikhaing repraksyon ay natagpuang ekspresyon sa mga gawa ni A.S. Golubkina (1864-1927). Sa mga larawan ng Golubkina, lalo na sa mga kababaihan, mayroong maraming mataas na kadalisayan sa moral at malalim na demokrasya. Ito ang kadalasang mga larawan ng mga ordinaryong mahihirap na tao: masisipag na kababaihan o may sakit na "mga anak ng piitan."

Ang pinaka-kagiliw-giliw na bagay sa gawa ni Golubkina ay ang kanyang mga larawan, palaging kapansin-pansing panahunan, na karaniwang katangian ng gawain ng master na ito, at hindi pangkaraniwang magkakaibang (larawan ng VF Ern (kahoy, 1913, Tretyakov Gallery) o isang bust ng Andrei Bely (plaster , 1907, Tretyakov Gallery)) ...

Sa mga gawa nina Trubetskoy at Golubkina, para sa lahat ng kanilang pagkakaiba, mayroong isang bagay na karaniwan: mga tampok na ginagawa silang nauugnay hindi lamang sa impresyonismo, kundi pati na rin sa ritmo ng mga dumadaloy na linya at anyo ng modernidad.

Ang impresyonismo, na nakakuha ng eskultura ng simula ng siglo, ay hindi gaanong nakaapekto sa gawain ni S. T. Konenkov (1874-1971). Ang marmol na Nike (1906, Tretyakov Gallery) na may malinaw na portrait (at Slavic) na mga tampok ng isang bilog na mukha na may dimples sa pisngi ay naglalarawan sa mga gawa na ginawa ni Konenkov pagkatapos ng isang paglalakbay sa Greece noong 1912. Ang mga imahe ng Greek paganong mythology ay magkakaugnay sa Slavic mythology . Si Konenkov ay nagsimulang magtrabaho sa kahoy, maraming kumukuha mula sa alamat ng Russia, mga engkanto ng Russia. Kaya naman ang kanyang "Stribog" (puno, 1910, Tretyakov Gallery), "Velikosil" (puno, pribado, koleksyon), mga larawan ng mga pulubi at matatandang tao ("Old Man Polevichok", 1910).

Ang dakilang merito ni Konenkov sa muling pagkabuhay ng kahoy na iskultura. Ang pag-ibig para sa epikong Ruso, para sa kuwentong engkanto ng Russia ay kasabay ng "pagtuklas" ng pagpipinta ng icon ng Lumang Ruso, eskulturang gawa sa Lumang Ruso, na may interes sa arkitektura ng Lumang Ruso. Hindi tulad ng Golubkina, si Konenkov ay walang drama at emosyonal na pagkasira. Ang kanyang mga imahe ay puno ng tanyag na optimismo.

Sa larawan, si Konenkov ay isa sa mga unang nagbigay ng problema sa kulay sa simula ng siglo. Ang tint ng isang bato o kahoy ay palaging napaka-pinong, isinasaalang-alang ang mga katangian ng materyal at ang mga kakaibang solusyon ng plastik.

Kabilang sa mga monumental na gawa ng simula ng siglo, ang monumento sa N.V. Gogol N.A. Andreeva (1873-1932), natuklasan sa Moscow noong 1909. Ito ay si Gogol ng mga huling taon ng kanyang buhay, na may karamdaman sa wakas. Ang kanyang malungkot na profile na may matalas na ilong ("Gogol's"), isang manipis na pigura na nakabalot sa isang kapote ay hindi karaniwang nagpapahayag; Sa lapidary na wika ng iskultura, ipinarating ni Andreev ang trahedya ng mahusay na malikhaing personalidad. Sa bas-relief frieze sa isang pedestal sa mga multi-figured na komposisyon sa isang ganap na naiibang paraan, na may katatawanan o kahit na satirically, ang walang kamatayang mga bayani ng Gogol ay inilalarawan.

A. T. Matveev (1878-1960). Nadaig niya ang impresyonistang impluwensya ng kanyang guro at sa kanyang mga unang gawa - sa hubo't hubad (ang pangunahing tema ng mga taong iyon. Mahigpit na arkitekto, laconicism ng matatag na pangkalahatang mga anyo, isang estado ng paliwanag, kapayapaan, pagkakasundo na makilala si Matveyev, direktang sumasalungat sa kanyang gawain sa sculptural impressionism.

Tulad ng nabanggit nang tama ng mga mananaliksik, ang mga gawa ng master ay idinisenyo para sa isang mahaba, maalalahanin na pang-unawa, nangangailangan sila ng panloob na kalooban, "katahimikan" at pagkatapos ay nagbubukas sila nang buo at malalim. Mayroon silang musicality ng mga plastic form, mahusay na artistikong panlasa at tula. Ang lahat ng mga katangiang ito ay likas sa V.E. Borisov-Musatov sa Tarusa (1910, granite). Mahirap makita ang linya sa pagitan ng pagtulog at hindi pag-iral sa pigura ng isang natutulog na batang lalaki, at ito ay ginanap sa pinakamahusay na mga tradisyon ng mga pang-alaala na plastik noong ika-18 siglo. Kozlovsky at Martos, kasama ang kanyang matalinong kalmadong pagtanggap sa kamatayan, na kung saan ay humahantong sa amin ng higit pa, sa mga sinaunang antigong steles na may mga eksena ng "funeral feast". Ang lapida na ito ay ang rurok ng gawain ni Matveyev noong pre-rebolusyonaryong panahon, na kailangan pa ring magtrabaho nang mabunga at maging isa sa mga sikat na iskultor ng Sobyet. Sa panahon ng pre-Oktubre, isang bilang ng mga mahuhusay na young masters ang lumitaw sa Russian sculpture (SD Merkurov, VI Mukhina, ID Shadr, at iba pa), na noong 1910s ay nagsisimula pa lamang sa kanilang mga malikhaing aktibidad. Nagtrabaho sila sa iba't ibang direksyon, ngunit napanatili ang makatotohanang mga tradisyon na dinala nila sa bagong sining, na may mahalagang papel sa pagbuo at pag-unlad nito.

...

Mga katulad na dokumento

Espirituwal at masining na pinagmulan ng Panahon ng Pilak. Ang pag-usbong ng kultura ng Silver Age. Ang pagka-orihinal ng pagpipinta ng Russia noong huling bahagi ng XIX - unang bahagi ng XX siglo. Artistic associations at ang kanilang papel sa pagbuo ng pagpipinta. Ang kultura ng lalawigan at maliliit na bayan.

idinagdag ang term paper noong 01/19/2007


Pag-aaral ng mga dahilan ng paghahati ng kulturang Ruso noong ikadalawampu siglo sa domestic at emigre. Pagkilala sa mga kinatawan at artistikong konsepto ng avant-garde, realismo at underground bilang pangunahing direksyon ng pag-unlad ng sining at panitikan.

pagsubok, idinagdag noong 05/03/2010


Ang pinagmulan at konsepto ng simbolismo. Ang pagiging isang artista ng Panahon ng Pilak. Mga Panahon ng Kasaysayan ng Simbolo ng Ruso: Kronolohiya ng Pag-unlad. Mga tampok ng pagpipinta ng genre sa pagliko ng XIX-XX na siglo. Artistic associations at artistic colonies sa Russian painting.

term paper, idinagdag noong 06/17/2011


sining ng Russia noong huling bahagi ng XIX - unang bahagi ng XX siglo. Paglililok. Arkitektura. Ang kulturang Ruso ay nabuo at umuunlad ngayon bilang isa sa mga sanga ng makapangyarihang puno ng mundong karaniwang kultura ng tao. Ang kontribusyon nito sa pag-unlad ng kultura ng mundo ay hindi maikakaila.

abstract, idinagdag 06/08/2004


Silhouette ng "Silver Age". Ang mga pangunahing tampok at pagkakaiba-iba ng artistikong buhay sa panahon ng "Silver Age": simbolismo, acmeism, futurism. Ang kahalagahan ng Panahon ng Pilak para sa kulturang Ruso. Makasaysayang mga tampok ng pag-unlad ng kultura sa huling bahagi ng XIX - unang bahagi ng XX siglo.

idinagdag ang abstract noong 12/25/2007


Pag-aaral ng paglitaw at pag-unlad ng Baroque bilang isang istilo ng sining na katangian ng kultura ng Kanlurang Europa mula sa katapusan ng ika-16 hanggang sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. Pangkalahatang katangian at pagsusuri ng pag-unlad ng mga uso sa istilong Baroque sa pagpipinta, iskultura, arkitektura at musika.

idinagdag ang pagtatanghal noong 09/20/2011


Ang tindi ng Panahon ng Pilak sa malikhaing nilalaman, ang paghahanap para sa mga bagong anyo ng pagpapahayag. Ang pangunahing artistikong uso ng "Silver Age". Ang paglitaw ng simbolismo, acmeism, futurism sa panitikan, cubism at abstractionism sa pagpipinta, simbolismo sa musika.

abstract, idinagdag noong 03/18/2010


Ang kasaysayan ng artistikong kultura sa simula ng ikadalawampu siglo. Ang mga pangunahing uso, artistikong konsepto at kinatawan ng Russian avant-garde. Ang pagbuo ng kultura ng panahon ng Sobyet. Mga tagumpay at kahirapan sa pag-unlad ng sining sa totalitarian na mga kondisyon; isang kababalaghan sa ilalim ng lupa.

idinagdag ang pagtatanghal noong 02.24.2014


Ang umuunlad na panahon ng espirituwal na kultura sa huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo. Ang paglitaw ng mga bagong uso at pangkat ng sining. Mga tampok at pagkakaiba ng abstractionism, avant-garde, impressionism, cubism, cubo-futurism, rayonism, modernism, symbolism at suprematism.

idinagdag ang pagtatanghal noong 05/12/2015


Ang impluwensya ng mga kaganapang pampulitika at panlipunan sa sining. Panahon ng creative upsurge sa iba't ibang larangan ng kultura. Pagbubunyag ng kakanyahan ng modernist acmeism, futurism at simbolismo. Pagpapakita ng Art Nouveau sa Arkitektura ng Moscow. Panitikan ng Panahon ng Pilak.