#vpireview

#to seethe performance

Mahal, nagustuhan mo ba?

Oo, halos naiihi ako sa sarili ko!

Anong sinabi niya?

Kung tatanungin mo ako kung nagustuhan ko ba ang dulang "Anna Karenina", halos pareho lang ang isasagot ko. Well, pareho lang naman ako ng itsura. Hindi, hindi sa...

Ipakita nang buo

#vpireview

#to seethe performance

Mahal, nagustuhan mo ba?

Oo, halos naiihi ako sa sarili ko!

Anong sinabi niya?

Sinabi niya na talagang nagustuhan niya ang violin pizzicato. (Kasama)

Kung tatanungin mo ako kung nagustuhan ko ba ang dulang "Anna Karenina", halos pareho lang ang isasagot ko. Well, pareho lang naman ako ng itsura. Hindi, hindi sa mga diamante, ngunit sa mga luha at ... Imposibleng pigilan ang mga luha, ngunit para sa akin ito ang pinakamahusay na sukatan ng sining.

Ang Boris Eifman ay isang tunay na kakaibang kababalaghan sa ating entablado. Siya ay 70 taong gulang. Sa edad na 30, nag-organisa siya ng sariling ballet theater. Halos kaagad, nagsimula siyang pumunta sa taunang paglilibot sa New York. Nakatira siya sa isang asawa at sa sarili niyang bansa. At sa lahat ng oras ay naghahanap at lumilikha ng bago at ganap na moderno. Pagkatapos ng mga pagtatanghal ni B. Eifman, hindi ko na alam kung paano makikipag-ugnay sa classical ballet. Hindi ako sigurado na gusto kong bumili ng tiket para sa isang klasikong ballet. B. Itinaas ni Eifman ang bar na masyadong mataas para sa akin nang personal. Ngayon ay talagang gusto kong makita ang kanyang "Rodin".

Imposibleng maiparating sa mga salita ang nangyayari sa entablado. Mapapansin ko lang na sa tropa niya ay may qualification for growth. At ito ay talagang maganda - matangkad, payat na artista. Hindi ko maisip kung paano mo maisasayaw ang "Anna Karenina". Kaya mo pala. Posibleng ihatid ang lahat ng emosyon at pangyayari ng nobelang ito sa kaplastikan at musika. Sa pamamagitan ng paraan, hindi ito nabibilang sa aking mga paboritong gawa, ang paksang ito ay hindi malapit sa akin. Parang Eugene Onegin lang. Ngunit upang maihatid ang gayong mahirap na relasyon sa pamamagitan ng sayaw ay nagkakahalaga ng maraming.

B. Itinanghal ni Eifman ang pagtatanghal na ito sa edad na 60. Gayunpaman, gaano kalaki ang erotika. Ito ay hindi isang malinis na pelikula mula 1967 at isang ganap na hindi maintindihan na pelikula mula 2008. Ito ay isang tunay, buhay na relasyon sa pagitan ng isang Lalaki at isang Babae. Mas tiyak na Babae at ang kanyang mga Lalaki. Mahal niya ang isa at mahal siya ng isa. B. Naipahayag ni Eifman ang lahat ng damdamin ng kanyang mga bayani: ang relasyon sa pagitan ni Anna at ng kanyang anak, ang hindi pagkagusto kay Karenin, ang kanyang pagmamahal at mapait na kamalayan sa hindi kabayaran ng kanyang mga damdamin, ang pag-ibig na sumiklab para kay Vronsky at ang unti-unting paghina ng ang kanyang pag-ibig para kay Anna, ang mataas na lipunan, napakapangit sa mapanirang kapangyarihan nito, at siyempre parehong pangwakas. Hindi ko nasubaybayan ang oras, ngunit nahulaan ko kaagad na magsisimula na ang final. Ang tren ay halos lumipad sa entablado (walang tanawin), at si Anna ay nahulog sa ilalim ng mga gulong nito sa kanyang huling sayaw. Kulang lang ang panyo ko. napahikbi ako ng malakas. Sigurado akong hindi ako nag-iisa.

Ano ang pagkakaiba sa pagitan ng ballet ni Boris Eifman at "Swan Lake"? Doon alam mo na ito ay isang fairy tale, ngunit narito ang buhay. Buhay sa lahat ng kapangitan. Ang buhay ay pinaghihinalaang iba kaysa sa isang fairy tale, mas seryoso, o isang bagay. Nais ko ring tandaan na si P.I. Tchaikovsky ay hindi kailanman nagsulat ng musika para sa ballet na "Anna Karenina". B. Si Eifman mismo ang nangongolekta ng musika mula sa mga obra ng kompositor para sa kanyang balete. B. Nilikha ni Eifman ang kanyang ballet mula sa simula at sadyang ginamit ang musika ng henyong P. I. Tchaikovsky. Sa parehong lugar, sa Anna Karenina, napagpasyahan niya para sa kanyang sarili na hindi bababa sa 70% ng tagumpay ng Swan Lake ay ang merito ng parehong P.I. Tchaikovsky.

Nagbilang ako ng hindi bababa sa dalawang dosenang adaptasyon ng Anna Karenina. G. Garbo, V. Lee bilang Anna, S. Connery bilang Vronsky. Nagsimula kami sa mga tahimik na pelikula, sa taong ito ay naghahanda si K. Shakhnazarov ng isang premiere kasama si L. Boyarskaya at ang kanyang asawang si M. Matveev sa mga pangunahing tungkulin. Tignan natin kung anong mangyayari. Marami (lalo na ang mga produksiyon sa Kanluran) ay inakusahan na pinasimple ang balangkas, na nagsasabi na ang mga linya ng kwento ni Kitty, Oblonsky, Levin ay hindi naihayag nang sapat, kung wala sila, tila, ang pelikula ay nagiging masyadong malayo sa nobela. B. Wala rin itong mga tauhan sa dula ni Eifman. Sa entablado, kadalasang nakikita natin ang mga diyalogo sa pagitan ng mga pangunahing tauhan. At ito ay sapat na. Ang sayaw at musika ay nagpapakita ng kaligayahan at trahedya ng lahat ng mga bayani ng dramang ito. Malamang, importante sa nobela ang ibang acting characters, sa mga pelikula rin. Ngunit ang talento ni B. Eifman ay naging posible na maunawaan ang lahat ng nais sabihin sa amin ni L. Tolstoy sa bersyon na ito ng nobela. Ang pagbabagong-anyo ng lahat ng mga character ay ipinapakita, habang sila ay sumasailalim sa mga pagbabago mula sa simula ng aksyon hanggang sa katapusan nito.

Kamakailan ay nagbasa ako ng isang libro ng mga memoir tungkol kay F. Ranevskaya na may mga sipi mula sa kanyang hindi nai-publish na mga memoir. Doon siya ay taos-puso at labis na nagalit sa katotohanan na ang mga pagtatanghal ng ballet na "Anna Karenina", "Eugene Onegin", "Lady with a Dog" ay itinanghal. "Isasayaw sana nila ang Ugly Duckies!" Ngunit ipagpaumanhin mo, ang mga pagtatanghal na ito ay itinanghal ng magandang M. Plisetskaya, at ang talentadong R. Shchedrin ay sumulat ng musika para sa kanila. Kung hindi ito tinitingnan ng ganito, marami ang nagsasabi na ang ganitong mga gawa ay hindi maiparating ng isang kumplikadong anyo ng sining tulad ng ballet. Tulad ng nakikita mo posible. Sigurado ako na kung si F. Ranevskaya ay tumingin sa mga produksyon ni B. Eifman, siya ay lubos na nag-iiba. Kung ihahambing natin ang produksyon ng 1972 at ang isang ito (2005), kung gayon ang B. Eifman ay walang prima ng antas ng M. Plisetskaya, kaya maraming mga artista ang hindi kasali sa mga eksena ng karamihan, walang mga costume na natahi ni P. Cardin . Ngunit mayroong isang bagay, isang bagay na mailap, na hindi iniiwan sa iyo. At gusto ko na ring bumili ng hindi lang ballet ticket, kundi pati na rin ng plane ticket, para mabuhay muli ang mga emosyong iyon, para isubsob muli ang aking sarili sa mga karanasang iyon.

Mahalin ang modernong sining - pumunta sa pagtatanghal ng Academic Ballet Theater sa ilalim ng direksyon ni B. Eifman. Mahilig sa klasikal na sining - lalo na pumunta sa pagganap ng Academic Ballet Theater sa ilalim ng direksyon ni B. Eifman. Gumuhit ng iyong sariling konklusyon, subukan ang iyong mga damdamin. Ngunit siguraduhing pumunta. Sayang naman at tinanggal nila ang multi-colored star, I really rate this theater Recommended.

Noong 2017, ipinagdiriwang ng St. Petersburg State Academic Ballet Theater ng Boris Eifman ang ika-40 anibersaryo nito. Bilang karangalan sa anibersaryo, inayos ng ahensya ng Ardani Artist ang isang malaking North American tour ng tropa noong Hunyo, kung saan nakita ng madla ang isang bagong bersyon ng sikat na ballet ni Eifman na "Red Giselle", pati na rin ang dula na "Tchaikovsky. Pro Et Contra.

Ang kasulatan ng "Etazhy" na si Olga Smagarinskaya ay nakipagpulong kay B.Ya. Eifman sa New York.

Kahit na ngayon ay walang napakaraming mataas na propesyonal na orihinal na mga sinehan ng ballet sa mundo, at noong 1977, ang paglikha ng gayong teatro sa USSR ay hindi pa naririnig. Sa mga bingi, walang pag-unlad na mga taon, madalas na tinawag ng mga opisyal ng kultura ang koreograpia ni Boris Eifman na "pornograpiya", at siya mismo ay tinawag na "ballet dissident." Ngunit sa kabila ng lahat, ang Teatro ay nakaligtas, at ang Maestro ay hindi lumipat. Si Boris Eifman ay lumikha hindi lamang ng kanyang sariling teatro, ngunit isang bagong direksyon sa ballet, na siya mismo ay tinatawag na Russian psychological ballet theater. Ang isang mananaliksik ng kaluluwa ng tao, siya, tulad ng walang iba, ay madalas na lumiliko sa mga klasiko ng mundo para sa mga plot - mula Dostoevsky hanggang Fitzgerald. Si Boris Eifman ay namamahala upang ipahayag ang pinakamalakas at pinaka-magkakaibang emosyon sa kaplastikan ng katawan ng tao, lahat ng kanyang mga pagtatanghal ay parang mga nobela na nakasulat sa wika ng sayaw.

Ngayon ang teatro ay pinalakpakan ng mga bulwagan sa buong mundo, at si Eifman ay tinatawag na isang pilosopo-koreograpo, at sa edad na 71 ay hindi niya iniisip ang tungkol sa kapayapaan.

Paano nangyari na ang isang batang lalaki na hindi mula sa isang theatrical na pamilya, na lumaki sa Altai at Chisinau, ay biglang "nagkasakit" ng ballet? Saan nagmula ang hilig na ito?

Ipinanganak ako sa Altai, kung saan nagtatrabaho ang aking ama sa isang pabrika ng militar. Pagkatapos ay inilipat siya sa Chisinau, at lumipat doon ang aming pamilya. Sa Chisinau, dumalo ako sa isang children's dance studio. Sa lungsod na ito nakilala ko ang aking mga unang guro, na nagtanim sa akin ng pagmamahal sa ballet. At pagkatapos ay natuklasan ko sa aking sarili ang kakayahang mag-compose ng choreography. Naaalala ko ang panahong iyon. At pagkatapos ay dumating ako sa Leningrad, pumasok sa Conservatory sa ballet master department, at nagsimula ang ibang buhay.

Noong 1977, sa kasagsagan ng mga stagnant na taon, lumikha ka ng iyong sariling orihinal na teatro ng ballet, ang konsepto kung saan sa oras na iyon ay walang nakarinig o nakakaalam. At ginagawa mo ito sa Leningrad, sa lungsod kung saan umiiral ang sinaunang at prestihiyosong Kirov Theater, at sa tabi, sa Moscow, mayroong Bolshoi Theater. Ito ay mapanganib. Sigurado ka ba sa iyong sarili o walang mawawala?

Ang konsepto ng panganib ay, marahil, ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa akin. Noong huling bahagi ng dekada sitenta, nag-print pa ang The New York Times ng isang artikulo na may headline na "Boris Eifman - the man who dared."

Bagaman, sa paggunita sa mga taon na iyon, hindi ko masasabi na sinadya ko itong ipagsapalaran. Umiral lang ako sa mundo ng sarili kong mga malikhaing pantasya. Hindi niya kinurot ang kanyang sarili, hindi kumplikado, ngunit sinubukang mapagtanto ang kanyang regalo. Marahil ito ang aking lakas ng loob. Gusto ko talagang maging freelance artist. Siyempre, na-encounter ko ang katotohanang madalas akong pinupuna para dito at alam kung ano ang akusasyon ng Diyos. Sinabi nila na wala akong koreograpia, ngunit ang pornograpiya na sumisira sa mga ballet canon, pinayuhan nila akong pumunta sa ibang bansa. Bagama't hindi ako kailanman naging isang maninira na nagpapabaya sa aking kasaysayan, lagi akong naging maingat sa pamana ng nakaraan. Pagdating sa Leningrad, kahit bilang isang mahusay na nagbabasa at edukadong batang lalaki, sa una ay parang blangko ako. Kinailangan kong maunawaan ang mga tradisyon ng kultura ng St. Petersburg - teatro, ballet, musika. Masaya ako na napunta ako sa Leningrad sa napakagandang oras na iyon. Sa Conservatory mayroon pa ring mga tao na gumawa ng panahon ng Silver Age. Ako ay mapalad na hinawakan ko ang mga labi ng kulturang ito, at, alam ko ito, hindi ko ito masisira. Pinag-aralan ko ang koreograpia ni Yakobson, Grigorovich at palaging itinuturing ang aking sarili na tagapagmana ng kanilang mga tradisyon. Siyempre, gusto kong maging isang independyente at independiyenteng artista at iwanan ang aking marka sa kasaysayan ng ballet. Pinangarap kong ipatupad ang sarili kong mga ideya, hindi ng ibang tao.

Ang katotohanan na hindi ako nangibang bansa ay ang tama at nakamamatay na pagpipilian, bagaman hindi ito madali. Ang mga pangyayari ay laban sa akin, ngunit nagawa kong lumangoy laban sa agos.

Maaari mo bang sabihin sa akin kung gaano ito teknikal na nangyari? Binigyan ka ba nila ng pahintulot, nagtakda ng ilang kundisyon, binigyan ka ng lugar, mga subsidyo?

Sa buhay, ang lahat ay napagpasyahan ng pagkakataon, ngunit kailangan mong may layuning puntahan ito. Bago itatag ang aking teatro, nagsumikap akong maging isang kilalang tao sa aking larangan. Nasa edad na dalawampu't isa na siya ay gumagawa ng pelikula ng ballet sa telebisyon. Sa dalawampu't tatlo ay lumikha siya ng mga one-act na pagtatanghal sa Vaganova Academy at sa Conservatory. Itinanghal ko ang tatlong-aktong ballet na "Gayane" sa entablado ng Leningrad Maly Theater noong ako ay dalawampu't limang taong gulang, at pagkatapos ay lumitaw ang aking "Firebird" sa Kirov.

Samakatuwid, nang lumitaw ang tanong ng paglikha ng isang bagong ensemble ng sayaw sa Lenconcert, binigyan nila ako ng pansin at sinabi: "Bakit hindi?" Siyempre, kapag binibigyan ako ng pagkakataong pamunuan ito, walang nag-iisip na ang pinakaunang programa namin ay isasama ang musika ng mga Western performer na ipinagbawal sa Unyong Sobyet. At nang itanghal ko ang dulang "Two-Parts" sa musika ng "Pink Floyd" at tinanggap ito ng madla nang may sigasig, napagtanto ng mga opisyal na pinalabas nila ang genie sa bote. Ngunit huli na ang lahat. Pagkatapos nito, gayunpaman, sa loob ng sampung taon, bago magsimula ang perestroika, paulit-ulit nilang sinubukang isara ang aking teatro. Gusto nila akong gawing outcast, hindi nila ako pinapayagang maglibot sa ibang bansa. Ngunit, gayunpaman, salamat sa kalooban ng kapalaran at, kakatwa, ang mga mamamahayag ng Sobyet na nagsulat ng magagandang artikulo tungkol sa aming teatro sa gitnang pamamahayag at suportado ito, nagawa kong hawakan.

Anong uri ng mga mananayaw ang hindi natatakot na makipagsapalaran at sumali sa isang ganap na hindi kilalang tropa, marahil sa pinakamasamang kondisyon sa una?

Sa oras na iyon, hindi ito ang pinakamasama, ngunit medyo normal na mga kondisyon. Sa una, nakatanggap ako ng ganap na hindi kwalipikadong mga performer. Siyempre, ang pagdating nina Alla Osipenko at John Markovsky, mga premier ng Kirov Ballet, ay nagtaas ng propesyonal na antas ng aming teatro. Ako ay mapalad na ang mga magagaling na mananayaw na ito noong panahong iyon ay libre at tinanggap ang aking imbitasyon. Ang mga artista ay madalas na pumunta sa aking teatro na sa ilang kadahilanan ay hindi nagkaroon ng pagkakataon na gumanap sa ibang mga tropa. Pinamulaklak ko sila at naging mga bituin.

Alam na kapag nag-recruit ka ng mga mananayaw sa iyong tropa, kailangan mong sanayin muli sila pagkatapos ng classical choreographic school. Sabihin mo sa akin, sino ang mas gusto mo: isang ballerina na may mahusay na diskarte, ngunit hindi isang first-class na artista, o, sa kabaligtaran, isang mahusay na artista na may average na diskarte? Sino ang mas madaling sanayin muli, gawing muli?

Ang kalikasan ay hindi mababago. Ang isang bagong pamamaraan ay maaaring mastered, kahit na ito ay tiyak sa amin. Pero kung hindi ibinigay ng Diyos ang talento para maging artista sa entablado, hindi ito maaayos. Ang artista ng aking tropa ay dapat nagtataglay ng maraming katangian. Ang panlabas na data ay gumaganap ng isang napakahalagang papel: mataas na paglago, isang proporsyonal na pigura. Ngunit ang pinakamahalagang bagay ay propesyonalismo. Ang ibig kong sabihin ay hindi lamang ang pagkakaroon ng diskarte sa sayaw, koordinasyon, kaplastikan, kundi pati na rin ang kakayahang ipahayag ang buhay ng kaluluwa sa pamamagitan ng paggalaw ng katawan.

Sa lahat ng apatnapung taon na ito ay lumilikha ako ng isang teatro ng espesyal na emosyonal na epekto. Ang mga artista ng aking tropa, na nagdidirekta ng isang malakas na daloy ng espirituwal na enerhiya sa bulwagan, ay nagtatag ng live na pakikipag-ugnayan sa publiko.

Nangyari na ba na ang ilan sa iyong mga pagtatanghal ay ganap na nakansela o pinilit na alisin ang ilang mga eksena?

Wala silang ganap na ipinagbawal, dahil nagawa kong manloko. Ako ay isang napakahusay na diplomat sa pakikitungo sa mga opisyal ng kultura. Ang bawat pagganap, hindi bababa sa tatlong beses, ay kailangang italaga. Nang walang pahintulot niya, wala akong karapatang ipakita sa publiko ang aking mga balete. Sa kauna-unahang pagkakataon, sinabihan ako na ang gayong koreograpia ay hindi dapat isagawa sa harap ng isang madla ng Sobyet, na ang mananayaw ay lumapit sa kanyang kapareha mula sa maling panig, at iba pa. Nang ipakita ko ang pagganap sa pangalawang pagkakataon, sinabi ng mga miyembro ng komisyon: "Buweno, mas mabuti, ngunit magtrabaho pa tayo." Pagkatapos ay inangkin ko na muli kong binago ang lahat ng itinanong nila, bagaman, sa katunayan, wala akong binago. At pagkatapos ay narinig ko bilang tugon: "Ito ay isang ganap na naiibang bagay, ngayon ay maaari mo itong ipakita." Ganyan ang sistema. Para kaming naglalaro ng walang katapusang laro. Mahirap para sa mga artista at nakakahiya para sa akin, dahil ang ilang mga functionaries ng partido, na walang kinalaman sa balete o kultura sa pangkalahatan, ay nagturo sa akin kung paano gumawa ng choreography.

Noong 1977, naglibot kami sa unang pagkakataon - sa Kyiv. Nang marinig ng mga opisyal ng partido na magpapakita kami ng ballet sa musika ng Pink Floyd, sinabi nila sa amin: "Hindi ito maaaring nasa entablado ng teatro ng Ukrainian!" Nabenta na lahat ng ticket. Naaalala ko na sinagot namin ni Alla Osipenko na kung walang ballet sa musika ng Pink Floyd, kung gayon ang tropa ay hindi magpe-perform. Nagsimula ang pagtatanghal ng alas siyete y media, at hanggang alas siyete ay nagpasya ang administrasyon kung dapat o hindi. Sa huli, napagtanto nilang mas malaki ang gastos sa eskandalo at kailangan nilang ibalik sa publiko ang pera para sa mga tiket. At isang beses lang pinayagan ang performance namin. Ang ganitong uri ng pakikibaka ay patuloy na nangyayari sa pagitan ko at ng mga opisyal.

Gayunpaman, tulad ng sinabi mo nang higit sa isang beses, hindi mo nais na lumipat mula sa Russia. At bakit? Sa palagay mo ba imposibleng lumikha ng isang teatro ng ballet ng iyong istilo sa labas ng Russia?

Ako ay isang taong pinalaki sa kulturang Ruso: sa mga libro ng Pushkin, Dostoevsky, Tolstoy, sa musika ng Tchaikovsky at Rachmaninoff, sa mga tradisyon ng pambansang teatro. Ang espirituwal na kapaligiran na ito ang humubog sa akin.

May inspirasyon ng mga gawa ng sining ng Ruso at mundo, binubuo ko ang aking mga ballet. Ngunit kailangang may maghatid ng aking mga pantasya sa publiko. Wala ako kung walang mga artista. Ako ay uupo sa mesa, pinahihirapan ng imposibilidad na mapagtanto ang aking plano. Iba ang American o European dancers, may sarili silang mentality, charisma. Hindi sila mas mabuti o mas masahol pa, iba lang. At nangangahulugan iyon na ang lahat ng aking mga iniisip at emosyon ay iba-iba ang pag-iisip ng mga dayuhang artista. Hindi ako sigurado na sa pamamagitan ng pagtatrabaho sa Kanluran, lubos kong napagtanto ang aking sarili. Ang aking teatro ay dapat na ipinanganak sa Russia, at, bukod dito, sa St. Petersburg.

At kailan ka unang pinayagang pumunta sa ibang bansa sa paglilibot?

Noong 1988, inanyayahan ako ni Princess Caroline ng Monaco na magdirekta ng isang pagtatanghal para sa Monte Carlo Ballet. Hanggang sa sandaling iyon, hindi ko pa nakikita at hindi alam ang Kanluraning mundo, at ngayon ay natagpuan ko kaagad ang aking sarili sa Cote d'Azur, sa sikat na beach kung saan nakatayo ang dating studio ng Diaghilev. Ang lahat ng napakatalino na buhay na ito, ang mga pagtanggap na ibinigay ng prinsesa sa aking karangalan, ay hindi nagbigay sa akin ng pagkakataong tumuon sa pagkamalikhain, ngunit ito ay isang napakaliwanag at kinakailangang karanasan.

Madalas, halos palaging, bumaling sa mga klasikong pampanitikan sa mundo sa iyong mga ballet. Sa palagay mo, sa teorya, anumang kuwento ay maaaring isalin sa wika ng iyong sayaw?

Maaaring pag-isipang muli ng Ballet ang mga kwentong nauugnay sa panloob, emosyonal na buhay ng mga tao. Napakahirap maglagay ng isang pagtatanghal batay sa isang tuyo na konseptong pilosopikal na hindi pumapayag sa senswal na pagpapahayag. Hindi ko gustong sabihin na ang ballet ay hindi dapat magkaroon ng intelektwal na potensyal at ideolohikal na nilalaman. Medyo kabaligtaran. Ngunit gayon pa man, ang pangunahing prinsipyo nito ay emosyon.

Sa paglilibot sa Canada at US, dinala mo ang mga pinakabagong bersyon ng dalawa sa iyong mga lumang produksyon: Red Giselle at Tchaikovsky. Pro Et Contra. Para sa mga hindi pa nakakita ng mga lumang bersyon, sabihin sa amin kung ano ang kanilang pangunahing pagkakaiba? .

"Red Giselle" ay hindi sumailalim sa isang pangunahing, makabuluhang muling pag-iisip. Karaniwan, ang koreograpia ng pagtatanghal ay binago, na ngayon ay nakakatugon sa kasalukuyang mga kakayahan ng aming teatro at mga soloista nito. Ito ay naging mas nagpapahayag, emosyonal, moderno. Ngunit ang dramatikong batayan ng balete ay nanatiling pareho. "Chaikovsky. Ang PRO et CONTRA" ay isang bagong pagganap na may orihinal na konsepto, na nagpapakita ng mas mature na pagtingin sa personalidad ng kompositor. Sa unang pagkakataon ay bumaling ako sa paksang ito noong siyamnapu't tatlong taon - sa panahon ng kaguluhan at kabuuang kalayaan, na may hangganan sa pagpapahintulot. Pagkatapos ay nakaranas ako ng isang tiyak na kaguluhan mula sa katotohanan na posible na ibunyag ang lihim ng isang makinang na lumikha, upang mahanap ang malalim na sanhi ng kanyang pagdurusa. At upang maunawaan kung bakit ang isang sikat, matagumpay na tao ay sumulat ng gayong trahedya na musika. Ngayon ay nag-aalala din ako tungkol sa isa pang tanong: kung paano "tunog" ang mga personal na drama ng kompositor sa kanyang mga gawa. Gusto kong mag-portray sa ballet stage, una sa lahat, isang magaling na artista. Siyempre, imposibleng ihatid sa maliliit na fragment ng pagganap ang buong henyo ng The Queen of Spades o Eugene Onegin. Ngunit sinubukan kong ipakita ang proseso ng paglubog ng kompositor sa mundo ng kanyang mga komposisyon at upang ipakita kung ano ang nasasabik sa kanya at nag-udyok sa kanya na magtrabaho.

Gaano kahalaga ang salita para sa iyo, isang taong nag-iisip sa mga choreographic na imahe? Pagkatapos ng lahat, sa simula ay bumaling ka sa kanya bilang isang mapagkukunan ng inspirasyon?

Bilang isang choreographer, sa palagay ko ay may kilos sa simula. Ano ang ginagawa ng isang sanggol sa sinapupunan? Gumagalaw. Ipinapahayag niya ang kanyang mga pangangailangan at emosyonal na reaksyon sa pamamagitan ng paggalaw, pagtulak. Ang salita, walang alinlangan, ay may malaking kahalagahan sa aking malikhaing gawain. Sa mga artista, marami kaming tinatalakay ang pangkalahatang konsepto ng pagganap at ang mga detalye ng mga tungkulin. At gayon pa man ang salita para sa akin ay pangalawa. Ang dila ay maaaring magsinungaling, ngunit ang katawan ay hindi kailanman nagsisinungaling, at imposibleng linlangin ito. Hindi mo maaaring isipin ang isang bagay, at ipahayag ang isa pa sa mga paggalaw. Ang wika ng katawan ay dalisay, natural na emosyon. At lahat ng iba pa ay bunga na ng sibilisasyon. Natuto kaming magtago, maging diplomatiko, ipahayag ang aming mga saloobin sa isang nakatalukbong na paraan. Gayunpaman, hindi pa rin namin alam kung paano ihatid ang mga damdamin sa tulong ng mga salita. Sa isang salita, ngayon ay hindi mo maaaring mahawahan ang isang bulwagan ng dalawang libo at gawin itong tumaas nang sabay-sabay. Sa mga nagdaang taon, napakaraming nasabi nang walang kabuluhan ... At ang mga emosyon na ipinahayag ng katawan ay tunay na nagbibigay-inspirasyon at nagpapasaya sa isang tao.

Pinapayagan mo ba ang iyong mga mananayaw na mag-improvise sa panahon ng pag-eensayo at pagtatanghal?

Oo at hindi. Siyempre, sa isang banda, gusto ko silang maging co-authors. Pagkatapos ng lahat, hindi sila mga robot, hindi mga puppet. At kung ang mga artista ay talagang nakikilahok sa proseso ng malikhaing, pagkatapos ay pinupunan nila ang pagguhit ng plastik sa kanilang mga emosyon at paggalaw. Ngunit hindi ko gusto ito kapag nagsimula ang improvisasyon batay sa isang binubuong koreograpikong teksto. Parang mga false note sa musika.

Ikaw ba ay isang emosyonal at dramatikong tao sa buhay, tulad ng iyong mga ballet, o kalmado ba ito?

Sa aking kabataan, parang nagkaroon ako ng ilang buhay, iba ako. Isa sa trabaho, isa pa sa pang-araw-araw na buhay, pangatlo sa personal na relasyon, at iba pa. At ngayon ay lalo akong nahuhulog sa mundo ng pagkamalikhain. At mas kaunti at mas kaunting panloob na enerhiya ang nananatili sa globo ng karaniwan. Ibinibigay ko ang lahat ng aking damdamin sa pagkamalikhain.

Pareho kayong koreograpo at direktor ng inyong mga ballet.

Ito ay natural. Sa teatro ng drama mayroong isang teksto, sabihin, ni Shakespeare. At mayroong isang direktor na, batay sa tekstong ito, ay naglalagay ng isang dula. Sa aking teatro, ako ay parehong playwright at isang direktor. Hindi lamang ako gumagawa ng koreograpia, ngunit lumikha ng isang mahalagang yugto ng trabaho, kung saan dapat mayroong lohika at isang binuo na komposisyon. Ang pagsulat ng isang pagganap ay isang proseso ng maraming yugto. Bago pumunta sa bulwagan, nagtatrabaho ako sa aking opisina nang maraming buwan, inilalagay sa aking mga notebook ang aking mga iniisip tungkol sa bawat karakter at mise-en-scene. Ito ay isang malaking, frame-by-frame na gawain. Pagkatapos ng lahat, ang balangkas ng pagganap, ang relasyon sa pagitan ng mga karakter, at higit sa lahat, ang pangkalahatang konsepto ay dapat na maunawaan nang walang mga salita. Hindi ganoon kadali ang paggawa ng ganitong "montage ng pelikula". Ang choreographer ay kailangang makalikha ng isang multi-level na istraktura ng isang ballet performance. Sa kasamaang palad, kakaunti na ang mga ganitong direktor ngayon. Sa panahon ng pagkahilig para sa avant-garde, abstract na mga komposisyon, ang mga koreograpo ay humiwalay sa teatro ng ballet at nakalimutan kung paano magtrabaho sa isang malaking anyo.

Sumasang-ayon ako sa iyo na sa totoong buhay ay mas madaling manlinlang sa mga salita kaysa sa mga paggalaw. Pero kung tutuusin, naglalaro ang mga artista sa entablado, nagpapanggap silang nagmamahal, naghihirap o nagsasaya.

Ito ay hindi ganap na totoo. Sa oras ng pagtatanghal, ang aking mga artista ay hindi nagpapanggap, ngunit muling nagkatawang-tao sa mga karakter na kanilang inilalarawan. Ngayon si Oleg Gabyshev ay nasa entablado ng dalawang oras ni Tchaikovsky. Nabuhay siya sa kanyang buhay, ipinahayag ang kanyang damdamin, pagdurusa, pagdududa, ang kanyang pangarap na kaligayahan. Samakatuwid, hindi masasabing nagsisinungaling ang artista sa sandaling ito. Masigasig siyang nadama ng publiko, dahil naniniwala sila: siya si Tchaikovsky. Ang lakas ng teatro namin, sinisira namin yung pader na naghihiwalay sa stage sa hall. Ang madla ay nagiging bahagi ng aksyong nagaganap sa harap nila.

Bakit ka naaakit sa mga trahedya at maging sa mga kuwento kung saan nababaliw ang bida? At kung bakit hindi ka nabaling sa kwento tungkol kay Nijinsky, sa aking palagay, ito ang iyong bayani.

Baka balang araw makapasok ako sa kwentong ito. Ang kabaliwan para sa akin ay hindi isang sakit, ngunit ang kakayahang tumagos sa isang espesyal na mundo. Ang isang tao ay napupunta sa ibang katotohanan, at interesado akong malaman ito. Pinupukaw nito ang aking imahinasyon na maghanap ng mga bagong solusyon sa koreograpiko. Gusto kong ilagay ang aking mga karakter sa matinding mga sitwasyon, dahil sa kanila ay sapat nilang ipinapahayag ang kanilang mga damdamin. Ngunit, sa kabilang banda, nagsagawa rin ako ng mga komedya. At ang susunod kong premiere ay komedya lang. Hanggang sa ibunyag ko ang lahat ng card, hindi ko alam kung makakahanap ako ng mga tamang trick ngayon at pasayahin ang mga tao. Ang pagtatrabaho sa genre na ito ay mas mahirap kaysa sa paglikha ng mga trahedya. Ngunit nais kong bigyan ang publiko ng kagalakan.

Ano ang pinaka-kagiliw-giliw na panahon sa iyong karera sa loob ng apatnapung taon?

Ang pinaka-kagiliw-giliw na bagay ay nangyayari ngayon. Marami akong ideya, at ipinagbabawal ng Diyos na naisakatuparan ko ang lahat ng aking mga plano.

Noong 2013, binuksan ang iyong Dance Academy. After graduation, sasayaw ba ang mga graduates sa tropa mo? Magagawa ba nilang magtrabaho para sa iba kung gusto nila? Tinuturuan mo ba sila ng classical choreography?

Sana dumating sa tropa ko ang pinakamagaling sa mga estudyante. Ang batayan ng programa ng Academy ay klasikal, ngunit ang aming mga mag-aaral ay nag-aaral din ng maraming iba pang mga paksa na hindi magagamit sa mga ordinaryong choreographic na paaralan: moderno, jazz, gymnastics, plastic expression. Ang mga disiplinang ito ay nagpapaunlad ng imahinasyon ng hinaharap na artista, na ginagawa siyang isang tunay na maraming nalalaman na tagapalabas.

Ano sa palagay mo, mga kabataang nasa labing pito o labingwalong taong gulang, mga nagtapos sa kolehiyo, kaya ba nilang maghatid ng mga madamdaming emosyon na pinagkalooban mo ng mga karakter ng iyong mga pagtatanghal?

Siyempre, ang isang 18-taong-gulang na artista ay hindi maaaring pumasok sa mundo ng mga hilig ng parehong Dostoevsky, maunawaan ang pagkahagis sa pagitan ng Diyos at ng diyablo na inilarawan ng manunulat. Nangangailangan ito ng karanasan sa buhay. Ngunit ang mga mananayaw ay nagmature nang napakabilis. Literal na dalawa o tatlong taon pagkatapos sumali sa teatro, mayroon kaming isang handa na propesyonal.

Minsan ba ay nakakaramdam ka ng pagdududa at kawalang-kasiyahan sa iyong mga pagtatanghal?

Siyempre, kung hindi, hindi ko na ginawa muli ang lima sa aking matagumpay na balete. Ako mismo ang pinakamatinding kritiko at walang awa akong tumitingin sa aking binubuo.

Sabihin mo sa akin, maaari bang maitanghal sa iyong buhay ang isang kawili-wiling ballet sa istilo ni Eifman?

Natatakot ako no. Sa isang pagkakataon, mahal na mahal ko si Freud at gusto kong magtanghal ng balete tungkol sa kanya. But then I realized na hindi ko kaya. Walang maliwanag na pahina sa kanyang talambuhay. Ipinanganak, nagtrabaho nang husto - iyon lang. Ganun din sa akin. Walang mga panlabas na hilig sa aking buhay na makakapitan. Lahat ng emosyon ko nasa mga sinulat ko. Hindi ko lang matiis kung mayroon ding malalaking drama sa personal kong buhay.

Nabasa ko na bilang isang bata ay isinulat mo sa iyong talaarawan na "nagsisimula kang panatilihin ang mga talang ito upang matulungan ang mga espesyalista sa hinaharap na maunawaan ang mga pinagmulan ng iyong trabaho."

Seryoso mo akong pinag-aralan (laughs). Kapag nasa Petersburg ka, ipapakita ko sa iyo ang talaarawan na ito.

Lahat tayo ay may ganoong mga pangarap at maging mga maling akala ng kadakilaan sa pagkabata. Ngunit ikaw, ngayon ay masasabi na natin, na para bang mula pagkabata ay itinakda mo ang iyong sarili para sa tagumpay at kaisahan. Bagaman sa oras na iyon ang ideya ng pagpapakita ng isang panaginip ay hindi pa uso.

Ang bawat isa ay may kanya-kanyang pangarap, at maaari kang magsikap sa loob ng ilang dekada upang makamit ang mga ito. Ngunit ito ay isang bagay kung ikaw ay patuloy na kumikilos patungo sa iyong layunin, at isa pa kung ikaw ay nagpapantasya nang walang ginagawa. Kahit ngayon, na naging isang hinahangad na koreograpo, umaasa pa rin akong matupad ang aking pangarap at lumikha ng perpektong pagganap na napuntahan ko sa buong buhay ko.

Parang bata ka na may premonition na sisikat ka.

Tapos simpleng boyish bravado. Bagaman, siyempre, sa ilang antas ng hindi malay, naiposisyon ko na ang aking sarili sa isang tiyak na paraan sa larangan ng sining ng koreograpiko, at kamangha-mangha ang gayong pananaw. Pero ang mas ikinamangha ko ay puno pa rin ako ng creative energy.

Pangarap mo lang ba ng kapayapaan? Ayaw mo man lang tumigil?

Matagal nang huminto ang mga kasamahan sa aking edad at huminto sa pag-compose ng mga ballet. At ako, sa kabaligtaran, nais na lumikha ng higit pa at higit pa. Hindi ako makakaalis ng isang araw na walang trabaho. Ito ay uri ng isang pagkagumon.

Sa lahat ng apatnapung taon ng pagkamalikhain, ang iyong tropa ay wala at wala pa ring sariling lugar. Sabihin sa amin kung ano ang nangyayari sa pagtatayo ng iyong gusali ng teatro.

Nagplano kaming magtayo ng dalawang sinehan. Ang una, ang St. Petersburg Children's Dance Theater, ay ginagawa bilang bahagi ng complex ng aming Academy. Ang pagtatayo nito ay puspusan na sa aktibong suporta ng gobernador na si Georgy Poltavchenko, at sa palagay ko ay handa na ang teatro sa susunod na taon. Gayundin, isang paaralang pangkalahatang edukasyon ang itatayo sa Academy of Dance. Ang pagpapatupad ng proyekto ng Dance Palace ay responsibilidad ng pederal na pamahalaan. Habang ang pagtatayo ng bagong internasyonal na ballet center ay hindi pa nagsisimula, ang lahat ay nasa yugto ng paghahanda.

Nais mo na bang lumikha ng iyong sariling paaralan ng koreograpia? Iwanan ang mga kahalili?

Kapag ang Dance Palace sa wakas ay lilitaw, kung gayon, gaya ng inaakala ko, tatlong tropa ang gagana rito: sa akin - kumakatawan sa psychological ballet, classical at avant-garde. Pinlano din na lumikha ng isang malikhaing laboratoryo, kung saan magsisimulang magtrabaho ang isang studio ng mga batang koreograpo. Kami ay mag-iimbita ng mga natatanging kontemporaryong ballet figure mula sa buong mundo upang ibahagi ang isang piraso ng kanilang karanasan sa mga baguhan na kasamahan.

Ngunit sa sandaling ito ay wala kang kapalit? Masasabi ba natin na ang istilo ni Eifman ay titigil nang wala ka?

Sa kasamaang palad, walang kapalit. Sa palagay ko ang aking teatro ay hindi titigil na umiral, dahil nakagawa na kami ng isang natatanging repertoire ng ballet ng modernong Russia. At bakit iniisip ang mga malungkot na bagay? May magpapatuloy sa aking trabaho, ang tanong ay nasa anong antas. Walang nakakaalam kung ano ang mangyayari. Si Balanchine, halimbawa, ay nagsabi: "Ako ay mamamatay, at ang lahat ng ito ay mamamatay kasama ko." Ngunit natagpuan ang mga tao, lumitaw ang isang pondo, at naging imortal si Balanchine. Bawat artista ay may kanya-kanyang kapalaran.

Noong una mong sinimulan ang iyong karera, halos wala kang access sa mga tagumpay ng kontemporaryong koreograpia ng mundo at nilaga lamang sa sarili mong katas ng mga ideya at tradisyon ng klasikal na ballet. Paano nagbago ang iyong choreography sa mga araw na ito? Kapansin-pansin ba dito ang impluwensya ng modernong koreograpia?

Ilang dekada na ang nakalipas, ang aking koreograpia ay mas simple, mas primitive kaysa ngayon. Ngayon, na-absorb niya ang iba't ibang uso at istilo. Hindi ko sinasadyang pumunta para dito. Ito ay isang binata pa rin na nabubuhay sa akin, na sa lahat ng oras ay gustong matuto, upang matuklasan ang hindi alam. At ang patuloy na panloob na pag-unlad na ito ay nagpapahintulot sa aking koreograpia na makakuha ng isang ganap na bagong antas ng pagpapahayag. Ang mga nakakita kay Tchaikovsky dalawampung taon na ang nakalilipas ay nanonood pa rin ng ballet na Tchaikovsky. PRO et CONTRA”, ay namangha at nagsabing ibang performance ang kinakaharap nila, na may mas expressive na kaplastikan. Napaka moderno ng choreography na kino-compose ko, but at the same time spiritualized. Wala itong pagiging abstruse ng mga abstractionist, ang walang katapusang kahungkagan. Puno ito ng kahulugan at damdamin.

Ipinapahayag mo na makikilala mo ang kaluluwa ng tao sa pamamagitan ng koreograpia. Ano ang natutunan mo tungkol sa kaluluwa ng tao sa loob ng apatnapung taon bilang koreograpo?

Ang kaluluwa ay isang hindi kilalang sangkap. Kung sasabihin natin na ang kaluluwa ay ang kabuuan ng ating mga damdamin, hindi ito magiging ganap na totoo. Ang isang tao ay naging isang tao, nakakuha ng kakayahang makiramay at umunawa. Ang mga hayop, siyempre, ay nakakapagpahayag din ng mga emosyon. Gayunpaman, ang tao ay umabot sa isang mas mataas na antas. Ang kanyang mga emosyon ay lumitaw sa pamamagitan ng pag-unawa. Ngayon, ang lahat ay maaaring masukat, kalkulahin, nakadikit sa mga sensor. Ngunit hindi pa nila natutunan kung paano magsagawa ng pagsusuri sa computer ng kaluluwa. Pagkatapos ng lahat, siya ay regalo ng Diyos, ang lihim na gumagawa sa atin ng tao.

Kinapanayam ni Olga Smagarinskaya

New York, Hunyo 2017

BORIS EIFMAN

artistikong direktor ng St. Petersburg State Academic Ballet Theatre.

Si Boris Eifman ay isa sa iilang koreograpo ng Russia, kung hindi lang isa, na patuloy na aktibong malikhaing gawain sa loob ng mga dekada. Ang kanyang malikhaing listahan ay may kasamang higit sa 50 mga produksyon. Ang koreograpo ay isang People's Artist ng Russia, nagwagi ng State Prize ng Russia, ang Golden Mask at Golden Soffit awards, may hawak ng Order of Merit para sa Fatherland IV, III at II degree, pati na rin ang may-ari ng maraming internasyonal na mga parangal. at mga pamagat.

Si Boris Eifman ay ipinanganak sa Siberia at nagtapos sa ballet master department ng Leningrad Conservatory. Noong 1977, nilikha niya ang kanyang sariling tropa - ang Leningrad "New Ballet", na kilala ngayon ng milyun-milyong manonood bilang St. Petersburg State Academic Ballet Theater ng Boris Eifman. Ang konsepto ng kolektibo ay medyo matapang: nilikha ito bilang isang may-akda, teatro ng direktor, isang eksperimentong laboratoryo ng isang koreograpo.

Ngayon, ang Boris Eifman Ballet Theatre ay kilala sa mga mahilig sumayaw sa North at South America, Europe, Asia, at Australia para sa mga pagtatanghal nito na I Am Don Quixote, Red Giselle, Russian Hamlet, Anna Karenina, The Seagull, Eugene Onegin ”, “Rodin ”, “Sa Iba pang Gilid ng Kasalanan”, “Requiem”, “Up & Down”, “Tchaikovsky. PRO at CONTRA". Ang mga gawang kinikilala sa pangkalahatan ay hindi lamang nagpapakita ng mga tagumpay ng modernong ballet ng Russia sa pinakamataas na antas ng artistikong, ngunit ipinakilala din ang madla sa walang kamatayang espirituwal na pamana ng kulturang Ruso at mundo, na nagbibigay inspirasyon sa koreograpo at kanyang mga mananayaw.

Si Eifman ay isang koreograpo-pilosopo. Nag-aalala siya tungkol sa mga problema ng modernidad at mga lihim ng pagkamalikhain. Ang artist ay tapat na nagsasalita sa madla tungkol sa pinaka kumplikado at kapana-panabik na aspeto ng pagkakaroon ng tao, na tinukoy ang genre kung saan siya gumagana bilang "psychological ballet". Tinawag ng New York Times si Boris Eifman na isang pinuno sa mga buhay na koreograpo: “Ang mundo ng balete, sa paghahanap ng isang punong koreograpo, ay maaaring huminto sa paghahanap. Siya ay natagpuan, at ito ay si Boris Eifman.

Ang isang mahalagang yugto sa buhay ng teatro ay nagsimula noong 2011, nang ang Pamahalaan ng St. Petersburg ay nagpasya na simulan ang pagtatayo ng Boris Eifman Dance Academy, na pinasimulan ng koreograpo. Noong Setyembre 2013, ang makabagong uri ng paaralang ballet na ito, na ang mga aktibidad ay naglalayong turuan ang mga malikhaing piling tao ng Russia, ay nagsimula sa kanyang unang akademikong taon.

Gayundin sa malapit na hinaharap, ang Boris Eifman Dance Palace ay lilitaw sa St. Petersburg, na idinisenyo upang maging isa sa mga sentro ng sining ng sayaw sa mundo.

Ang mga pagtatanghal ng koreograpo ay inilipat sa mga yugto ng Berlin, Vienna, Warsaw, Naples, Riga, Buenos Aires, Montevideo, Tokyo, Seoul, Astana at iba pang mga lungsod.

Olga Smagarinskaya. Nagtapos mula sa Faculty of Journalism ng Moscow State University. Sa panahon ng kanyang mga taon ng pag-aaral, nakipagtulungan siya sa iba't ibang (noong panahong iyon ay Sobyet pa rin) na mga publikasyon. Siya ay nanirahan sa Chicago, London, Singapore, at kasalukuyang nakabase sa New York kasama ang kanyang asawa at dalawang anak. Nai-publish sa Elle Russia, Elegant New York, Ballet Insider, RUNYweb.com, Floors, Music Seasons.

Noong Marso, ang St. Petersburg State Academic Ballet Theater ng Boris Eifman ay nagpapakita ng mga piling produksyon ng repertoire nito sa entablado ng Alexandrinsky Theater. Ang mga pagtatanghal na ito ay ang unang malalaking serye ng mga pagtatanghal ng tropa sa St. Petersburg noong 2017, kung saan ipinagdiriwang ng tropa ang ika-40 anibersaryo nito.

"Chaikovsky. PRO at CONTRA»

Si Tchaikovsky ang paboritong kompositor ni Boris Eifman. Ang koreograpo ay nagtanghal ng mga pagtatanghal ng The Idiot, Red Giselle, Musaget, Anna Karenina at Eugene Onegin sa kanyang musika.

Noong 1993, nakita ng madla ang ballet na "Tchaikovsky", na isang malaking tagumpay sa buong mundo.

At noong Mayo noong nakaraang taon, nag-alok si Eifman sa publiko ng isang bagong produksyon, bilang resulta ng kanyang maraming taon ng pag-unawa sa personalidad at malikhaing mundo ng mahusay na kompositor. Ang pagganap ay tumutugma sa modernong artistikong at teknolohikal na kakayahan ng ballet theatre.

"Tchaikovsky. PRO at CONTRA". Larawan: Evgeny Matveev

Ang pagiging mapag-imbento ng plastik na wika ay nagbigay-daan kay Boris Eifman na mapansing tuklasin ang panloob na personal na paghihiwalay na masakit na tiniis ni Tchaikovsky at naging mapagkukunan ng hindi mabata na pagdurusa sa isip para sa kanya.

Sa loob ng maraming taon, bumaling sa musika ni Tchaikovsky, napagtanto ko kung gaano kalalim, kalaliman ang mundo ng kompositor, sabi mismo ni Boris Eifman. - Napagtanto ang iba't ibang mga paksa na may kaugnayan sa kanyang trabaho, mental na kakanyahan, mga relasyon sa mga mahal sa buhay. Ang lahat ng ito ay hindi ko pa sapat na na-explore dati. Nais kong lumikha ng isang gawain kung saan maaari akong mas malalim sa mga elemento ng malikhaing pagdurusa ni Tchaikovsky.

Para sa kanyang pagganap bilang Antonina Milyukova, asawa ni Tchaikovsky, ang soloista ng teatro na si Lyubov Andreeva ay iginawad sa Golden Soffit Award. At ang buong ballet ensemble ay iginawad ng isang espesyal na premyo mula sa ekspertong konseho ng Golden Soffit.

"Roden"

Ang ballet ay itinanghal noong 2011 sa musika ng Ravel, Saint-Saens, Massenet at nakatuon sa kapalaran at gawain ng mga dakilang iskultor na si Auguste Rodin at ng kanyang estudyante, manliligaw at muse na si Camille Claudel.

Ang produksyon ay ipinakita na may mahusay na tagumpay sa nangungunang mga lugar ng teatro sa New York, Washington, Los Angeles, Paris, London, Berlin, Vienna, Madrid, Budapest, Moscow at marami pang ibang mga lungsod.

Ang balete ay ginawaran ng mga parangal na "Golden Mask" at "Golden Soffit".

"Ang Pranses na artista na si Auguste Rodin ay nilikha mula sa luad. Ang koreograpong Ruso na si Boris Eifman ay lumilikha ng mga eskultura mula sa mga katawan. Parehong mga masters ng kanilang craft, at kahit na magkaiba ang kanilang mga istilo, ang parehong mga artist ay lumikha ng mga hindi malilimutang larawan ng kagandahan at pagiging perpekto.

"Anna Karenina"

Ang isa sa pinakamatagumpay na pagtatanghal sa repertoire ng teatro ay itinanghal noong 2005 sa musika ni Tchaikovsky. At sa loob ng 12 taon na ngayon, ang produksyon ay ipinakita na may patuloy na tagumpay sa pinakamahusay na mga yugto ng Russia, America, Australia, Great Britain, Germany, Holland, Spain, France, China at marami pang ibang mga bansa. Sa kanyang pagganap, nakatuon si Boris Eifman sa tatsulok ng pag-ibig na "Anna - Vronsky - Karenin" at lumikha ng isang napakatalino na halimbawa ng psychoanalysis sa entablado, isang kalunos-lunos na salaysay ng kakila-kilabot na panloob na muling pagsilang ng isang babae na nagtataglay ng isang "pangunahing instinct".

"Anna Karenina". Larawan: Guillermo Galindo

Sa nobelang "Anna Karenina" ay hindi lamang isang paglulubog sa sikolohikal na mundo ng pangunahing tauhang babae, kundi pati na rin ang isang tunay na psychoerotic na pag-unawa sa kanyang pagkatao. Para sa akin, si Anna ay isang taong lobo, dahil dalawang tao ang nakatira sa kanya: sa panlabas - isang sekular na ginang na kilala ni Karenin, ng kanyang anak, at ng mga nakapaligid sa kanya. Ang isa ay isang babaeng nalubog sa mundo ng mga hilig,” sabi ng koreograpo.

Ang pagtatanghal ay ginawaran ng prestihiyosong mga parangal sa teatro na "Golden Mask" at "Golden Soffit".

Gagawin ng tropa ang pangalawang pagtatanghal ni Anna Karenina bilang parangal sa World Theater Day

Si Boris Eifman ay tinatawag na choreographer-pilosopo, choreographer-psychoanalyst at "theatrical magician". Itinuturing ni Eifman ang mga karakter ng kanyang mga pagtatanghal na "mga kasamahan ng kanyang buhay." Hinahangad niyang matuklasan ang hindi alam sa mga sikat na bayani - at ginagawa niya ito sa tulong ng sining ng ballet.

"Ang aking unang pagtatanghal"

Si Boris Eifman ay ipinanganak noong 1946 sa pamilya ng inhinyero na si Yankel Eifman. Isinulat niya ang kanyang unang choreographic number sa edad na 13. Sinimulan ng bata ang isang notebook na tinatawag na "My first performances." Sa unang pahina ay sinabi nito: "Sinimulan ko ang mga talang ito upang matulungan ang mga espesyalista sa hinaharap na maunawaan ang mga pinagmulan ng aking trabaho". Noong 1960, pumasok siya sa choreographic department ng Chisinau Music College. Di-nagtagal, si Eifman ay namamahala na sa choreographic studio sa Palace of Pioneers. Naalala niya: "Sa edad na labing-anim ay nagsimula na akong gumawa ng mga ballet, o sa halip na mga eksena. Pero dramatic ang mga eksena. Naaalala ko na binubuo ko ang isang maliit na ballet sa tema ng pelikulang "Start in Life" kasama si Zharov sa pamagat na papel.

Matapos makapagtapos mula sa Leningrad Conservatory noong 1972, ang koreograpo ay nagtrabaho nang maraming taon sa Leningrad Academic Choreographic School na pinangalanang Agrippina Vaganova (ngayon ang Vaganova Academy of Russian Ballet). Si Eifman ay nagturo, nagtanghal ng mga ballet ng mag-aaral at sa parehong oras ay nagtrabaho sa mga pagtatanghal para sa Kirov Opera at Ballet Theater (ngayon ay ang Mariinsky Theatre). Ang pinakasikat sa mga taong iyon ay ang mga ballet na Gayane (1972) sa musika ng Aram Khachaturian at The Firebird (1975) sa musika ni Igor Stravinsky. Pagkatapos ng premiere sa Leningrad, ipinakita ang The Firebird sa paglilibot sa Moscow at Japan. Si Boris Eifman ay naging isang koreograpo na kilala sa buong mundo.

Ang body language ay isang napakaluma, napakatalino at natatanging kasangkapan para sa pagpapahayag ng sarili, kaalaman at komunikasyon. Ang paglikha ng isang bagong uri ng pagtatanghal ng ballet ay ang layunin ng aking malikhaing buhay na may kamalayan.

Boris Eifman

Bagong ballet

Noong 1977, inorganisa ni Boris Eifman ang "New Ballet" (ngayon - ang St. Petersburg State Academic Ballet Theater ng Boris Eifman) - ang unang teatro ng may-akda ng modernong koreograpia sa Unyong Sobyet.

Ang koponan ni Eifman sa una ay medyo maliit. Ang teatro ay walang sariling entablado, o permanenteng lugar para sa pag-eensayo at pag-iimbak ng mga props. Gayunpaman, ang unang programa ay isang malaking tagumpay sa madla. Kabilang sa kanyang mga produksyon ay ang "Only Love" (musika ni Rodion Shchedrin), "Perpetual Motion" (musika ni Aram Khachaturian), "Under the Cover of Night" (musika ni Bela Bartok).

Sa USSR sa mga taong iyon, ang musikang Kanluranin ay nasa ilalim ng hindi sinasalitang pagbabawal. At si Boris Eifman ay inspirasyon ng gawain ng mga musikero sa Kanluran. Nilikha niya ang dulang "Temptation" sa musika ni Rick Wakeman, isang miyembro ng British rock band na Yes; ang ballet na "Boomerang", batay sa gawa ni John McLaughlin, isang British jazz fusion guitarist. Pagkatapos ng produksyong ito, sumulat ang New York Times tungkol sa koreograpo. Ang publikasyon ay tinawag na "Boris Eifman - ang taong nangahas."

Boris Eifman. Larawan: eifmanballet.ru

Naalala ni Boris Eifman kung paano nabuo ang ideya ng dula na "Double Voice": “Narinig ko ang musika na nag-udyok sa akin na mag-compose ng choreography. Wala akong anumang oposisyon sa aking kaluluwa, tanging ang pag-ibig para sa musikang ito at ang pagnanais na magtanghal ng isang ballet dito.. Idineklara ng mga kritiko ng Sobyet na ang "two-boses" ay dissident, isinulat nila ang tungkol sa may-akda na hinamon niya ang mga awtoridad. Si Eifman ay seryosong nag-isip tungkol sa paglipat mula sa USSR.
“Naramdaman ko talaga ang pagiging dayuhan ko, parang may temporary residence permit ako. May pakiramdam na hindi ngayon - lahat ay isasara bukas, "sabi ni Boris Eifman.

Noong 1987, nagpasya si Boris Eifman na itanghal ang The Master at Margarita batay sa nobela ni Mikhail Bulgakov sa kanyang interpretasyon. Ang choreographer ay lumikha ng isang balete kung saan ipinakita niya ang mapanirang impluwensya ng totalitarian system sa indibidwal. Pagkatapos ay naisip niya na ang produksyon na ito ay ang huling, at inaasahan ang anumang bagay - ang galit ng mga kritiko, panliligalig sa press. Ngunit ang parehong mga kritiko at madla ay tinanggap ang produksyon nang may sigasig, na tinawag itong sining ng isang nabagong Russia.

Ang kapalaran ng Master ang pangunahing tema ng balete. Nang makita ang kanyang pagdurusa, hindi namin maiwasang maalala ang matagal na sapilitang pananahimik ni Bulgakov (hindi nagkataon na unang lumitaw ang Guro sa dula na mahigpit na nakatali ang kanyang bibig), at ang kapalaran ng kanyang mga gawa, na ang ilan ay hindi na muling nai-print para sa higit sa 60 taon.

Arsene Degen, kritiko ng ballet

Sa huling bahagi ng 1980s, ang Eifman Theater ay nagpunta sa paglilibot sa unang pagkakataon - sa New York. Nang maglaon ang mga paglalakbay na ito ay naging taunang. Ngayon ang teatro ay kilala sa mga bansa ng Hilaga at Timog Amerika, Europa at Asya. Si Eifman ay lumikha ng higit sa 40 ballet productions ng iba't ibang genre. Kabilang sa mga ito ang mga pagtatanghal batay sa mga klasikong Ruso, mga engkanto, rock ballet.

Tchaikovsky, Pushkin, Fitzgerald

Tinawag ni Boris Eifman ang kanyang mga pagtatanghal na "psychological ballet". Noong 1993, ang premiere ng ballet na Tchaikovsky ay naganap sa entablado ng teatro ng St. Petersburg Conservatory. Ang kompositor na itinanghal ni Boris Eifman ay isang tao ng mga panloob na kontradiksyon, siya ay patuloy na naghahanap ng kanyang sarili. Ang mga pagsusuri ng mga manonood at kritiko pagkatapos ng premiere ay magkasalungat: ang ilan ay naramdaman na ipinakita ni Boris Eifman ang pinaka kumplikadong espirituwal na mundo ng isang henyo, ang iba ay binaluktot niya ang talambuhay ng mahusay na kompositor.

Nilikha ni Eifman ang pinakakumplikado ng kanyang mga ballet. Una, ang kumpletong pagkakaisa ng disenyo ay nakamit. Ang mga larawan ay nagpapalit sa bawat isa nang walang haba, na may kalinawan ay mayroong isang kuwento tungkol sa patuloy na pakikibaka na pinangungunahan ng kompositor sa kanyang sarili.

Gerard Mannoni, kritiko ng ballet

Noong 2009 ang pagganap ni Boris Eifman na si Eugene Onegin. Online". Ang koreograpo ay dati nang bumaling sa mga gawa ng mga klasikong Ruso. Aniya, natapos ang pagtatanghal ng isang trilogy, ang mga naunang bahagi nito ay ang Anna Karenina batay sa nobela ni Leo Tolstoy at The Seagull batay kay Chekhov. Ang "Encyclopedia of Russian Life" sa musika ni Pyotr Tchaikovsky at ang kompositor ng rock ng Sobyet na si Alexander Sitkovetsky ay ang interpretasyon ng may-akda sa kuwento ni Pushkin. Ang ikalawang yugto ng dula ay nagaganap sa kontemporaryong Russia. Ang asawa ni Tatyana - isang heneral - ay naging isang modernong oligarko. At tinanggihan ni Tatyana ang panliligaw ni Onegin, na natatakot sa kapangyarihan ng isang maimpluwensyang asawa.

Sa Petersburg, si Boris Eifman ay hindi isang koreograpo o isang artista. At sino - hindi ko alam, dahil ang mga teksto tungkol sa kanya ay karaniwang nakasulat na nakakatawa; nagsusulat sila, siyempre, mga seryosong artikulo, ngunit sa ilang kadahilanan ay naglalaman pa rin sila ng isang tiyak na paglukso ng komedya at isang mapanuksong pag-agos. Si Boris Eifman ang pinaka-organic sa light genre.

Gaya ng kadalasang nangyayari, siya mismo ay may ibang opinyon. Siya mismo ay nag-iisip na siya ay isang artista ng mahusay na mga tema, nagniningas na mga hilig, mga monumental na anyo at mga order ng estado. Ngayon, dinadala ng kanyang teatro sa Moscow ang maraming beses na ipinakitang ballet na "Russian Hamlet" at ang bagong bagay na "Who's Who". Ang "Russian Hamlet" ay, sa katunayan, isang larawan kung paano naiisip ni Boris Eifman ang kanyang sarili. Kadalasan ang lahat ay nagsusulat na ang ballet ay iskultura at arkitektura, ngunit kung minsan kahit na ang mga manunulat mismo ay walang ideya kung hanggang saan. Ang "Russian Hamlet" ni Eifman ay ang mga monumento ng Zurab Tsereteli at ang arkitektura ng masayang Luzhkov's baroque; sa kabila ng malaki nitong laki at inspiradong nakataas na kilay, ito ay isang hindi kapani-paniwalang mapaglaro, walang kuwenta, mapanlikhang sining. Doon sa Eifman's, alam mo, ang corps de ballet ay nag-click gamit ang mga kutsara ng Palekh at si Catherine the Great ay naglalakad sa entablado sa isang brocade na mantle sa kanyang mga balikat at may isang maliit na Bronze Horseman sa kanyang mga kamay. At lahat na may napakaseryosong mukha: ang corps de ballet, at si Ekaterina, at ang sham baby rider. Hindi walang dahilan, ang "Russian Hamlet" ay kinopya para sa Bolshoi Theater ilang taon na ang nakalilipas at nag-ugat doon. Ang Moscow ng Luzhkov limang taon na ang nakakaraan ay isang perpektong natural na kapaligiran para sa kanya. Ngayon ang numerong ito ay hindi pumasa. Mayroon akong hindi kapani-paniwalang paggalang kay Boris Eifman nang makita kong naiintindihan niya ito mismo. Inalog ang bronze dust mula sa kanyang mga paa, si Boris Eifman ay nagtanghal ng isang bagong-bagong ballet-musical (ganito siya mismo ang nagpasiya na siya ay nagtagumpay). Diyos, naisip ko, siyempre!

Sa dulo ng pamagat ng musical ballet na ito - "Who's Who" - ang dating Eifman ay tiyak na maglalagay ng tandang pananong ni Solzhenitsyn. Mula sa bagong Eifman - hindi ka makakakuha ng kahit isang simpleng tuldok. Sa ballet na ito - ang lahat ay parang sa pelikulang "Only Girls in Jazz", sa halip na kumanta, siyempre, sumayaw. Dalawang ballet dancer ang nagpapanggap na babae. Hindi naman blonde ang inuman dancer. Ngunit sa isang lacquered na itim na peluka, medyas at takong, ang prima ni Eifman na si Vera Arbuzova ay mukhang napakainit pa rin. At jazz melodies at ritmo, ang madla ay nagsisimula sa stomp sa beat. Ang palabas ay may maliit na badyet. Sa kahulugan na may mga neon pulse sa pagganap, at ang mga multo ng Broadway, at mga hagdan na may mga de-kuryenteng ilaw. Pero napakahinhin. Ngunit alam ng bawat bata: sa ballet, ang mga binti ay ang ulo ng lahat. Ang mga artista ni Eifman, mula sa dalawang nanliligaw sa mga punong ministro hanggang sa huling linya ng isang sequined corps de ballet, ay malinaw na nasa kanilang pinakamahusay dito. Pinilit ng isang editor ng pahayagan ang isa sa aking mga kakilala na manunulat ng ballet: sumulat at sumulat ng isang problemadong sanaysay tungkol sa kung paano naiimpluwensyahan ng mga bagong musikal na Ruso ang paraan ng paggalaw, at pinangalanan pa ang isang pares ng hindi malinaw na mga batang koreograpo. Kaya: Tatawa na sana ako sa harap ng editor. Kalimutan ang lahat ng nakita mo na sa mga musikal ng Russia. Kung sinuman ang makakaimpluwensya sa sining ng paggalaw sa pamamagitan ng musikal, ito ay ang koreograpo na si Boris Eifman. Tanging mga matatanda lamang ang pumupunta sa labanan. Panalo din sila. Siyempre, ang ideal na artista para sa Who's Who would be Zurab Tsereteli, at ang mga costume ay magmumula kay Valentin Yudashkin. Kung gayon magkakaroon ka ng - at mga ilaw, at mga hagdan, at mga pulso, at lahat, lahat, lahat. At kaya - tanging si Vera Arbuzova at ang kanyang mga kasama ang kumukuha ng rap para sa lahat.